Archives par mot-clé : théâtre

Parution : Explosions populaires (Orages n°19)

Orages. Littérature et culture (1760-1830), n° 19, “Explosions populaires”, sous la direction de  Sophie Marchand et Olivier Ritz, 2020. 

« Ce grand volcan aurait pu dormir encore longtemps, il s’est embrasé, il s’est éteint, il s’est rallumé. les écrivains ont voulu que les laves coulassent d’un côté plutôt que d’un autre ; ces laves ont emporté le journaliste et sa plume. »

Ces mots de Louis-Sébastien Mercier, tirés du chapitre du Nouveau Paris intitulé « Explosion », résument les questions qui nourrissent ce numéro d’Orages. les articles ici réunis se penchent sur les modalités choisies pour représenter les explosions populaires de la période 1760-1830 et sur l’émergence de formes propres à les incarner et à les porter. Ils s’intéressent aussi aux jugements et à l’axiologie qui accompagnent ces phénomènes. La littérature, les arts, la pensée se trouvent également modifés : l’explosion concerne des formes et des publics régénérés par les bouleversements historiques.

La spécifcité de ce numéro est de ne pas se cantonner au point de vue des contemporains des événements. Ces explosions populaires que les arts et les discours fixent sur le moment façonnent des grilles d’intelligibilité de l’histoire qui ont elles-mêmes une histoire. Ce sont aussi ces usages des figurations du peuple, de ses émotions, de son accès à la représentation que nous souhaitons interroger, depuis le théâtre du règne de louis XVI jusqu’aux représentations contemporaines de la Révolution.

Le dossier rassemble des contributions de Sophie Wahnich, Thibaut Julian, Jacob Lachat et Shelly Charles, ainsi que le compte rendu d’une table ronde avec Florent Grouazel et Younn Locard, auteurs de la bande dessinée Révolution, couronnée par le Fauve d’or au Festival d’angoulême 2020. la rubrique « Textes » présente un extrait de l’Apologie de la Révolution française de James Mackintosh (1792) présenté par Olivier Ritz, ainsi que les dénouements du Masaniello de Carafa (1827) et de La Muette de Portici d’auber (1828) introduits par Olivier Bara.

Un entretien exclusif avec Éric Vuillard, auteur de 14 Juillet (2016) et de La Guerre des pauvres (2019), publiés chez Actes Sud, complète ce dossier.

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Parution : La Commune des écrivains

La Commune des écrivains. Paris, 1871 : vivre et écrire l’insurrection, Gallimard, “Folio Classique” (n° 6920), 2021

Édition de Jordi Brahamcha-Marin et Alice De Charentenay

18 mars-28 mai 1871 : le peuple de Paris prend les armes pour s’opposer à la défaite de la guerre franco-allemande de 1870 et à une Assemblée nationale à majorité monarchiste. Commence alors une expérience d’autogestion, une utopie fraternelle et sociale. Ouvriers, artisans, hommes et femmes : une population jusqu’alors invisible se fait entendre. Malgré sa brièveté, la Commune occupe dans les mémoires la place lumineuse d’un événement fondateur. Comme l’affaire Dreyfus, elle a divisé pour longtemps les Français, entre fédérés et versaillais, insurgés et légitimistes.

Vivre un tel événement pousse à écrire : témoigner, tirer un bilan, donner à entendre le bruit des balles qui claquent depuis les collines de Paris, offrir le goût du temps des cerises. Une littérature s’invente au printemps 1871, qui ne se cantonne ni aux genres canoniques ni aux auteurs consacrés. A côté des romans, poèmes et pièces de théâtre, on trouve des chansons populaires, hymnes politiques, articles de presse, affiches placardées sur les murs, témoignages de combattants. Hugo, Flaubert, Rimbaud, Verlaine, Vallès voisinent avec Malvina Blanchecotte ou Alix Payen. L’extraordinaire foisonnement de textes lus et entendus dans les rues de Paris se retrouve dans les pages de cette anthologie.

Appel à communications : Intermédialité. Dialogue des arts et des genres

Colloque international virtuel “Intermédialité : dialogue des arts et des genres”, 1-2 avril 2021

Organisé par le Laboratoire Langues, Littératures, Arts et Cultures de l’Université Mohammed V de Rabat. 

Coordonné par le professeur Abdelmajid AZOUINE de l’Université Mohammed V de Rabat et par l’écrivain et chercheur Mountajab SAKR. 

Poète invité : Philippe Tancelin, professeur émérite à Paris 8, directeur de la collection “Poètes des cinq Continents” à l’Harmattan.

Échéance des propositions : 8 mars 2021.

Appel

Le dialogue arts et des genres se situe au cœur de la création littéraire, il déclenche un débat sur le processus de chevauchement des genres artistiques et littéraires dans une seule œuvre. Pour aborder un tel champ de croisement entre chant et danse, poésie et théâtre, récit, témoignage, calligraphie et dessin, etc. les chercheurs peuvent se pencher sur l’analyse des œuvres littéraires qui hébergent une diversité au niveau de la forme et du contenu.

Un retour à l’histoire littéraire en Europe nous rappelle qu’au XVIIIe siècle, les salons littéraires ont réuni des artistes d’horizons divers tels que la musique, la peinture et la littérature. Ces réunions ont bien évidemment précédé l’émergence de l’édition au XIXe siècle, et ces formes de rencontres artistiques sont réapparues fortement dans les courants artistiques en fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle Tels que le dadaïsme, le futurisme, l’expressionnisme, l’impressionnisme, le cubisme, le surréalisme et autres.

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Parution : Acting Egyptian. Theater, Identity, and Political Culture in Cairo, 1869–1930

Carmen M. K. Gitre, Acting Egyptian. Theater, Identity, and Political Culture in Cairo, 1869–1930, University of Texas Press, 2019. 

In the late nineteenth and early twentieth centuries, during the “protectorate” period of British occupation in Egypt—theaters and other performance sites were vital for imagining, mirroring, debating, and shaping competing conceptions of modern Egyptian identity. Central figures in this diverse spectrum were the effendis, an emerging class of urban, male, anticolonial professionals whose role would ultimately become dominant. Acting Egyptian argues that performance themes, spaces, actors, and audiences allowed pluralism to take center stage while simultaneously consolidating effendi voices.

From the world premiere of Verdi’s Aida at Cairo’s Khedivial Opera House in 1871 to the theatrical rhetoric surrounding the revolution of 1919, which gave women an opportunity to link their visibility to the well-being of the nation, Acting Egyptian examines the ways in which elites and effendis, men and women, used newly built performance spaces to debate morality, politics, and the implications of modernity. Drawing on scripts, playbills, ads, and numerous other sources, the book brings to life provocative debates that fostered a new image of national culture and performances that echoed the events of urban life in the struggle for independence.

Carmen M. K. Gitre is an assistant professor of history at Virginia Tech University. She holds a PhD in history from Rutgers University and previously taught in the international studies and history departments at Seattle University.

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Journées d’études : Le théâtre de science-fiction

Journées d’étude organisées avec le soutien du Centre d’études théâtrales (CET), du Centre interdisciplinaire d’étude des littératures (CIEL) et de la Section de français de l’Université de Lausanne.

Pour préparer un prochain numéro de ReS Futurae consacré au théâtre de science-fiction, dont voici l’appel (clos), ces demi-journées en ligne auront pour but la présentation rapide et la discussion approfondie du travail (en cours) des chercheurs et chercheuses impliquées, sur la base d’une version de travail mise à disposition des autres participantes et participants.

Événement ouvert à tout public.

Écrire à Romain.Bionda@unil.ch pour disposer de l’accès (adresse et code).

PROGRAMME

Jeudi 21 janvier

13h : Accueil

13h10-13h25 : « Introduction »
Romain Bionda (Université de Lausanne)

13h30-14h00 : « La dérision futuriste dans l’histoire du théâtre québécois »
Jean-Louis Trudel (Université d’Ottawa) Continuer la lecture de Journées d’études : Le théâtre de science-fiction

Parution : Dumas amoureux. Formes et imaginaires de l’Éros dumasien

Julie Anselmini et Claude Schopp (dir.), Dumas amoureux. Formes et imaginaires de l’Éros dumasien, Presses Universitaires de Caen, coll. “Symposia”, 2020.

L’Éros proprement amoureux de Dumas, qui le poussa à accumuler sa vie durant conquêtes et maîtresses, est la figure emblématique d’une énergie vitale et d’un désir de littérature et d’action qui n’avaient pas, en tant que tels, fait l’objet d’assez d’attention.

Proposant une « éro-poétique » de l’œuvre dumasienne, l’ouvrage y aborde le désir selon plusieurs directions privilégiées. Il explore le désir amoureux et érotique, sa représentation, sa productivité et sa portée dans les différents genres illustrés par Dumas (théâtre, romans, contes, récits de voyage, autobiographie et écrits intimes, causeries…). Il envisage plus largement le désir comme une origine et un foyer de la création dumasienne, permettant d’en comprendre la fécondité, la variété, mais aussi les modes d’énonciation et de réception. Il s’intéresse enfin aux empreintes du désir chez les descendants biologiques et littéraires de Dumas, et à la façon dont les motifs sentimentaux et l’érotisme façonnent l’imaginaire qui se déploie dans les réécritures, les adaptations ou les suites de ses œuvres, telles que le D’Artagnan amoureux de Nimier.

Table des matières

Appel à propositions : Colonialisme et race dans les productions culturelles québécoises

Colonialisme et race dans les productions culturelles québécoises

Colloque à l’Université de Toronto, les 30 avril et 1er mai 2020

Organisé par Isabella Huberman et Isabelle Kirouac Massicotte

Les productions culturelles québécoises, quʼil sʼagisse de la littérature, du cinéma, des séries télévisées, du théâtre ou des arts picturaux, sont traversées par le colonialisme et la race, que ce soit implicitement ou explicitement. Cependant, ces questions demeurent peu étudiées dans les études littéraires québécoises; cʼest le constat que fait Corrie Scott à propos de la race dans De Groulx à Laferrière. Un parcours de la race dans la littérature québécoise (2014). Bien que nous nous situions dans la foulée des travaux de Scott, nous souhaitons ouvrir la discussion à dʼautres genres artistiques et au colonialisme qui, à notre sens, même sʼil se distingue du concept de race, en partage la logique : celle de légitimer la domination et lʼexploitation. Les contributions pourront aborder lʼune ou lʼautre notion, mais les études portant sur lʼintersection du colonialisme et de la race sont également les bienvenues. Bien que notre activité nʼexclut pas les perspectives des créateur.trice.s racisé.e.s et autochtones, elle se concentre sur des œuvres réalisées par des personnes allochtones et blanches, parce que nous considérons que le travail de décolonisation et dʼanti-racisme devrait être la responsabilité de ces dernières, et non le fardeau des premier.ère.s. À lʼinstar de Scott, nous nous intéresserons non seulement à la racisation des Autochtones et des immigrants, mais aussi à celle des Québécois.e.s dit.e.s de souche, quʼil sʼagisse de lʼappropriation du discours racial (lʼexemple de Nègres blancs dʼAmérique de Pierre Vallières est emblématique) ou de la figure du white trash, considéré comme moins que blanc. Nous tenterons notamment de répondre à lʼappel que lance Scott dans lʼintroduction à son ouvrage, à savoir si la production récente affiche une persistance des modèles traditionnels de la race (de lʼabsence à la stéréotypie) ou encore si elle présente des changements. Du côté du colonialisme, il sera question de déterminer sʼil est présenté comme une condition du progrès, ou encore sʼil est problématisé. Que ce soit en révisant les classiques ou en sʼattardant à des œuvres de lʼextrême contemporain, il sʼagira dʼétudier le colonialisme et la race sous toutes leurs coutures. Lʼévénement se déroulera en français. À titre informatif, voici certains thèmes qui pourraient être abordés : Continuer la lecture de Appel à propositions : Colonialisme et race dans les productions culturelles québécoises

Appel à propositions : La vie culturelle en 1921

Un groupe international d’enseignants, d’auteurs et de lecteurs annonce la publication en ligne d’une revue trimestrielle pluridisciplinaire intitulée La Vie culturelle en 19**, dont le premier numéro sera consacré à l’année 1921. Les numéros suivants devraient concerner les années 1922, 1923 et 1924.

La vie culturelle, c’est celle des spectateurs et des critiques au théâtre, au musée, au cinéma, (et au cirque) ; celle des auditeurs au concert et aux conférences (au Collège de France, par exemple) mais aussi dans les réunions politiques et à la Chambre. C’est la vie des libraires et de lectrices et des lecteurs, abonnés des journaux et des revues.

C’est tout cela, mais ce qui intéresse la revue au premier chef, ce sont les liens qu’entretiennent ces petits évènements les uns avec les autres : ce que la mode de l’année fait écrire aux uns, l’influence de la politique, mais aussi de la science, voire du fait divers sur l’inspiration des uns et des autres, sur les affiches des spectacles. Ce sont aussi les longues séries, les « tendances » qui s’installent (ou sont déjà installées) dans l’esprit du public en général et dans celui de cet acteur influent : l’opinion publique.

La revue La Vie culturelle en 19** voudrait détailler, au fil des ans mais en revenant quelquefois sur ses pas, ces interactions entre les arts et les idées, à l’occasion des parutions, découvertes, expositions, évènements divers survenus au cours du siècle qui a précédé le nôtre.

Les contributions attendues comporteront un titre, un texte de moins de 3000 mots, accompagné éventuellement d’une ou deux illustrations libres de droits.

Les propositions de contribution, de 200 à 300 mots, accompagnés d’un très bref C.V sont à adresser à vieculturelle19@orange.fr avant le 10 décembre 2020.

Une réponse vous sera donnée le 15 décembre, pour une parution que nous envisageons avant la fin janvier 2021.

Appel à communications : Un jour un conte. Le Petit Chaperon rouge dans ses expansions hypertextuelles

Cycle « Un jour un conte ». Le Petit Chaperon rouge dans ses expansions hypertextuelles

Colloque international, Université de Lille, 1- 2 mars 2021 

“La narrativité hypertextuelle peut nous éduquer à la créativité et à la liberté. C’est bien, mais ce n’est pas tout. Les récits « déjà faits » nous apprennent aussi à mourir”

Umberto Eco, De la littérature, Grasset, 2003, p. 27.

Le conte du Petit Chaperon rouge est sans conteste le plus célèbre, le plus répandu et le plus chéri des contes français si l’on en croit l’ampleur de ses expansions hypertextuelles en tous genres et pour tout âge, depuis la maternelle aux éditions pour adultes. C’est aussi le conte le plus connu de Charles Perrault qui est le créateur du surnom (sobriquet ?) du personnage éponyme, Petit Chaperon rouge, qu’il a fabriqué par typification en le répétant pas moins de 13 fois dans son texte, alors que dans les ethno-contes, dont il s’inspire en partie, l’héroïne est simplement appelée le plus souvent « la fillette » ou « la petite ». De plus, généralement, le ra-contage actuel ne peut s’empêcher d’achever le conte sur une note optimiste, le sauvetage de la fillette et de sa mère-grand par éventration du loup puis sa mise à mort, alors que chez Perrault l’héroïne finit dévorée. En fait, tout en l’ignorant, le raconteur ou la raconteuse contemporain-e synthétise la réécriture de Perrault et celle des frères Grimm qui ont « inventé » cette fin en l’empruntant, comme on sait, à un autre conte-type. Les ethno-contes sont divisés selon ces deux tendances : une fin pessimiste et une autre optimiste très différente de celle des Grimm où l’héroïne se sauve par ruse. Continuer la lecture de Appel à communications : Un jour un conte. Le Petit Chaperon rouge dans ses expansions hypertextuelles

Appel à propositions : L’imaginaire du Nord dans les arts

Journée d’études : L’imaginaire du Nord dans les arts 

Maison des Sciences de l’Homme – CHEC (Centre d’Histoire « Espaces et Cultures »), Université Clermont Auvergne (UCA), Clermont-Ferrand

11 juin 2021

Dans un contexte globalisé, une approche géographique des arts tend à mettre en valeur des particularismes locaux conçus comme des îlots d’authenticités dans un océan standardisé (Crang, 1998). Or, cette quête d’une culture autochtone authentique peut s’avérer contre-productive et impliquer des formes de réinvention nostalgique relevant d’une psychogéographie (Coverley, 2006). Cette observation s’applique éloquemment au cas de la zone nordique (Scandinavie, Islande, Groenland, Canada, Alaska, Russie…), qui est abordée dans les arts, les légendes et la littérature depuis l’Antiquité selon deux axes antithétiques : soit par une approche utopique, les communautés peuplant ces territoires étant considérés comme des modèles de vertu en symbiose avec une nature laissée à l’abri de l’exploitation ; soit suivant une conception qui place des communautés septentrionales laissées à l’écart des progrès techniques dans un environnement menaçant où règnent la mort et la désolation (Davidson, 2005). Cet imaginaire plaqué sur une zone géographique et les habitants qui la peuplent peut s’inspirer de faits, notions et symboles liés à l’identité, la culture ou le paysage et se place sur le point de jonction entre l’objectif et le subjectif, le factuel et le fictif, le réel et le représentationnel. Cette activité de création de représentation est même si intense concernant la zone arctique qu’elle s’est parée au début des années 2010 d’un terme nouveau destiné à la caractériser : le boréalisme (Schram, 2011). Continuer la lecture de Appel à propositions : L’imaginaire du Nord dans les arts