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Appel à contributions : Les corps immobiles dans la bande dessinée (Angoulème)

9e Rencontres d’Angoulême. Comprendre et penser la bande dessinée : Les corps immobiles dans la bande dessinée

11, 12 et 13 octobre 2023, Angoulême – CIBDI – Auditorium du musée

Échéance des propositions : 30 mars 2023

La bande dessinée, souvent présentée comme un art séquentiel ou un récit spasmodique, veut, depuis ses origines, se jouer des images fixes et des corps immobiles, donnant l’illusion des actions qui s’enchainent et du mouvement. Pourtant les corps immobiles peuplent les cases et les planches. En premier lieu, les récits d’affrontements armés, de guerres civiles ou coloniales abandonnant quelques dépouilles mortelles ou un nombre impressionnant de cadavres, comme dans tel album de David B. Certains gisants pourtant ne sont pas tout à fait des êtres humains mais des sortes de répliques, des clones ou des avatars, à moins, que sculptés dans la pierre, comme les personnages couchés à plat-dos et placés au-dessus d’un sarcophage, ils représentent, surtout à l’époque médiévale, une personnalité d’importance qui, figurée par un corps minéral, doit pouvoir traverser les siècles. Ils constituent aussi, à la manière des Étrusques, une urne funéraire monumentale, ce que parvient réaliser Jacques Martin pour la couverture du huitième album des aventures d’Alix paru en 1968. Ailleurs, à la morgue ou même chez soi, se trouvent des corps immobiles, comme dans les aventures d’Adèle Blanc-Sec, on y retrouve des corps pendus ou empalés à Paris auprès des plus grands monuments pour terrifier la population. 

Mais il existe aussi toute une galerie d’autres corps inertes. Des personnages s’avanouissent ou sont assommés. La bande dessinée policière ou d’aventures comptent un nombre impressionnant de corps allongés, étendus sur le sol, après avoir reçu un coup derrière la tête ou sur le crâne. 

Il est vrai que les corps immobiles sont le plus souvent dans une mauvaise posture. Des personnages, captifs, sont attachés à un poteau ou plaqués contre une surface rigide. Ils sont rendus impuissants par des liens qui les compriment et les empêchent de se mouvoir. A moins que, désespérés et fatigués, ils aient cessé de bouger, attendant, résignés, le sort qui leur est promis. D’autres fois, les corps sont figés car victimes d’un rayon paralysant, à l’instar des victimes de la zorgland manipulé par Zorglub ou de « l’anneau du diable » manipulé par des voyageurs venus de la planète Térango dans les aventures de Luc orient (1970). Si les corps peuvent être paralysés par une action extérieure (un rayon, une substance…), par la congélation, volontaire ou accidentelle, ils le sont aussi par la maladie qui fige les corps ou les paralysent partiellement. Il arrive encore que des personnages soient transformés en statues et les enveloppes corporelles semblent condamnées pour l’éternité à rester immobile.

Dans un tout autre registre, les corps endormis, anesthésiés, plongés dans un sommeil artificiel, ou simplement assoupis défilent dans certaines planches. Mais les corps sont comme impuissants, ne réagissant pas aux directives des cerveaux. Momentanément immobiles, ils sont paralysés par les émotions (la sidération, la surprise, le coup de foudre, la peur…). Dans des albums de Jacques Tardi, C’était la guerre des tranchées (1993), Putain de guerre (2014), Le dernier assaut (2016), des soldats semblent ralentir puis se figer, basculant dans une profonde résignation que le corps exprime. – Le sentiment d’’impuissance engourdis les corps jusqu’à les figer, à l’instar de Vladak dans Mauss, qui ne sait quelle direction choisir car la menace nazie s’avère omniprésente.  

Le corps immobile semble le propre des images fixes, d’une certaine manière tous les corps sont immobiles, mais lorsque qu’il s’agit d’un personnage qui ne bouge pas, quels indices sont donnés aux lectrices et lecteurs pour distinguer les « corps en inaction » des statues, des affiches murales, des mannequins des vitrines ? De nombreuses pistes s’avèrent possibles. Parmi elles, sans prétendre à l’exhaustivité :

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Appel à contributions : Les expansions hypertextuelles et hypericoniques du conte Blanche-Neige (Université de Lille)

Cycle : « Un jour, un conte ». Les expansions hypertextuelles et hypericoniques du conte Blanche-Neige

Colloque international, 27-28 mars 2023, Université de Lille

Bochra Charnay et Thierry Charnay

Échéance des propositions : 10 février 2023

« Bien entendu, même s’il y a continuité pour l’essentiel, cela n’exclut pas qu’il ne se soit produit beaucoup de renouvellements […] Les folklores sont des choses vivantes, circulantes, dont chacune se nourrit d’emprunts, subit des influences. » — Georges Dumézil[1]

L’ambition de ce cycle « Un jour, un conte » est, d’une part de remettre le genre conte comme objet privilégié de recherche académique, et d’autre part d’interroger ses reconfigurations quel qu’en soit l’objet sémiotique. Les notions, qui permettent de rendre compte de ces phénomènes de « transcription » ( Maurice Bouchor), sont innombrables et variées : hypotexte-hypertexte, parodie, réécriture, adaptation (Christiane Connan-Pintado), reformulation, transposition, réappropriation, transfictionnalité (Richard Saint-Gelais), réinstanciation (Gérard Genette, Catherine Tauveron), transvalorisation (Genette), transgénéricité (Adam-Heidmann), transtextualité, etc., avec toutes les nuances et tous les degrés possibles dans les transformations opérées sur le texte-source, ou l’image-source, qu’ils soient premiers, seconds ou énième. Autant de notions qui méritent d’être triées et évaluées en fonction de leur pertinence et surtout de leur capacité opératoire, en d’autres termes de leur efficacité analytique.

À partir du conte, toutes sortes de manipulations et dérivations sont possibles car, d’une part le conte traditionnel est un texte virtuel, relativement instable et précaire, composé de l’ensemble de ses variantes, de sorte que la variation en est un élément constitutif, d’autre part le conte est lui-même en partie composé de motifs stéréotypés, sortes de sédiments discursifs qui ont pour propriété la récursivité et surtout la migration transtextuelle, transfictionnelle, transgenre et même trans-sémiotique. Blanche-Neige en est un exemple type depuis Blanchefleur, l’amie de Perceval dans Le Conte du Graal de Chrétien de Troyes (1181) qui a aussi suscité de nombreuses reprises, où figure également le saisissant motif anthropologique des « gouttes de sang ». Le conte de Blanche-Neige ainsi trans-porte un long cortège de topoï qui se mue en ronde de motifs migratoires, que ces derniers soient de simples stéréotypes, ou des motifs-mythes, ou des motifs anthropologiques, ou des motifs archétypaux actualisant un ou plusieurs thèmes selon les contextes et cotextes.

L’hypotexte moderne des Blanche-neige est sans conteste le conte éponyme des frères Grimm (Schneewittchen), KHM 53 publié dès la première édition des Contes en 1812, ainsi que dans La petite édition en 1825 (n°27), résultat d’un amalgame de maintes versions et de refontes des textes au gré des découvertes. Un des hypotextes signalé par les Grimm est le conte Richilda de Johann Karl August Musäus paru en 1782. Le rival des frères Grimm, le pédagogue Albert Ludwig Grimm (sans rapport familial) avait déjà en 1809 publié une réécriture de Blanche-Neige, ainsi que de Cendrillon et Hänsel et Gretel dans son Kindermärchen. Antérieurement à la version des Grimm, on retrouvera des éléments du conte chez Basile, dans « Le corbeau » et « Les trois cédrats »[2] essentiellement ; chez Straparola pour les aventures de Blanchebelle, chez Shakespeare pour l’intrigue de sa pièce Cymbeline. Continuer la lecture de Appel à contributions : Les expansions hypertextuelles et hypericoniques du conte Blanche-Neige (Université de Lille)

Parution : Genre en séries: cinéma, télévision, médias, n° 12-13, “Genre et comédie : stars, performances, personnages”

Genre en séries: cinéma, télévision, médias, n° 12-13, “Genre et comédie : stars, performances, personnages”, (dir. Gwénaëlle Le Gras et Jules Sandeau), 2022. 

L’immense popularité de certaines stars comiques contraste avec la rareté des travaux qui leur sont consacrés. Hormis quelques exceptions qui concernent presque toujours des vedettes comiques masculines également (re)connues comme cinéastes et auteurs (Charlie Chaplin, Buster Keaton, Jacques Tati, etc.), elles continuent de susciter un moindre intérêt que leurs homologues privilégiant un registre plus « sérieux », et les performances comiques sont souvent occultées des filmographies d’interprètes rattaché∙e∙s principalement à d’autres genres (cf. Vincendeau 2012a). Ce statut de parent pauvre de la recherche universitaire sur les acteur∙trice∙s, fait écho au peu de reconnaissance critique dont jouissent ces stars qui n’obtiennent que très rarement des récompenses dans le cadre de festivals de cinéma ou de cérémonies comme les Oscars ou les Césars. En mettant à l’honneur ces performances souvent délaissées – notamment en raison de l’association de la comédie à l’idée de genre mineur ainsi qu’au goût populaire et « vulgaire » –, ce numéro de la revue Genre en séries veut contribuer à souligner leur richesse et leur complexité, ainsi que l’hétérogénéité des interprètes qui se distinguent dans ce registre traversant cinéma de genre et cinéma d’auteur. En d’autres termes, il s’agira de prendre les stars comiques au sérieux.

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Parution : Ainsi se meuvent les vampires (Arnaud Esquerre)

Arnaud Esquerre, Ainsi se meuvent les vampires, Paris, Fayard, coll. “Sciences humaines”, 2022

Qu’est-ce qu’un vampire  ? Le mot «  vampire  », a été, dans un coin du monde, inventé et utilisé pour, sinon résoudre, du moins affronter une contradiction commune à tous les êtres humains  :  comment vit-on avec le fait de mourir  ? Qu’est-ce qu’un vampire ? Alors qu’on imagine volontiers un Dracula se nourrissant du sang des vivants, le sociologue Arnaud Esquerre donne à voir un tout autre visage, beaucoup plus complexe, de ces êtres entre la mort et la vie. On apprend ainsi qu’ils ont un lieu et une date de naissance : en Europe, au XVIII e siècle. Ils commencent alors à peupler les discours, qu’on soutienne ou nie leur existence. Au fil du temps, les vampires vont désigner aussi bien une variété de chauve-souris qu’un personnage à succès de la littérature (de Lord Byron à Bram Stoker) ; une catégorie médicale cherchant à rendre compte des cas de nécrophilie ; ou, pour Karl Marx, les capitalistes ; ou encore les protagonistes d’un film comique comme dans Le Bal des vampires.

Nous sommes ainsi mis sur la trace des vampires, les suivant dans des sources aussi diverses qu’inattendues, des archives médicales à la série True Blood, en passant par les écrits de naturalistes. Cette enquête décrit la destinée d’un mot inventé et utilisé sinon pour résoudre, du moins pour affronter, une contradiction commune à tous les êtres humains : comment vit-on avec le fait de mourir ?

Arnaud Esquerre est sociologue, et directeur de recherche au CNRS. Il a récemment publié Interdire de voir (Fayard, 2019) et, avec Luc Boltanski, Qu’est-ce que l’actualité politique ? (Gallimard, 2022).

Lire un extrait de l’ouvrage

Parution : Musidora, qui êtes-vous ? (dir. C. Aurouet, M.-C. Cherqui et L. Véray)

Carole Aurouet, Marie-Claude Cherqui et Laurent Véray (dir.), Musidora, qui êtes-vous ?Paris, Éditions de Grenelle, coll. “Hors collection”, 2022.

Un éclairage complet et novateur sur une actrice, réalisatrice, productrice et artiste totale.

Musidora est considérée comme l’une des premières vedettes féminines du cinéma français. Sa photographie dédicacée sur la quatrième de couverture de ce livre, dans le costume moulant de l’héroïne du film à épisodes Les Vampires (1915) de Louis Feuillade, tout droit sortie du cabinet de curiosités d’André Breton, a traversé le temps pour devenir le symbole de la femme fatale. Mais cette image lascive de Catwoman des années 1910 doit être dépassée. Il importe en effet de découvrir ce que cache cette représentation de sa propre essence d’icône, soit qui fut réellement Musidora, au-delà de la fétichisation du personnage qu’elle incarna.
Telle est l’ambition de ce livre : proposer un éclairage complet et novateur sur cette actrice, réalisatrice, productrice et artiste totale, objet de fantasmes et femme d’avant-garde emblématique de l’émancipation féminine, qui continue à alimenter l’imaginaire collectif. L’ensemble est illustré par une iconographie inédite, permise par l’ouverture exceptionnelle des archives de Musidora.

Avec les textes de : Karine Abadie, Carole Aurouet, Caroline Barbier de Reulle, Anne Bléger, Didier Blonde, Lucas Bruneau, Patrick Cazals, Marie-Claude Cherqui, Béatrice de Pastre, Marc Durand, Hélène Fleckinger, Annette Förster, Christophe Gauthier, Anne-Élisabeth Halpern, Myriam Juan, Laurent Mannoni, Paola Palma, Sébastien Rongier, Pascal Roques, Laurent Véray, Christophe Viart.

Parution : Modèles et contre-modèles de l’enseignant dans la littérature de jeunesse (Nadège Labour)

Nadège Langbour, Modèles et contre-modèles de l’enseignant dans la littérature de jeunesse, Paris, L’Harmattan, coll. “Espaces littéraires”, 2022.

En tant que prescripteurs de lecture, les professeurs lisent de la littérature de jeunesse. Mais ont-ils remarqué à quel point leurs doubles de papier sont présents dans ces fictions ? En s’appuyant sur une cinquantaine de romans, cet essai étudie la figure archétypale de l’enseignant dans la littérature de jeunesse. Se dessinent alors des modèles et contre-modèles de l’enseignant dont l’intérêt dépasse la compréhension du personnel romanesque car ces modèles peuvent servir à l’enseignant lecteur pour adopter une posture réflexive sur son métier, ses gestes professionnels et ses pratiques pédagogiques.
Entre analyse littéraire et réflexion didactique, ce livre invite à penser le personnage d’enseignant dans la littérature de jeunesse pour repenser le métier d’enseignant. Il développe des analyses concrètes des textes romanesques en prenant en compte des questions qui sont au cœur des pratiques professionnelles des professeurs.
Un essai qui invite l’enseignant à se former sur un mode ludique en découvrant la littérature de jeunesse. Une démonstration de la qualité de cette littérature qui embrasse les grandes questions de société dont l’école fait partie.

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Appel à contributions : Les méchant·es contre-attaquent. Les personnages de méchant·es dans les littératures francophones et postcoloniales (Sorbonne Université)

Journée d’études : Les méchant·es contre-attaquent. Les personnages de méchant·es dans les littératures francophones et postcoloniales

7 juin 2022, Maison de la Recherche, Sorbonne Université

Échéance des propositions : 1er décembre 2022

Quoi de commun entre un meurtrier en cavale, Karaba la sorcière, un dictateur sans scrupule, une mère infanticide, un terroriste et des ogres ? Incarnations de pulsions négatives, d’une violence hyperbolique, d’une marginalité sociale et morale, le méchant et la méchante parcourent les fictions littéraires, habitent les imaginaires et interrogent le rapport de l’être humain au mal. 

Empruntée à la réflexion sur la littérature de jeunesse et le conte, la catégorie des «méchant·es » permet de penser la relation entre la construction du personnage et l’éthique ainsi que d’interroger les valeurs du héros lorsqu’il est confronté à une figure-repoussoir. « Si les enfants ont besoin, pour trouver leur place dans un conte, de savoir qui sont les ‘‘bons’’ et les ‘‘méchants’’, indique Vincent Jouve, les lecteurs adultes cherchent à ‘‘situer’’ le plus vite possible les personnages d’un récit.1 » Le critique souligne ainsi le rôle structurant du positionnement éthique des personnages fictifs.

 Dans les littératures francophones et postcoloniales, le rôle éthique du personnage possède une force et un sens particuliers. En tant qu’elles interrogent les catastrophes passées, ces littératures se confrontent, en effet, aux formes de la violence, de la domination et du mal produites par l’Histoire : esclavage, colonisation, guerre, génocides, terrorisme… En mettant en scène des figures de méchant·es dans les œuvres, les écrivains et les écrivaines francophones cherchent à penser la question de la responsabilité à partir d’un réel où s’inscrit une histoire de dépossession et de destruction.

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  1. Vincent Jouve, Poétique des valeurs, Paris, PUF, 2001, p. 10. []

Parution : Cahiers Robinson n° 51, “Ces petites filles qui lisent”

Cahiers Robinson, n° 51, “Ces petites filles qui lisent”, Artois Presses Université, 2022. 

Les récits, littéraires comme audiovisuels, multiplient les personnages de jeunes lectrices, dont l’identité se définit, ou même se résume à ce rapport privilégié aux livres et au savoir. Certaines sont passées à la postérité, comme Jo March, Hermione ou Matilda, et incarnent à elles seules ce motif littéraire de « la fille qui lit ».

Le fait qu’un personnage féminin lise, – souvent avec plaisir et régularité -, joue un rôle narratif essentiel dans ces œuvres où les héroïnes utilisent leurs lectures pour dynamiser le récit et venir à bout de périls variés, selon l’idée « scientia potentia est ». Car les filles lisent aussi autre chose que des romans et des contes, et emploient ce goût éclectique pour s’émanciper, aider leurs amis ou même sauver le monde.

Sommaire « Ces petites filles qui lisent »

Introduction – Justine Breton 

Enjeux intertextuels et métatextuels dans Matilda de Roald Dahl : portrait d’une lectrice idéale – Florence Casulli 

Hermione Granger ou les multiples facettes de l’héroïne lectrice du monde de Harry Potter – Marie-France Burgain

Jo March, héroïne littéraire et modèle d’identification – Priscille Croce

Aléthiomètre et mains d’animiste : lectrices atypiques dans À la croisée des mondes et La Passe-miroir – Amelha Timoner

Les paradoxes de la jeune lectrice dans la littérature de jeunesse : entre marginalisation et héroïsation de la lectrice – Nadège Langbour

Images de fillettes lectrices dans l’album pour la jeunesse : du stéréotype au motif littéraire – Christiane Connan-Pintado

Lire pour se réinventer : ce que re-content les réécritures du Petit Chaperon rouge – Pascale Hellégouarc’h

Formes et uniformes de la lectrice à l’écran : représentation, monstration et identification – Vincent Baudart

Les filles veulent tout simplement lire des bandes dessinées : la déconstruction des stéréotypes et des formats dans Flora & Ulysse – Eva Van de Wiele

À l’école de la joie. Une étude de Rebecca of Sunnybrook Farm, A Little Princess et Anne of Green Gables – Marguerite Mouton

L’amour des livres et l’éthique de la reconnaissance dans A Little Princess de Frances Hodgson Burnett – Tessa Ashlin Nunn

La vulgarisation des sciences à destination des fillettes au XIXe siècle : une fiction spécifique – Catherine Borot Alcantara

Ces petites filles qui ne lisent pas : les jeunes lectrices contrariées des classes populaires – Victoria Pleuchot

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Parution : L’Arsène Lupin de Maurice Leblanc. Construction d’un personnage prototypique en littérature populaire (1905-1935) (C. Hannedouche)

Cédric Hannedouche, L’Arsène Lupin de Maurice Leblanc. Construction d’un personnage prototypique en littérature populaire (1905-1935), Limoges, PULIM, coll. “Médiatextes”, 2022.

La simple évocation du nom d’Arsène Lupin suscite l’assurance d’un divertissement mené jusqu’à son terme jubilatoire. Il ouvre en nous les portes d’un imaginaire plaisant, fait de mystères historiques, de richesses et d’aventures mémorables. Aussitôt le nom fabuleux prononcé qu’émerge une silhouette qui nous agrée, celle bien connue d’un cambrioleur rieur, séducteur et justicier. Un personnage au-dessus des lois et des toits, hors du commun, frondeur et dont les multiples aventures posent les pierres fondatrices d’un art nouveau en littérature. Apparu pour la première fois en 1905, dans les pages magazine Je sais tout, le gentleman-cambrioleur a connu, depuis, une remarquable et incomparable longévité transmédiatique. Depuis, la popularité d’Arsène Lupin ne cesse de fasciner et de féconder l’imagination de ses lecteurs jusqu’à phagocyter le nom même de son créateur. Maurice Leblanc est alors un nom qui tombe dans l’oubli tandis que celui d’Arsène Lupin acquiert de son côté une certaine autonomie. 
 
Cédric Hannedouche est professeur agrégé de Lettres Modernes, docteur en Langue et Littérature françaises. Ses recherches portent sur les littératures et les cultures populaires adossées à une démarche transculturelle.

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Parution : Le Petit Surhomme des jeux vidéo et la gamification du monde – Éthique de la manipulation par l’interactivité ludique (Benjamin Lavigne)

Benjamin Lavigne, Le Petit Surhomme des jeux vidéo et la gamification du monde – Éthique de la manipulation par l’interactivité ludique, Dijon, les presses du réel, 2022.

Le surhomme vidéoludique : les effets bien réels du virtuel, des réseaux, de l’image numérique et du jeu vidéo dans les interrelations humaines, sous le prisme de la philosophie de Nietzsche – un essai fulgurant issu de la thèse soutenue à titre posthume de Benjamin Lavigne (1981-2020), qui dresse une critique singulière, rigoureuse et engagée des fondements technologiques de la société contemporaine.

La notion de surhomme est principalement associée à la philosophie de Nietzsche notamment à travers la figure de Zarathoustra, prophète lucide qui agit selon sa volonté de puissance pour affirmer les valeurs de l’existence. Dire oui à la vie veut dire se dépasser, se surpasser, redoubler d’invention et de créativité à l’image de Dionysos, le dieu de l’ivresse et de la danse. « Devient qui tu es » devrait être le credo de chaque être humain. Dans sa thèse, Benjamin Lavigne établit un lien entre la notion nietzschéenne et le jeu vidéo. Si jouer est une activité bénéfique sur le plan cognitif et visuel, le jeu vidéo n’en est pas moins addictogène puisque le joueur est poussé à jouer au-delà du raisonnable. En laissant croire au joueur, à coup de récompenses et de gratifications, qu’il a « presque » gagné, le petit surhomme est plus occupé à devenir ce qu’il croit être qu’à chercher à devenir ce qu’il est.
Au cours de chapitres d’une grande densité conceptuelle, l’auteur propose une critique des fondements technologiques de la société contemporaine. Les liens avec les arts et spécifiquement avec les arts plastiques lui permettent de diagnostiquer un « malaise dans la culture ». Si les penseurs du milieu et de la fin du XIXe siècle ont pu penser que la culture était une alternative heureuse à l’idéologie de progrès, Benjamin Lavigne rappelle que les jeux vidéo ne sont pas des biens culturels comme les autres, qu’ils sont même le symptôme d’une société traversée par une profonde crise des valeurs.

Préface d’Olivier Lussac.
Préambule de Dominique Lavigne-Bichet.

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