Archives par mot-clé : peinture

Parution : The Young Pope : la tiare et l’image (Cyril Gerbron)

Cyril Gerbron, The Young Pope : la tiare et l’image, Presses universitaires François-Rabelais, coll. « Sérial », 2021.

L’histoire de l’art est un aspect majeur de la poétique visuelle de la série de Paolo Sorrentino The Young Pope.

Dans cette série qui raconte la montée en puissance de Pie XIII, jeune pape américain décalé et réactionnaire, les tableaux, les statues, les œuvres d’art du passé jouent un rôle important dans l’effet de vraisemblance, puisque le Vatican est effectivement rempli d’images. Contemplées et commentées par les personnages, ou utilisées pour leurs dévotions, ces œuvres sont bien plus que des éléments de décor, elles sont « activées » et deviennent vivantes.

Les images de la série sont elles-mêmes nourries d’images du passé et The Young Pope met en scène ces « voyages d’images », parcours visuels et sémantiques que le livre se propose d’explorer.

Docteur en histoire de l’art, Cyril Gerbron est l’auteur de Fra Angelico : liturgie et mémoire (Brépols, 2016). Il a été boursier à la Villa I Tatti à Florence et a rédigé ce livre lors d’une année passée comme pensionnaire à la Villa Médicis. Il est décédé en 2019

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Appel à contributions : Féérie et esthétique: les arts du merveilleux

Féérie et esthétique: les arts du merveilleux 

sous la direction d’Anne Chassagnol

Date limite d’envoi des propositions : 1er septembre 2021

Notification d’acceptation : 10 septembre 2021

Date limite pour le rendu de l’article final : mars 2022

Le conte de fées, qu’il soit politique, moral, scientifique, didactique, féministe ou psychanalytique, a fait l’objet de multiples études qui envisagent ce genre le plus souvent au prisme de la littérature, à travers l’histoire fertile de ses réécritures, de circulations en traductions jusqu’à ses adaptations. La Beauté du merveilleux (2011) d’Aurélia Gaillard et Jean-René Valette interroge la dimension esthétique et épistémique du conte littéraire. De même, Poétiques du merveilleux : fantastique, science-fiction, fantasy en littérature et dans les arts visuels, 2015, sous la direction d’Anne Besson et Évelyne Jacquelin, questionne la plasticité du merveilleux et sa porosité au contact des différents genres des littératures de l’imaginaire.

Mais qu’en est-il de la valeur esthétique du conte en dehors du texte littéraire ? Comment les arts se sont-ils appropriés le conte ? Existe-t-il une esthétique proprement féerique ? Le conte a-t-il une couleur, un goût, une texture ? Quels rapports entretient-il avec l’art pompier, le kitsch, l’art romantique, le surréalisme ou l’art contemporain ? Quelles sont ses affinités avec la musique ? La manière dont le conte traverse les arts, s’en inspire et les irrigue en retour, apparaît de façon ponctuelle, selon des thématiques concentriques, sans pour autant être connexes. Ainsi, la peinture féerique, emblématique de l’époque victorienne, a donné lieu à plusieurs catalogues d’expositions (Jeremy Maas et al., Victorian Fairy Painting, 1997 ; Christopher Wood, Fairies in Victorian Art, 2000). Les rapprochements entre cinéma et conte de fées ont été étudiés par Jack Zipes (The Enchanted Screen: The Unknown History of Fairy Tale-Films, 2011 ; Fairy-Tale Films Beyond Disney: International Perspectives, 2015). De même, les liens entre le théâtre et les arts du spectacle ont fait l’objet de plusieurs travaux (« Le Conte et la Scène, Féeries, n°4, 2007 ; Martial Poirson, dir., Perrault en scène : transpositions théâtrales et contes merveilleux, 1697-1800, 2009. Martial Poirson et Jean-François Perrin, dir., Les Scènes de l’enchantement. Arts du spectacle, théâtralité et conte merveilleux (XVIIe-XIXsiècles), 2011.

Cet ouvrage consacré au conte de fées dans l’art cherche à interroger la dimension esthétique plurielle de la féérie pour mettre en évidence l’influence du conte de fées sur d’autres champs et pratiques artistiques, sans pour autant se limiter à une période ou à une aire géographique.

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Parution : Dérégler l’art moderne (Tillier)

Bertrand Tillier, Dérégler l’art moderne. De la caricature au caricatural, au XIXe siècle, Hazan, 2021

Depuis la Renaissance, les peintres ont pratiqué la caricature, d’abord comme un jeu d’atelier, puis comme une intervention politique et sociale à destination de l’opinion publique, à la faveur des Lumières et de la Révolution française. Tout au long d’un xixe  siècle attaché aux normes, aux genres et aux hiérarchies, qui a été le siècle de la reproductibilité technique des images et de la densification de leur circulation, le champ artistique s’est trouvé confronté à l’inflation des images satiriques. Grimaçante et expressive, la caricature a connu une expansion inédite, qui a d’abord été perçue comme une menace pour la peinture, d’autant que Hogarth, Goya, David, Delacroix ou Daumier s’y adonnaient.

Progressivement, cet objet partisan et utilitaire, doté d’une faible légitimité artistique et culturelle, considéré comme ingrat et régressif, quand il ne passait pour vulgaire, a pourtant été disjoint de ses intentions initiales  – le comique, la polémique et la critique –, pour devenir un langage formel. De la sorte, les procédés usuels de l’image satirique  – la déformation, l’exagération, l’altération ou la condensation  – se sont institués en moyens plastiques, selon un double processus de translation et de déterritorialisation qui caractérise aussi la modernité de Courbet, Cézanne ou Ensor.

Cet essai analyse comment, dans l’historiographie, la critique d’art et la pratique même des artistes, la caricature et son arsenal de dérèglements sont devenus, jusqu’au xxe  siècle, le lieu d’invention du caricatural, comme en témoignent les œuvres de Rouault, Klee, Grosz, Picasso, Erró, Basquiat ou Combas.