Archives par mot-clé : peinture

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Appel à communications : Sang pour sang vampires. Étude d’une figure littéraire entre angoisse et fantasme

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Sang pour sang vampires. Étude d’une figure littéraire entre angoisse et fantasme

Journée d’études 27 février 2025

Faculté des Lettres et Sciences Humaines, 39E rue Camille Guérin, 87036 LIMOGES Cedex, France

Date d’échéance : 5 janvier 2025

Texte de l’appel :

Étymologie :

À la racine du mot « vampire » on trouve, selon Frank Miklosich (19e siècle) dans Etymologie der Slavischen Sprachen, les formes slaves « upior », « uper », « upyr » qui dérivent du turc « uber » (sorcière). Selon Summers et Harenberg (18e siècle) le mot vampire pourrait aussi venir du verbe grec « boire », voir le mot lituanien « wempti » (boire). Les plus vieux documents où apparaissent le mot « vampire » sont en français, anglais et latin, mais en Pologne, Russie et Macédoine apparaît aussi le thème du vampirisme. Le terme refait surface entre 1725-1732 dans des rapports rédigés en français, anglais et allemand, concernant l’épidémie de vampirisme serbe. C’est à ce moment que le mot est popularisé. Les superstitions concernant les vampires se sont ainsi généralement développées en Europe de l’Est. Continuer la lecture de Appel à communications : Sang pour sang vampires. Étude d’une figure littéraire entre angoisse et fantasme →

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Appel à communications : Pratiques intermédiales et créations hybrides dans les mondes hispaniques, XXe et XXIe s. (Tours)

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Pratiques intermédiales et créations hybrides dans les mondes hispaniques (XXe et XXIe siècles)

Journée d’étude – 13 juin 2025

Tours

Date d’échéance : 4 novembre 2024

Texte de l’appel :

Employée pour la première fois en 1965 par Dick Higgins, la notion d’intermédialité commence à attirer l’attention des théoriciens et des chercheurs dans un contexte socioculturel de prolifération des supports médiatiques liés aux nouvelles technologies à partir de la fin du XXe siècle. Si, pour Higgins, le concept désignait les pratiques créatives intégrant, d’un côté, des médias purement artistiques et, de l’autre, des outils non familiers au milieu artistique, aujourd’hui, l’intermédialité implique, à l’instar de toute terminologie nouvelle, « une tension entre le désir de préciser son sens et son caractère indéfini » (Prieto, 2017). Autrement dit, sa conceptualisation est en permanente (re)définition, c’est un « interminable work in progress » (Müller, 2006 ; Prieto, 2017). Continuer la lecture de Appel à communications : Pratiques intermédiales et créations hybrides dans les mondes hispaniques, XXe et XXIe s. (Tours) →

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Appel à communications : La fabrique du paysage dans la littérature, les arts visuels, le cinéma et le design (Nabeul, Tunisie)

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La fabrique du paysage dans la littérature, les arts visuels, le cinéma et le design

Colloque international les 28 au 30 avril 2024

Complexe Culturel Néapolis Nabeul, Nabeul, Tunisie (5800)

Date d’échéance : 29 février 2024

Texte de l’appel : 

Le paysage n’est pas synonyme de la « nature » autant qu’il constitue l’une de ses constructions intellectuelles. Le jardin, à titre d’exemple, est un morceau arraché de la nature. Le paysage constitue son tableau. Il est en l’occurrence l’équivalent construit de la nature. Au lieu de faire nature, le paysage la traduit plutôt à travers une série de sublimations linguistiques et visuelles. Il n’est pas une image qui la représente. Il en constitue plutôt son icône. Dans ce paysage/icône, il y a une plus-value sublimatoire qui donne à ses attributs visuels ou linguistique une fonction rhétorique transposant l’artificiel sur le naturel ; ce qui rend les composantes du paysage visibles ou lisibles dans l’espace.

De ce fait, le « paysage » s’annonce comme une notion très ouverte à différents domaines. Elle peut toucher les arts visuels, la littérature, l’histoire, la géographie, l’écologie, le cinéma, le design… Sa présence se manifeste de façon variable suivant ses différents champs d’applications et ses multiples représentations culturelles. Continuer la lecture de Appel à communications : La fabrique du paysage dans la littérature, les arts visuels, le cinéma et le design (Nabeul, Tunisie) →

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Appel à communications : Du cadre à la bordure. Arts plastiques, musique et cinéma (Lyon)

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Du cadre à la bordure. Arts plastiques, musique et cinéma 

11 et 12 juin 2024

Université Lyon 2

Date d’échéance : 15 décembre 2023

Colloque organisé par les laboratoires Passages Arts & littératures – XX-XXI (Université Lumière Lyon 2) et ECLLA (Université Jean Monnet Saint-Étienne)

Texte de l’appel

Il semblerait que le cadre, « sorte de bordure dans laquelle on place un tableau, une photographie, un bas-relief… bref, une œuvre à deux dimensions […][1] » soit la condition de l’existence de l’œuvre d’art picturale. Plus que d’être un moyen de protection, le cadre isole l’œuvre « de l’immense nature[2] » selon les mots de Baudelaire, « ménage une transition entre l’œuvre et son entourage quotidien[3] » et assure la présence d’une « fiction » du dedans, par opposition à la réalité de dehors (selon Jacques Morizot et Roger Pouivet[4]). Le cinéma possède son propre cadre – premièrement imposé par l’écran – ainsi que l’a largement étudié Gilles Deleuze, et fait décliner le mot en termes techniques : « cadrer », « cadrage », qui exposent les choix de l’artiste de faire entrer tel ou tel élément dans son périmètre, selon des esthétiques spécifiques. Continuer la lecture de Appel à communications : Du cadre à la bordure. Arts plastiques, musique et cinéma (Lyon) →

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Appel à contributions : Peinture et cinéma (revue Transcr(é)ation)

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“Peinture et cinéma“, revue Transcr(é)ation, vol. 5, été 2024

Date d’échéance : 15 janvier 2024

Texte de l’appel

Dans Qu’est-ce que le cinéma T. II, Le cinéma et les autres arts (1959), André Bazin rappelle que plusieurs critiques d’art ont déclaré que montrer la peinture au cinéma est une forme de trahison envers elle, notamment parce que « l’écran détruit radicalement l’espace pictural » (1959, p. 128). Bazin en conclue cependant que « [l]e cinéma ne vient pas ‘servir’ ou trahir la peinture mais lui ajouter une manière d’être » (1959, p. 131). Autrement dit, la rencontre des deux arts ne les dénature pas, elle superpose une lecture nouvelle. Le pionnier du cinéma Georges Méliès affirme pour sa part que la peinture fait partie intégrante des composantes du cinéma (1907). Lui-même peintre, il a été fortement inspiré par l’un de ses enseignants, l’artiste Gustave Moreau (Malthête-Méliès et Quévrain, 1980). On observe cette influence dans ses films notamment parce qu’une grande majorité contient des décors peints à la main (Berthomé, 2014). Continuer la lecture de Appel à contributions : Peinture et cinéma (revue Transcr(é)ation) →

Parutions

Parution : The Young Pope : la tiare et l’image (Cyril Gerbron)

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Cyril Gerbron, The Young Pope : la tiare et l’image, Presses universitaires François-Rabelais, coll. “Sérial”, 2021.

L’histoire de l’art est un aspect majeur de la poétique visuelle de la série de Paolo Sorrentino The Young Pope.

Dans cette série qui raconte la montée en puissance de Pie XIII, jeune pape américain décalé et réactionnaire, les tableaux, les statues, les œuvres d’art du passé jouent un rôle important dans l’effet de vraisemblance, puisque le Vatican est effectivement rempli d’images. Contemplées et commentées par les personnages, ou utilisées pour leurs dévotions, ces œuvres sont bien plus que des éléments de décor, elles sont « activées » et deviennent vivantes.

Les images de la série sont elles-mêmes nourries d’images du passé et The Young Pope met en scène ces « voyages d’images », parcours visuels et sémantiques que le livre se propose d’explorer.

Docteur en histoire de l’art, Cyril Gerbron est l’auteur de Fra Angelico : liturgie et mémoire (Brépols, 2016). Il a été boursier à la Villa I Tatti à Florence et a rédigé ce livre lors d’une année passée comme pensionnaire à la Villa Médicis. Il est décédé en 2019. 

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Appels

Appel à contributions : Féérie et esthétique: les arts du merveilleux

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Féérie et esthétique: les arts du merveilleux 

sous la direction d’Anne Chassagnol

Date limite d’envoi des propositions : 1er septembre 2021

Notification d’acceptation : 10 septembre 2021

Date limite pour le rendu de l’article final : mars 2022

Le conte de fées, qu’il soit politique, moral, scientifique, didactique, féministe ou psychanalytique, a fait l’objet de multiples études qui envisagent ce genre le plus souvent au prisme de la littérature, à travers l’histoire fertile de ses réécritures, de circulations en traductions jusqu’à ses adaptations. La Beauté du merveilleux (2011) d’Aurélia Gaillard et Jean-René Valette interroge la dimension esthétique et épistémique du conte littéraire. De même, Poétiques du merveilleux : fantastique, science-fiction, fantasy en littérature et dans les arts visuels, 2015, sous la direction d’Anne Besson et Évelyne Jacquelin, questionne la plasticité du merveilleux et sa porosité au contact des différents genres des littératures de l’imaginaire.

Mais qu’en est-il de la valeur esthétique du conte en dehors du texte littéraire ? Comment les arts se sont-ils appropriés le conte ? Existe-t-il une esthétique proprement féerique ? Le conte a-t-il une couleur, un goût, une texture ? Quels rapports entretient-il avec l’art pompier, le kitsch, l’art romantique, le surréalisme ou l’art contemporain ? Quelles sont ses affinités avec la musique ? La manière dont le conte traverse les arts, s’en inspire et les irrigue en retour, apparaît de façon ponctuelle, selon des thématiques concentriques, sans pour autant être connexes. Ainsi, la peinture féerique, emblématique de l’époque victorienne, a donné lieu à plusieurs catalogues d’expositions (Jeremy Maas et al., Victorian Fairy Painting, 1997 ; Christopher Wood, Fairies in Victorian Art, 2000). Les rapprochements entre cinéma et conte de fées ont été étudiés par Jack Zipes (The Enchanted Screen: The Unknown History of Fairy Tale-Films, 2011 ; Fairy-Tale Films Beyond Disney: International Perspectives, 2015). De même, les liens entre le théâtre et les arts du spectacle ont fait l’objet de plusieurs travaux (« Le Conte et la Scène, Féeries, n°4, 2007 ; Martial Poirson, dir., Perrault en scène : transpositions théâtrales et contes merveilleux, 1697-1800, 2009. Martial Poirson et Jean-François Perrin, dir., Les Scènes de l’enchantement. Arts du spectacle, théâtralité et conte merveilleux (XVIIe-XIXe siècles), 2011.

Cet ouvrage consacré au conte de fées dans l’art cherche à interroger la dimension esthétique plurielle de la féérie pour mettre en évidence l’influence du conte de fées sur d’autres champs et pratiques artistiques, sans pour autant se limiter à une période ou à une aire géographique.

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Parutions

Parution : Dérégler l’art moderne (Tillier)

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Bertrand Tillier, Dérégler l’art moderne. De la caricature au caricatural, au XIXe siècle, Hazan, 2021

Depuis la Renaissance, les peintres ont pratiqué la caricature, d’abord comme un jeu d’atelier, puis comme une intervention politique et sociale à destination de l’opinion publique, à la faveur des Lumières et de la Révolution française. Tout au long d’un xixe  siècle attaché aux normes, aux genres et aux hiérarchies, qui a été le siècle de la reproductibilité technique des images et de la densification de leur circulation, le champ artistique s’est trouvé confronté à l’inflation des images satiriques. Grimaçante et expressive, la caricature a connu une expansion inédite, qui a d’abord été perçue comme une menace pour la peinture, d’autant que Hogarth, Goya, David, Delacroix ou Daumier s’y adonnaient.

Progressivement, cet objet partisan et utilitaire, doté d’une faible légitimité artistique et culturelle, considéré comme ingrat et régressif, quand il ne passait pour vulgaire, a pourtant été disjoint de ses intentions initiales  – le comique, la polémique et la critique –, pour devenir un langage formel. De la sorte, les procédés usuels de l’image satirique  – la déformation, l’exagération, l’altération ou la condensation  – se sont institués en moyens plastiques, selon un double processus de translation et de déterritorialisation qui caractérise aussi la modernité de Courbet, Cézanne ou Ensor.

Cet essai analyse comment, dans l’historiographie, la critique d’art et la pratique même des artistes, la caricature et son arsenal de dérèglements sont devenus, jusqu’au xxe  siècle, le lieu d’invention du caricatural, comme en témoignent les œuvres de Rouault, Klee, Grosz, Picasso, Erró, Basquiat ou Combas.