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Appel à communications : Traces et approches des usages dans la culture populaire et médiatique (1880-2020)

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Traces et approches des usages dans la culture populaire et médiatique (1880-2020)

28, 29 et 30 mai 2024

Université du Québec à Montréal

Date d’échéance : 10 décembre 2023

Colloque coorganisé par Matthieu Letourneux (Université Paris Nanterre) et Chantal Savoie (UQAM).

Texte de l’appel :

Depuis près d’une centaine d’années, une succession d’ébranlements disciplinaires et de « grands tournants » épistémologiques ont favorisé la production de travaux portant sur les cultures populaires et médiatiques. Alors que ces corpus ont d’abord été étudiés du point de vue de leur altérité par rapport à la culture légitime, leur considération a progressivement induit un renouvellement des cadrages et méthodes visant à en rendre compte, afin d’en venir à les appréhender à partir de leurs manières propres de signifier. Continuer la lecture de Appel à communications : Traces et approches des usages dans la culture populaire et médiatique (1880-2020) →

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Appel à communication : Traces et approches des usages dans la culture populaire et médiatique (1880-2020)

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Traces et approches des usages dans la culture populaire et médiatique (1880-2020)

28-30 mai 2024

Université du Québec à Montréal

Échéance des propositions : 1er décembre 2023

Organisé par Matthieu Letourneux (Université Paris Nanterre) et Chantal Savoie (CRILCQ)

Depuis près d’une centaine d’années, une succession d’ébranlements disciplinaires et de « grands tournants » épistémologiques ont favorisé la production de travaux portant sur les cultures populaires et médiatiques. Alors que ces corpus ont d’abord été étudiés du point de vue de leur altérité par rapport à la culture légitime, leur considération a progressivement induit un renouvellement des cadrages et méthodes visant à en rendre compte, afin d’en venir à les appréhender à partir de leurs manières propres de signifier.

Parmi les chantiers ouverts dans la foulée de ces transformations, les travaux portant sur les usages de la culture ont constitué un filon fertile. On en trouve déjà la trace chez Richard Hoggart durant la deuxième moitié des années 1950 ; mais les années 1980, avec les contributions phares de Michel De Certeau (L’invention du quotidien), Janice Radway (Reading the Romance), Anne-Marie Thiesse (Le Roman du quotidien), John Fiske (Reading the Popular), voire, dans une certaine mesure, celles de Pierre Bourdieu (La distinction) et de Stanley Fish (Is there a text in this class ?), ont contribué à orienter l’examen de la culture de grande consommation du côté des études de réception. Si le courant des fan studies est devenu, à partir des années 1990 mais surtout dans les années 2000, avec l’omniprésence d’Internet, le vecteur le plus visible de cette attention portée aux usages et à la productivité des gestes culturels posés par les fans (avec les travaux d’un Matt Hills ou d’un Henry Jenkins), il a peut-être occulté les autres pratiques de consommation, plus quotidiennes, plus banales. C’est à ces autres pratiques que ce colloque souhaite s’intéresser.

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Appel à contributions : L’objet pop peut-il être éthique ? (Université de Lorraine)

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L’objet pop peut-il être éthique ?

Premier volet du projet (Im)matéréalités

Journée d’étude, Université de Lorraine, Nancy, 14 avril 2023

“’Cause we are living in a material world / And I am a material girl”. 

La confession consumériste et hédoniste de Madonna réalisée en chanson durant l’année 1984 semble désormais quasi hors de propos près de quarante ans plus tard. C’est ce dont témoigne un récent article du magazine en ligne Nylon pointant une potentielle contestation contemporaine de l’hypercapitalisme, particulièrement vive parmi les générations Z et alpha. Celle-ci semble reposer sur l’idée d’une fin du « printemps perpétuel » jadis associé à la consommation de masse par Baudrillard en lien avec le développement des centres commerciaux (La Société de consommation, p. 24, 26) et un potentiel refus des jeunes générations d’être encore « des héritières […] non plus seulement des biens, mais du droit naturel à l’abondance » (Id., p. 29), cette abondance dont on nous a récemment annoncé la fin au sommet de l’Etat. 

Ne nous y trompons pas toutefois : il s’agit peut-être davantage d’une mutation plurielle de l’hyperconsommation que de sa fin. De ce point de vue, la question la plus immédiate semble être celle de l’écologie et du développement durable. La pop culture, en ce qu’elle est avant tout une culture de consommation définie par Eloy Fernández Porta comme « un élan primordial : celui de la dévoration […], la destruction des biens et des services par l’usage qui en est fait » (Homo Sampler : Culture et consommation à l’ère afterpop, p. 10), est-elle par nature anti-eco friendly ? De multiples domaines peuvent être ici mobilisés, au premier rang desquels celui des fashion studies afin de rendre compte d’une mode contemporaine marquée par les condamnations de plus en plus virulentes des marques produisant encore des vêtements jetables dans les conditions que l’on sait – Zara, Primark, Shein – mais aussi par l’essor des friperies devenues tendance auprès d’une clientèle de plus en plus jeune. La nostalgie et le goût du vintage alimentant un « marché de l’ancien » qui n’est plus, contrairement au moment où Baudrillard écrit Le Système des objets, réservé au domaine des antiquaires, reflètent-ils l’élan d’une green pop qui ne saurait donc être qu’une consommation anachronique par nature, ou bien sont-ils symptomatiques d’une expression politique autour des enjeux climatiques que les gouvernants semblent toujours prendre à rebours ? 

De plus en plus de ces jeunes dont l’on brocarde régulièrement le peu d’intérêt pour la politique ou la fragilité d’un engagement « entre populisme et exigence démocratique » (Claudine Attias-Donfut & Martine Segalen, Avoir 20 ans en 2020 : Le Nouveau fossé des générations, p. 175) semblent désormais afficher leurs convictions écologiques dans leurs habitudes de consommation. Ainsi, cette époque marquée par l’anxiété écologique et la solastalgie dont les jeunes générations seraient les premières victimes, est aussi celle qui semble impliquer que, désormais, l’engagement puisse (doive ?) prévaloir sur la tendance. Pour qu’il fasse sens, le style doit être en prise directe sur les nécessités environnementales davantage que sur les prescriptions des chantres institutionnels du bon goût, comme en attestent les multiples scandales de ces derniers mois associés au monde de la mode, au premier rang desquels le défilé organisé par la marque Yves Saint-Laurent dans le désert marocain. Et si la tendance se définissait désormais par l’éthique, réalisant ainsi la prédiction faite par Lipovetsky dès 1991 : « il n’est plus d’utopie que morale, “le XXIe siècle sera éthique ou ne sera pas” » (Le Crépuscule du devoir, p. 11) ? Dans un autre registre, les polémiques actuelles entourant la prochaine coupe du monde de football au Qatar et les multiples boycotts de l’événement annoncés – qu’ils soient le résultat d’un choix individuel ou de celui de municipalités entérinant l’absence de diffusion des rencontres sur écran géant – en attestent également. Objets, pratiques et manifestations ne pourraient-ils donc plus être pop qu’à la condition d’être éthiques ? Continuer la lecture de Appel à contributions : L’objet pop peut-il être éthique ? (Université de Lorraine) →

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Appel à contributions : “The Meaning of Collections between Media and Practices” (revue Punctum)

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“The Meaning of Collections between Media and Practices”,  revue Punctum

Échéance des proposition : 31 Mai 2023

In 2009, in an essay that was to become famous, Umberto Eco associated the list with a kind of dizzying, vertigo-like semiotic mode of accumulation and categorization. The list, the catalog, the register, the inventory, are indeed quasi-synonyms, all united by their belonging to a specific semantic area: they refer to a set of things, whose being together is governed by some kind of pertinence and relevance. This is, de facto, the very same principle that guides the semiotic researcher in the act of carving up the text to be studied, in the act of constructing the corpus of analysis, which to be meaningful must show an isotopic coherence, at least – as Peirce puts it – in some respects. There is, therefore, a sort of elective affinity between the procedure that the semiotician puts in place in building their own field of action and the subject who draws up their lists and, even more generically, collects and sorts things. 

But this is not all, because sets are also capable not only of signifying as semiotic objects, but also of profoundly resemanticizing the elements that compose them. This is precisely the principle of the collection. For instance, a beer cap is, in itself, an object whose significance is rapidly exhausted and, basically, strictly limited to its primary function (that of preventing the liquid from escaping from a bottle). However, that same stopper takes on another, higher value when it is associated with others in a syntagma defined by the collector. The collection is therefore a primary whole, which by semiotic statute precisely defines its boundaries and their value, what they contain and what they exclude. Collecting is a practice already codified in antiquity, as demonstrated by the medieval and then Renaissance Wunderkammer, an exercise in orderly accumulation that ennobles both the contained object and the container context. From here arises the iconographic flow that makes the “chamber of wonders” a spectacle for the eyes not only on account of the objects it contains, but also because of how they are contained. Collecting is not simply gathering, since the term takes on specific semantic values, which recall the grafting around the practice of identity communities, forms of life, market sectors. The collection also pushes us to reconsider an assumption shared by semiotics: the collecting market is in fact a market dominated by tokens, rather than by types (essential for the expert in establishing, however, the authenticity of the token). The sense of the whole is capable, à la Aby Warburg, of illuminating the sense of the single component.

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Parutions

Parution : Aquariorama. Histoire d’un dispositif (Guillaume Le Gall)

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Guillaume Le Gall, Aquariorama. Histoire d’un dispositif, Sesto San Giovanni (Italie), Mimèsis, 2022.

Apparu dans les années 1840, l’aquarium offre un accès visuel à un milieu et à des formes en mouvement jusqu’alors inaccessibles. Cette révolution du regard marque une rupture dans l’histoire de la représentation. Mais cet objet technique va rapidement sortir de son cadre expérimental et fournir dans le contexte des expositions universelles des mises en scène spectaculaires et des images luminocinétiques originales.

De ce point de vue, l’aquarium est un objet hybride qui s’enracine dans la culture visuelle et littéraire du XIX e siècle, et au-delà, au point de constituer une forme paradigmatique des dispositifs de vision à travers.

Ce livre propose une archéologie de l’aquarium comme média en replaçant cet objet dans une nouvelle généalogie des dispositifs optiques, depuis le diorama daguerrien jusqu’aux tableaux lumineux de Jeff Wall en passant par le cinéma, la vitrine, la morgue, le théâtre de Loïe Fuller ou l’architecture de la serre.

Appels

Appel à contributions : La violence dans les objets sémiotiques fictionnels destinés à l’enfance et à la jeunesse (Revue Cultural Express)

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Appel à contributions pour un numéro de la revue Cultural Express qui paraîtra en 2023 : “La violence dans les objets sémiotiques fictionnels destinés à l’enfance et à la jeunesse”

Échéance des propositions : 1er octobre 2022

La violence, « huitième péché capital1 » tend à devenir une constante de l’écriture romanesque contemporaine. Après les contes populaires où l’on dévore, trucide et mutile sans vergogne, où il est question d’inceste (Peau d’âne), de mauvais traitements (Grisélidis), de mise à l’écart et de soumission (Cendrillon, Les Fées), d’exclusion (Le Chat botté), d’abandon d’enfants (Petit Poucet), d’infanticide (Le Genevrier), de sacrifice humain (Jean-le-Fidèle), de cannibalisme (Chaperon rouge, dans sa version archaïque), des récits contemporains – véritables « graphies de l’horreur2 » – exposent des atrocités et leurs manifestations. Sous prétexte de dénoncer une société dystopique et à la dérive, Hunger Games renoue avec les combats mythiques et délecte les lecteurs/spectateurs du spectacle d’un combat à mort d’enfants et d’adolescents dans une arène hostile.  Cette trilogie de Suzanne Collins a relancé le débat sur la violence dans la littérature jeunesse en se classant en 5ème position du classement des livres les plus violents, classement établi par l’American Library Association. Twilight, la saga de Stephenie Meyer, présente une justification de la violence masculine physique et morale et « glamourise » les relations toxiques. Divergente et Le Labyrintheplongent les lecteurs/spectateurs dans des mondes futuristes totalitaires et sombres. Dans le monde post-apocalyptique du roman de Veronica Roth, les Divergents sont traqués et tués par le gouvernement ; James Dashner met en scène une cinquantaine d’adolescents amnésiques qui servent de cobayes dans un labyrinthe gigantesque sans issue et peuplé de monstres mécaniques rôdant chaque nuit. Chez J. K. Rowling, la violence intrinsèque au monde magique est présente dès le premier tome de la série littéraire de « low fantasy » Harry Potter : le personnage éponyme brûle le visage du professeur Quirrell d’un simple contact ; ailleurs, il transperce Drago de dizaines de coups d’épée d’un « simple » Sectumsempra. Le lecteur/spectateur découvre un univers où des enfants sont jetés en pâture à des dragons et où de nombreux dangers rôdent au détour d’un couloir. Les violences physiques et morales sont monnaie courante dans ce monde magique et y sont même banalisées au point de servir de point de départ à des divertissements populaires, dont le Quidditch, où les batteurs expédient des sphères métalliques sur des joueurs adverses afin de provoquer une chute de plusieurs mètres de haut. Le héros, Harry Potter, brimé par ses gardiens légaux, fait face à une violence physique et mentale presque permanente sans que les services sociaux moldus interviennent. Dans le monde des sorciers et à Poudlard tout particulièrement, la violence physique est justifiée par la magie qui excuse la gravité de certains actes. Dans les mangas, la violence a une valeur symbolique et renvoie aux archétypes du « bien » contre le « mal ». La cruauté mise en scène dans le manga pour adultes est déplacée sur le versant psychologique dans celui pour adolescents, avec des humiliations (enfermer une fille dans un placard, lui mettre la tête dans l’eau des toilettes, …) ou du harcèlement.

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  1. Jim Harrison, Entretien (avec François Busnel) sur la sortie de son roman Péchés capitaux, diffusé dans le cadre de l’émission La Grande Librairie, sur France 5, le 3 septembre 2015. [↩]
  2. Rachid Mokhtari, La graphie de l’horreur : essai sur la littérature algérienne, 1990-2000, Alger, Éditions Chihab, 2002. [↩]
Appels, Colloques et séminaires

Appel à contributions : Vivre la fiction. La littérature par ses appropriations au quotidien XVIIIe-XXe s. (MSH Paris-nord, Saint-Denis)

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Journées d’études : « Vivre la fiction. La littérature par ses appropriations au quotidien (XVIIIe-XXe siècles) »

MSH-Paris Nord, 5 et 6 octobre 2022

Échéance des propositions : 30 juin 2022

Depuis le XVIIIe siècle et ensuite de manière croissante avec les débuts du romantisme, les œuvres littéraires ont souvent invité leurs lecteurs et lectrices à s’identifier aux personnages, aux scènes et aux situations fictives. Cela a donné lieu à un ensemble de pratiques culturelles et de produits dérivés qui ont permis aux publics d’expérimenter les univers de la fiction dans leur vie quotidienne, depuis la décoration, l’habillement et les accessoires de mode jusqu’aux jouets, aux éléments de mobilier et même aux comportements inspirés par des textes littéraires. 

Ces deux journées d’études seront consacrées aux appropriations marchandes et émotionnelles de la fiction littéraire. Qu’il s’agisse de prolonger la vie des personnages dans la réalité, de reproduire des scènes de roman sur des papiers peints ou des objets du quotidien, de créer des effigies aux noms des héros romanesques, de vendre des imprimés à collectionner faisant référence aux univers de fiction, les reprises et réinterprétations de la littérature sont souvent créatives et révélatrices des divers contextes historiques, matériels et idéologiques dans lesquelles elles sont menées.

Toiles de Jouy Paul et Virginie, pendule Atala, papier peint et gilet Esmeralda, assiettes des Mystères de Paris, cigares Montecristo, éventail Nana, poupées Claudine : nombreux sont les exemples connus ou encore à mettre en lumière qui permettent de raconter une autre histoire de la littérature moderne à travers la perspective de ces appropriations. Comment de telles appropriations se réalisent-elles à travers différents genres et contextes ? Quels types de textes inspirent ces réactions ? Et comment ces pratiques évoluent-elles à travers le temps, à mesure que se développent les médias, puis les industries culturelles ? Finalement, que peuvent-elles nous apprendre de la littérature elle-même ?

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Parutions

Réédition : Pornotopie. Playboy et l’invention de la sexualité multimédia (Paul B. Preciado)

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Paul B. Preciado, Pornotopie. Playboy et l’invention de la sexualité multimédia, Paris, Seuil, 2022 [2011].

Postface inédite de l’auteur

Traduit par Serge Mestre

« Je voulais faire de ce Manoir une maison de rêve. Un lieu où travailler et aussi s’amuser, sans les problèmes et les conflits du monde extérieur. À l’intérieur, un célibataire avait le contrôle total de son environnement. Je pouvais passer de la nuit au jour, visionner un film à minuit et commander à dîner à midi, avoir des réunions au milieu de la nuit et des rendez-vous galants l’après-midi.»

Voici le projet de Hugh Hefner, le créateur du magazine Playboy et concepteur du fameux Manoir à l’intérieur duquel il va se confiner pendant plus de quarante ans. Publié pour la première fois en 1953, Playboy n’a pas seulement été le premier magazine érotique populaire des États-Unis ; il a également fini par incarner un style de vie entièrement nouveau, construisant une série d’espaces multimédia et utopiques : manoir, penthouse, clubs, hôtels… tous ultraconnectés, comme s’ils préfiguraient l’ère contemporaine de l’incessante émission-réception d’images et d’informations et d’une vie conçue pour se donner en spectacle. Simultanément, l’invention de la pilule contraceptive donne accès à une technique biochimique qui sépare la sexualité (hétéro) et la reproduction.

Là où on a pour habitude de ne voir que des femmes déguisées en lapin pour le plaisir des hommes, Paul B. Preciado étudie les relations stratégiques entre l’espace, le genre et la sexualité dans des sites liés à la production et à la consommation de pornographie hétérosexuelle restés en marge des histoires traditionnelles de l’architecture : garçonnières, lits rotatifs multimédias ou objets de design.

En combinant les perspectives historiques avec la théorie critique contemporaine, la philosophie de la technologie et un éventail de sources primaires transdisciplinaires – Sade, Ledoux, Restif de la Bretonne, Giedion ou Banham, traités sur la sexualité, manuels médicaux et pharmaceutiques, journaux d’architecture, magazines érotiques, manuels de construction et romans –, Pornotopia explore l’utilisation de l’architecture comme technique biopolitique pour gouverner les relations sexuelles et la production du genre pendant la guerre froide aux États-Unis, et raconte la genèse de la nouvelle masculinité hétérosexuelle des réseaux sociaux d’aujourd’hui.

Paul B. Preciado est philosophe, commissaire d’exposition et auteur. Dans la lignée des travaux de Gilles Deleuze et Félix Guattari, Michel Foucault, mais aussi de Monique Wittig et Judith Butler, ses ouvrages sont des références internationales des études queer, trans et non-binaires.

Appels

Appel à contributions : “Le kitsch. Passé, présent, avenir” (Meridian critic)

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Meridian Critic, “Le kitsch. Passé, présent, avenir”

Date limite de soumission des articles complets : 31 mars 2022

Phénomène omniprésent, aux significations évidentes et, en même temps, ayant une résistance inattendue aux définitions effrénées, attentif aux mutations historiques du goût, mais doté d’un noyau anhistorique dur avec lequel il a affronté les âges, le kitsch est, sans aucun doute, l’une des réalités (anti)culturelles fascinantes de notre époque. Objet, catégorie d’objets, type de relation entre le récepteur et l’objet, attitude ou phénomène social, et bien plus encore, le kitsch est partout et pourtant nulle part avec certitude. Il y a quelques traits qui le définissent, mais ils ne fonctionnent pas sans faille et dans tous les paradigmes esthétiques : l’imitation bon marché et de mauvaise qualité, une forme d’illusion et d’auto-illusion, le conventionnalisme grégaire, le cliché facile. 
Traité en termes d’esthétique, le kitsch est l’ennemi de l’art. Il constitue un danger dans le domaine de l’art car il popularise des émotions qui se vendent comme esthétiques et altère les principes de l’expérience artistique. Dans une lecture éthique, le kitsch est l’un des moyens par lesquels le mal se propage dans le monde. Rien ne justifie la fabrication à la chaîne de produits artistiques de mauvaise qualité et l’encouragement de leur consommation. En revanche, en termes sociologiques, en tant que phénomène social et symptôme, il doit être compris avec sérieux et responsabilité, car il synthétise, de manière non discrète, des changements psychologiques et esthétiques de grande ampleur. La surproduction de kitsch contemporain est probablement révélatrice d’une société à la fois hédoniste et névrosée, qui refuse la complexité de la réalité et la dissimule sous des images joyeuses et scintillantes. 

Dans ce contexte, la revue Meridian critic, http://meridiancritic.usv.ro, invite les chercheurs intéressés à soumettre des articles s’inscrivant dans les directions thématiques suivantes : 

  • (Anti)art du kitsch
  • Manifestations du kitsch artistique et du kitsch social
  • Dynamique des formes littéraires et du kitsch 
  • Formes de paralittérature 
  • Sentimentalité et nostalgie dans les productions kitsch
  • Kitsch et culture de consommation
  • Culture du divertissement 
  • Kitsch moderne et kitsch postmoderne 
  • La relation kitsch-camp 
  • Etc. 

Les communications sur des thèmes connexes sont également les bienvenues.

Les articles peuvent être rédigés en roumain, anglais, français ou allemand. Les articles (7000 mots maximum), accompagnés d’un résumé en anglais (200 mots maximum) et d’une brève présentation de l’auteur (une notice biographique de 400 mots maximum) doivent être envoyés à daniela.petrosel@usm.ro ou meridian.critic.flsc@gmail.com. Pour plus de détails sur les règles et le style d’écriture, veuillez respecter les exigences figurant sur le site web de la revue : http://meridiancritic.usv.ro//index.php?page=instructions-to-authors. 

Appels, Colloques et séminaires

Appel à contributions : Collectionner les arts du spectacle (Université de Caen Normandie)

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Journée d’études : Collectionner les arts du spectacle

Université de Caen Normandie – 30 septembre 2022

Échéance des propositions : 15 mai 2022

Cette journée d’études propose de se pencher sur l’expérience des spectateurs et des spectatrices à travers la pratique des collections consacrées aux arts du spectacle. Inaugurant le programme de recherche « Objets de spectateurs : instruments et reliques » développé au sein du Laslar (EA4256 Université de Caen Normandie), elle entend envisager l’expérience spectatorielle non plus seulement dans le temps de la représentation ou de la projection mais aussi dans le temps passé hors des salles. Ce déplacement invite à ne pas se limiter à la mise en récit d’une réception par l’écrit et à chercher les différentes traces matérielles qui témoignent d’une pratique de spectatrice ou de spectateur ou au travers desquelles se manifeste un amour pour les arts (et les artistes) de la scène et du cinéma. Nous aimerions donc aborder la réception des films ou des spectacles par les objets qui la permettent ou qu’elle suscite. 

Les collections constituées par des amateurs de théâtre et les cinéphiles sont l’expression la plus flagrante de la manière dont les objets peuvent témoigner de cette expérience, retracer des carrières de spectateurs, être porteurs ou investis d’une histoire enfin, que celles et ceux qui les réunissent cherchent à préserver ou à s’approprier. Si la figure du collectionneur est bien connue des historiens de l’art et si la collection est un objet d’étude bien identifié dans ce champ[1], elle a cependant moins retenu l’attention des chercheurs spécialistes des arts du spectacle.

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