Archives par mot-clé : musique

Parution : Audimat 16

Audimat 16

Rap-de-mixtape
Abe Beame traduit par Hervé Loncan
 
Cela peut paraître bizarre à l’heure des sorties erratiques de singles en streaming, mais il fut un temps où les meilleur·e·s rappeurs et rappeuses se tiraient la bourre sur un format « mixtape », étrangement peu sensible aux variations de supports (cassettes, CD puis MP3). Format esthétique et commercial, la mixtape empruntait sa durée à celle de l’album (excédant parfois les plus longs d’entre eux) et, de plus en plus fréquemment au cours de son histoire, ses rythmes effrénés de parution aux sitcoms. Elle révéla quelques-uns des rappeurs les plus brillants et influents de leur génération – 50 Cent ou Fabolous. La seconde génération, en particulier, celle des Lil Wayne ou Gucci Mane, s’est montrée capable d’en enchaîner plusieurs par mois, donnant à voir le progrès de leurs flows presque en direct, générant sans cesse des punchlines sur le mode du flux de conscience, testant sans craintes des timbres vocaux ou des ad libs inédits. Nos camarades journalistes ayant surtout parlé de l’âge de la mixtape pour son économie et sa manière de préfigurer le marché dérégulé du streaming, il nous a paru important de revenir sur ce que la mixtape a pu porter au niveau du style et de la manière de rapper. Pour cela, nous sommes allés chercher l’un des meilleurs spécialistes en la personne de Josh Kaplan aka Abe Beame, de Passion of the Weiss, l’un des rares blogs à avoir continué après l’effervescence du milieu des années 2000 sans avoir à en rougir. Il nous replonge dans cette source vive, celle d’une certaine idée du rap comme délire fantaisiste presque ininterrompu, communiquant un mélange d’excès, de générosité et de tension dont l’influence reste perceptible chez les trappeurs et trappeuses d’aujourd’hui. 

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Appel à contributions : La fantasy au prisme des médias (Épinal)

Colloque des Imaginiales : La fantasy au prisme des médias. BD, jeux, cinéma, télévision, musique… : métamorphoses d’un genre et de ses usages

Jeudi 19 et vendredi 20 mai 2022

à Epinal dans le cadre du Festival des Imaginales

Échéance des propositions : 30 janvier 2022

Direction scientifique : Anne Besson (Université d’Artois), Stéphanie Nicot (directrice artistique des Imaginales), Natacha Vas-Deyres (Université de Bordeaux-Montaigne) et Florent Favard (Université de Lorraine)

Comité d’organisation : Stéphane Wieser (directeur du Festival des Imaginales d’Epinal), en association avec le Comité d’Histoire régionale – Région Grand Est 

 La fantasy se présente dès ses origines comme un genre multimédiatique, favorisant des formes de création et de réception qui empruntent aussi bien les voies de l’écrit que de l’image, du son ou de l’objet – William Morris, un des créateurs de la fantasy romanesque à la fin de sa fructueuse carrière, n’était-il pas, aussi et indissociablement, designer, créateur d’arts graphiques et décoratifs, peintre, éditeur, traducteur, poète… ? Tout au long de l’histoire du genre, les romanciers ont été aussi illustrateurs, comme J.R.R. Tolkien, Mervyn Peake ou plus récemment Melchior Ascaride par exemple, musiciens, comme Michael Moorcock ou Morgan of Glencoe, puis scénaristes pour le cinéma ou la télévision, de George Martin à Estelle Faye, ou encore et très souvent rôlistes, de Raymond Feist à Jean-Philippe Jaworski. Quand ce n’était pas l’auteur qui exerçait sur plusieurs médiums, ce sont certaines œuvres dont l’appréhension s’est faite en fonction de leurs avatars visuels, audiovisuels ou vidéo-ludiques – le Conan de Robert E. Howard prend ainsi forme dans les images de Frank Frazetta, avant que sa perception ne soit largement transformée, voire déformée, par le film de John Milius en 1982. Les textes d’Andrzej Sapkowski consacrés au Sorceleur, parus en Pologne au début des années 90, n’ont accédé à une très large reconnaissance qu’à l’occasion de leur adaptation en jeu vidéo à partir de 2007, avant que l’ensemble ne donne lieu à une série télévisée diffusée sur Netflix en 2019.

La dynamique de « world builiding », fondamentale à la fantasy, fournit une piste « interne » pour comprendre un tel déploiement multi ou trans-médiatique – tout un monde à explorer, cela nécessite d’y donner accès par tous les sens, de le faire voir et entendre, d’en développer la culture matérielle et d’en documenter l’existence dans des manuels de règles, afin d’y permettre l’immersion la plus complète. Les « univers partagés », créations collectives comme Thieves’ World de Robert L. Asprin, ou étendues, comme autour du Darkover de Marion Zimmer Bradley, font partie des expériences les plus caractéristiques de ce qui fait la spécificité de la fantasy, dans le mélange des supports médiatiques comme dans les passages entre création et réception qu’elle permet. En cela le genre entretient le plaisir de pratiques courantes de l’imaginaire enfantin, et ce n’est pas un hasard si une part des univers parmi les plus développés sont (au départ !) destinés au jeune public, de Yu-gi-oh à Harry Potter.

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Appel à contributions : Les représentations du crime organisé dans l’aire culturelle romane XIXe-XXIe s. (Cahiers d’Études Romanes)

“Les représentations du crime organisé dans l’aire culturelle romane (XIX/ XXIe)”

Cahiers d’Études Romanes, n°45, 2022

Échéance des propositions : 15 septembre 2021

Sous la direction d’Anne-Sophie Canto, Gerardo Iandoli, Claudio Milanesi (Aix Marseille Université, CAER)

Le crime organisé est un phénomène séculaire, international et particulièrement complexe et caractérisé de surcroît par son aspect protéiforme. Il évolue selon le contexte socio-économique des régions qu’il gangrène, selon les périodes et les latitudes : des campagnes siciliennes du XIXsiècle – berceau de Cosa Nostra – jusqu’à la prison de Tabauté au Brésil qui fait naître le Primeiro Comando da Capital en 1993, du Mexique des narcos à la Costa brava refuge des Vory v Zacone géorgiens, c’est une vaste géographie des organisations criminelles qui se dessine dans toute l’aire romane.

Les sources qui mentionnent le crime organisé, de même que celles qui en font un objet d’étude, sont aujourd’hui pléthoriques et variées. Du point de vue factuel, nous avons désormais accès à de nombreux comptes rendus d’enquêtes policières, judiciaires et journalistiques, ainsi qu’à des témoignages qui donnent la parole à des criminels repentis comme à des victimes. Parallèlement et à degrés variables, la fiction s’est mêlée à la réalité dans des récits littéraires, des films ou des séries et à des compositions musicales. Progressivement, l’ensemble de cet apport est venu à bout de l’aura de mystère qui planait sur des organisations autrefois perçues comme marginales et secrètes. Pourtant, le crime organisé continue d’occuper la scène artistique. En effet, ce thème demeure intrinsèquement lié à la profonde fascination que procure la perpétration du mal, à travers un mécanisme ambivalent d’attirance et de répulsion. Ainsi, le paradigme du mythe s’est diffusé à travers la littérature, la musique et les arts visuels qui n’ont cessé de représenter la figure criminelle pour l’ériger en modèle de l’anti-héros ou pour la condamner sèchement.

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Appel à contributions : Banlieue-poétique dans le rap et la littérature (Cergy Paris)

Journée d’étude Banlieue-poétique dans le rap et la littérature

18 mars 2022

Université CY Cergy Paris

Échéance des propositions : 1er octobre 2021

Organisée par Sylvie Brodziak, Marion Coste

L’espace urbain qu’est la banlieue est, au XXIème siècle, un des hauts lieux de la création artistique. Thème récurrent dans le rap et la littérature, il rompt avec la langue, questionne la forme et modifie les représentations. Il s’agira donc dans  cette journée d’étude d’explorer  la poétique que fait naitre la banlieue en littérature et dans le rap , tout en respectant la singularité des modes d’expression artistique.

En effet, la proximité thématique ne doit pas faire oublier que le rap, étant un genre musical, voire musical et visuel si l’on considère que le clip fait partie intégrante du morceau, s’exprime à travers des médias sonores, visuels et textuels, là où le roman ne s’exprime que par le texte, très partiellement par l’image si l’on prend en compte la couverture. Il s’agira dans cette journée d’étude de voir comment cette différence médiatique influe sur l’expression des banlieues. On étudiera aussi, autour de ce thème de la banlieue, les rencontres du livre et du rap, l’un pouvant citer l’autre dans l’optique de s’en démarquer ou au contraire de s’y associer. On pourra aussi interroger la façon dont la littérature et le rap s’approprient certaines caractéristiques de l’oralité des grands ensembles urbains, avec des ambitions variées : donner voix à celles et ceux qu’on n’écoute pas, contredire des discours stéréotypés sur les cités, alerter sur les conditions de vie et les dérives potentielles qui pourraient en découler, choquer son public ou renouveler les formes du roman, et la liste reste ouverte. Enfin, on pourra s’intéresser aux mises en scène de soi, dans le rap ou la littérature, de l’artiste comme banlieusard.

Ces quelques problématiques pourront être étudiées à travers l’analyse de romans accordant une place importante aux banlieues (Rachid Djaïdani, Faïza Guène, Kaoutar Harchi, Léonora Miano, Charles Robinson, Bakary Sakho, Sami Tchak entre autres) et des morceaux de rap –  de IAM à Niska, la liste serait trop longue à établir – appréhendés à la fois comme texte, musique et clip vidéo. Un intérêt tout particulier pourrait être apporté aux romans écrits par des rappeurs, comme René  ou Les Derniers de la rue Ponty de Disiz. Nous privilégierons les approches intermédiales, qui rapprocheront les pratiques musicales et littéraires autour de la description des banlieues, ainsi que les corpus d’étude associant textes littéraires et morceaux de rap.

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Parution : Modulations. Dans la guerre froide – la révolte et son double. Rock, soul, reggae et autres musiques (collectif)

Modulations. Dans la guerre froide – la révolte et son double. Rock, soul, reggae et autres musiques, ouvrage collectif, traduit de l’anglais par Pauline Bruchet et Benjamin Fau, Allia, 2021. 

“En intégrant dans leur musique les bruits de la ville, en trafiquant le cœur de leurs machines, en plongeant tête la première dans des univers mystérieux, en réactivant des rituels oubliés et en s’imaginant de nouvelles identités, ces musiciens se sont ouverts à l’idée que la machine, supposée nous déshumaniser, peut très bien, en réalité, nous rendre plus humains.”

Si vous cherchez un point commun entre Daft Punk et Karlheinz Stockhausen, Giorgio Moroder et Aphex Twin, Public Enemy et Brian Eno, n’allez pas plus loin : ils font tous partie de la plus grande aventure musicale de la fin du XXe siècle (et du début de ce siècle), celle des musiques électroniques. Du futurisme italien jusqu’aux travaux de déconstruction sonore des musiciens de house ou de downtempo, depuis les montages de bandes magnétiques des précurseurs de la musique concrète jusqu’à l’extrémisme brutal du gabber et la douceur ouatée de l’ambiant, en passant par les fulgurances des pionniers de la musique hip-hop et les visions électro-funk des inventeurs de la techno de Detroit, Modulations est la première histoire raisonnée de ces musiques publiée en France. Chaque chapitre, rédigé par un spécialiste, à la fois amoureux sonique et critique érudit, couvre une période de leur développement ou une branche de leur activité créative. Des annexes complètent le panorama en s’attardant sur les sous-genres les plus importants et les styles connexes, tandis que des transcriptions d’interviews donnent la parole aux acteurs eux-mêmes. S’adressant au néophyte autant qu’à l’amateur éclairé, Modulations offre au lecteur les clefs pour comprendre le texte et le contexte d’une musique qui a révolutionné notre approche tant de la composition que de l’écoute musicale, en réconciliant avant-garde et grand public.

Sommaire

Parution : Backstage. Scènes et coulisses des séries musicales (Pierre-Olivier Toulza)

Pierre-Olivier Toulza, Backstage. Scènes et coulisses des séries musicales, Presses Universitaires François Rabelais, coll. “Sérial”, 2021.

Les séries télévisées musicales ne sont pas un phénomène nouveau aux États-Unis, mais le genre connaît un impressionnant renouveau depuis la fin des années 2000. Glee, Treme, Pose, Smash, Empire, Nashville, The Get Down, Vinyl, High School Musical. Ce véritable cycle impressionne par sa richesse et sa variété : les séries portant sur le chant côtoient celles qui privilégient la danse ou la pratique instrumentale ; aux séries des grands networks s’ajoutent celles des chaînes du câble et des services de VOD. Ces nouvelles séries musicales ont pour spécificité de dévoiler l’envers des univers du divertissement comme les conditions de la création artistique, en promettant une découverte des scènes et coulisses des mondes du spectacle. Ce livre décrypte le phénomène culturel des séries TV musicales américaines, en s’attachant aussi bien aux récits et aux spectacles proposés par ces séries qu’aux mutations industrielles qu’elles reflètent.

Pierre-Olivier Toulza est maître de conférences en études cinématographiques à Université de Paris. Il a récemment codirigé deux ouvrages sur la comédie musicale hollywoodienne, Stars et solistes du musical hollywoodien (Les Presses du réel, 2017) et Politiques du musical hollywoodien(Presses universitaires de Paris Nanterre, 2020).

Appel à communications : La Fête dansante. Pratiques, imaginaires et cultures festives en danse

La fête dansante. Pratiques, imaginaires et cultures festives en danse

Centre National de la Danse, Pantin, 8-9 octobre 2021

Organisation :

Camille Paillet (Université Paris 8, Musidanse/Université Paris 1 Sorbonne, CHS)

et Laura Steil (Université Paris 8)

Comité scientifique :

Christophe Apprill (URMIS), Andreas Fickers (UniLu, C2DH), Thomas Fouquet (IMAF, CNRS), Pascale Goetschel (Université Paris 1 Sorbonne, CHS), Isabelle Launay (Université Paris 8, Musidanse), Marina Nordera (Université Côte d’Azur, CTEL), Claudia Palazzolo (Université Lumière Lyon 2, Passages XX-XXI), Joëlle Vellet (Université Côte d’Azur, CTEL)

Argumentaire

À l’appel du confinement, diurne et nocturne, l’espace festif devient suspect et identifié comme dangereux dans la crise pandémique actuelle. Jugée comme des activités « non essentielles » par le gouvernement, les pratiques festives, et avec elles les activités et les valeurs qu’elles déploient, sont officiellement interdites dans l’espace public et déconseillées dans la sphère privée. Outre les dégâts économiques causés par cette interdiction dans certains secteurs professionnels associés aux loisirs, à la production d’activités et d’évènements festifs (bars, boîtes de nuit, clubs, salles des fêtes, festivals, bals, concerts) et les réactions critiques qu’elles génèrent, nous souhaitons interroger, par le biais des effets de ces mesures coercitives sur le monde social, les sens et les fonctions festives de la danse. S’il est aujourd’hui envisageable d’imaginer une société dépourvue d’espace et de temps dédiés aux plaisirs festifs, qu’en est-il réellement du rôle historique, social et anthropologique joué par la fête dansante ? Mais d’abord qu’entend-on par « fête », et l’entend-on de la même manière partout et en tous temps ? En quels termes parle-t-on de la fête dansante dans différents contextes historiques et sociolinguistiques (chahut, bringue, teuf, boucan, s’enjailler, etc.) ? Et surtout, quelle place le corps dansant occupe-t-il au sein des pratiques festives ?  

En prise directe avec l’actualité, ces deux journées d’étude proposent une réflexion sur les pratiques, les imaginaires et les cultures festives en danse ouverte à tous les champs disciplinaires, périodes historiques, contextes géographiques et socio-culturels. Nous désirons faire dialoguer les perspectives de chercheurs, chercheurs-praticiens, artistes et professionnels de la fête dansante. Si vous souhaitez participer à cette manifestation, veuillez nous envoyer votre proposition avant le 1er avril 2021 (voir informations pratiques à la fin de l’appel). Sans limitation, les propositions pourront s’inscrire dans l’un des axes thématiques présentés ci-dessous.

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Appel à propositions : L’imaginaire du Nord dans les arts

Journée d’études : L’imaginaire du Nord dans les arts 

Maison des Sciences de l’Homme – CHEC (Centre d’Histoire « Espaces et Cultures »), Université Clermont Auvergne (UCA), Clermont-Ferrand

11 juin 2021

Dans un contexte globalisé, une approche géographique des arts tend à mettre en valeur des particularismes locaux conçus comme des îlots d’authenticités dans un océan standardisé (Crang, 1998). Or, cette quête d’une culture autochtone authentique peut s’avérer contre-productive et impliquer des formes de réinvention nostalgique relevant d’une psychogéographie (Coverley, 2006). Cette observation s’applique éloquemment au cas de la zone nordique (Scandinavie, Islande, Groenland, Canada, Alaska, Russie…), qui est abordée dans les arts, les légendes et la littérature depuis l’Antiquité selon deux axes antithétiques : soit par une approche utopique, les communautés peuplant ces territoires étant considérés comme des modèles de vertu en symbiose avec une nature laissée à l’abri de l’exploitation ; soit suivant une conception qui place des communautés septentrionales laissées à l’écart des progrès techniques dans un environnement menaçant où règnent la mort et la désolation (Davidson, 2005). Cet imaginaire plaqué sur une zone géographique et les habitants qui la peuplent peut s’inspirer de faits, notions et symboles liés à l’identité, la culture ou le paysage et se place sur le point de jonction entre l’objectif et le subjectif, le factuel et le fictif, le réel et le représentationnel. Cette activité de création de représentation est même si intense concernant la zone arctique qu’elle s’est parée au début des années 2010 d’un terme nouveau destiné à la caractériser : le boréalisme (Schram, 2011). Continuer la lecture de Appel à propositions : L’imaginaire du Nord dans les arts

Parution : La culture à l’ère du numérique. Plateformes, normes et politiques


Antonios Vlassis, Michèle Rioux et Destiny Tchéhouali (dir.), La culture à l’ère du numérique. Plateformes, normes et politiques, Presses Universitaires de Liège, 2020. 

Préface : Bernard Rentier / Épilogue : Charles Vallerand

Dans un contexte de convergence sectorielle entre culture, commerce et numérique (Internet et réseaux de télécommunications), l’ouvrage se fixe pour objet d’explorer les tensions entre globalisation numérique et industries culturelles. Plus spécifiquement, notre objectif est de mettre en lumière les pratiques des plateformes numériques dans le secteur culturel (audiovisuel, cinéma, musique, livre), d’analyser la cohérence des politiques culturelles dans une perspective comparative et de saisir pourquoi et comment les acteurs et leurs stratégies entendent embrasser des enjeux transversaux tels que la découvrabilité, la promotion et la protection des expressions culturelles diversifiées, le droit d’auteur et les conditions économiques et sociales des créateurs à l’ère du numérique, la coopération internationale dans le domaine culturel. À cet égard, nous visons à repenser les cadres de l’intervention publique dans le but de déboucher sur de nouvelles normes et trajectoires de gouvernance et sur de nouveaux modèles de politiques publiques en matière de culture et de numérique.


Antonios VLASSIS est chercheur au Center for International Relations Studies (cefir) et maître de conférences au Département de Science Politique de l’Université de Liège. Michèle RIOUX est professeure au Département de Science Politique de l’Université du Québec à Montréal (uqam) et directrice du Centre d’études sur l’intégration et la mondialisation (ceim-uqam). Destiny TCHEHOUALI est professeur au Département de communication sociale et publique de l’Université du Québec à Montréal (uqam) et directeur de l’Observatoire des réseaux et interconnexions de la société numérique (orison).

Appel à contributions : Enchanted music / Musique enchantée – Nouvelle date limite – 5 février 2021

(English version below)

La Fantasy et la musique ont toujours été étroitement liées à travers l’association de la musique aux pouvoirs créateurs. Ainsi dans l’Ainulindalë de Tolkien, la musique donne naissance au monde, et le mal se manifeste au départ sous la forme d’un thème discordant dans la symphonie que les Ainur composent. Par ailleurs Le Seigneur des Anneaux est entrelacé de chansons et de poèmes, une particularité que l’on retrouve dans les œuvres d’auteurs post-tolkieniens comme Guy Gavriel Kay. Les chansons s’accompagnent souvent de la présence de personnages musiciens qui peuvent rappeler les figures mythologiques d’Orphée, dont la musique charme tous les êtres vivants, ou du barde Taliesin qui aurait été un compagnon de Bran le Béni et aurait fait partie de la cour du roi Arthur. De fait, Taliesin apparaît dans le roman de Fantasy urbaine de Charles de Lint Moonheart. Et les musiciens sont particulièrement représentés, avec les peintres et les écrivains, dans les œuvres de l’auteur canadien, lui-même musicien, qui explore régulièrement les différents visages de la création artistique et de la créativité. De même, dans le roman War for the Oaks d’Emma Bull, la musique constitue un élément à part entière du récit puisque le personnage principal, Eddi, est chanteuse et guitariste de rock tout comme la romancière. D’autres écrivains imaginent des instruments de musique magiques, comme la harpe du Dagda dans La Sève et le Givre de Léa Silhol, ou des personnages féeriques dont les talents de chanteur et de musicien dépassent ce que de simples êtres humains peuvent produire.

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