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Appel à contributions : « Just take a pinch of psychedelic ». Les esthétiques psychédéliques des XXe et XXIe siècles

Journée d’études : « Just take a pinch of psychedelic ». Les esthétiques psychédéliques des XXe et XXIe siècles

Mardi 26 septembre 2023, Auditorium, site Saint Charles 2, Université Paul-Valéry Montpellier 3

Échéance des propositions : 28 février 2023

Cette journée d’étude s’intéresse à la généalogie et à la dynamique des esthétiques psychédéliques au cours des XXe et XXIe siècles. Elle ne limite délibérément pas la notion de « psychédélisme » au mouvement contre-culturel des années 1960, mais l’aborde comme l’une des voies majeures empruntées par l’art occidental pour devenir et rester « moderne ». Elle l’envisage ainsi sur une durée relativement longue, dans l’ensemble des productions culturelles (musique populaire ou savante, arts de l’image, fiction littéraire, cinéma, graphisme et typographie, architecture, jeux vidéo, etc), et du point de vue de sa productivité formelle.

Le projet serait de questionner quelques uns des opérateurs esthétiques ayant permis aux principes d’expansion perceptive et de conscience modifiée (extase, hallucination, rêve, hypnagogie, psychose…), autant dire de multidimensionnalité et d’illimination, de s’articuler aux différents supports, pratiques ou matières de l’art au cours des XXe et XXIe siècles. À titre indicatif, on pourra s’interroger sur les notions d’organicité et de cinétisme, de syncrétisme et d’improvisation, de densité immersive et de distorsion, de saturation, d’ornement, de démultiplication – qualités qui situent indistinctement le psychédélisme du côté des puissances de capture, d’exagération et de débordement sensitif, de ce que l’on peut considérer comme une expérience de « réel augmenté », de « quatrième dimension » ou de « potentialisation de la vie ».

Plus concrètement, les analyses pourront porter sur les ondulations du Jugendstill comme sur la bande défilée immersive (Phallaina de Marietta Ren, 2016) ; sur les expériences de cinéma étendu qui ponctuent le siècle, comme sur William Burroughs (Les Lettres du Yage, 1963), Henri Michaux (Misérable Miracle, 1956) ou Joao Tordo (Le Domaine du Temps, 2009) ; sur Frantiszek Kupka ou Odilon Redon, Ernst Fuchs ou Philippe Druillet ; sur l’art de la lumière qui se développe dès les années 1910 (Lumia, Thomas Wilfred), sur les films d’Oskar Fishinger ou de Jordan Belson, sur le color field, les dispositifs stroboscopiques (Dream Machine, Brion Gyrin) ; sur les compositions de Terry Riley (Mescalin Mix, 1960-1962) et sur l’art optique de Bridget Riley ; sur les dream houses de La Monte Young, les Ganzfelds de James Turrell, la création digitale ou les œuvres récentes d’Arnaud Maguet — du moment qu’elles s’efforcent de montrer ce que l’idée psychédélique fait aux arts, comment elle s’en saisit et les travaille tout au long du siècle, dans l’espoir répété qu’ils deviennent les instruments d’une entreprise de déconditionnement des formes de vie et d’utopisation sensible du monde.

Les propositions de communication, d’un format de 25 minutes, peuvent être adressées à Lambert Barthélémy avant le 28 février 2023, accompagnées d’une petite notice bio-bibliographique. Une réponse sera donnée fin mars. 

lambert.barthelemy@univ-montp3.fr

barthelemy.lambert@orange.fr

Journée d’études : Partoches (Université Panthéon-Sorbonne)

Journée d’études : Partoches

Organisée par Marie Goupil-Lucas-Fontaine, Centre d’histoire du XIXe siècle, UR 3550, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne – Sorbonne Université

3 décembre 2022, Amphi Richelieu, 17, rue de la Sorbonne 75005 Paris

Inscription : sophie.lhermitte@univ-paris1.fr

Aussi évidente soit-elle pour le musicien d’hier et d’aujourd’hui, la partition musicale est un objet mal connu des historiens. Véritable archive ouverte, elle donne pourtant accès à une infinité d’usages et d’interprétations par sa multimodalité : images, texte, notation musicale s’entremêlent pour offrir un support unique qui fait appel, autant que la carte géographique, à l’imagination du lecteur.
Cette journée d’étude est une incitation à regarder la partition autrement que pour ses usages strictement musicaux, en s’interrogeant notamment sur la façon dont sont conçus ces supports en dehors de la ligne musicale. La partition, se situe précisément à la frontière des formes culturellement légitimes de l’imprimé en versant alternativement du côté de l’édition classique pour les formes musicales les plus complexes ou, à l’opposé, du côté de la culture médiatique, confondant presse, éphémères imprimés et airs du temps, aussi vite chantés qu’oubliés. Il existe ainsi une hiérarchie tacite au sein des imprimés musicaux, les plus complets, le « matériel » orchestral s’adressant aux bons lecteurs de musique, ceux qui pratiquent un instrument, tandis que les formes allégées visent un public de moins en moins familier de la notation musicale. Du grand format chant et piano pour artistes et amateurs éclairés au petit format pour chant seul à destination du « grand public », en passant par la presse et toutes les formes de recueils, poétiques, médiatiques, parfois sans notation musicale mais toujours destinés à faire de la musique ou du chant « sur l’air de » comme seule référence mélodique, tous les formats de l’édition musicale appellent à un traitement et à une réflexion spécifique.

Informations et programme

Appel à contributions : Le spectacle des chansons et les chansons comme spectacle dans les productions post 1970 (Université d’Angers)

Colloque : Le spectacle des chansons et les chansons comme spectacle dans les productions post 1970

Les 28, 29 et 30 juin 2023, Université d’Angers

Échéance des propositions : 6 janvier 2023

Penser la notion de spectacle des chansons, c’est immédiatement envisager leur représentation scénique ou encore la performance de l’interprète lors des concerts, showcases ou tournées. Penser la spectacularisation de la chanson, c’est imaginer les grands effets spectaculaires – voire hyperspectaculaires – qui peuvent y être associés. Si Barthes définissait la théâtralité comme étant « le théâtre moins le texte[1] », le spectaculaire appliqué à la chanson semble relever d’une théâtralité interprétative dont le corps du chanteur en scène, entouré d’effets, est le garant. Depuis les années 1970, l’album concept, dont le spectacle scénique est à l’horizon des ventes, s’avère un des cadres prégnants de la production de chansons. De plus, l’esthétique de la chanson se fait souvent opératique et « spectaculeuse » à l’instar des grands shows à l’américaine, ce qui permet de considérer la chanson sous un angle visuel, fortement appuyé par sa circulation, désormais acquise sous forme de vidéos et de clips. Mais le spectaculaire ne réside-t-il pas aussi dans des esthétiques intimistes ou dans des modalités interprétatives relevant de réadaptations de l’album à la scène ?

À la suite des travaux historiques mettant en perspective les formes du spectaculaire dans les arts de la scène, et en poursuivant les réflexions entamées autour de la chanson récemment dans le colloque « Le music-hall après le music-hall » (2022)[2] ou prochainement – la 4e Biennale internationale de la chanson[3] portera sur les « Dramaturgies de la chanson » –, nous souhaitons réinterroger la notion de spectacle de chansons précisément dans les 50 dernières années de production. Si l’on y questionnera la dimension visuelle du spectaculaire, ce colloque envisage aussi d’autres manières de penser le spectacle de chansons : par la voix déjà présente dans l’album, par le corps médiatisé de l’interprète et par les technologies qui assurent de nouvelles formes de spectacularisation. 

Au regard des modèles de divertissements désormais généralisés, les chansons s’avèrent produit de consommation de masse et l’esthétique visuelle contribue au plaisir et à la lisibilité pour les spectateurs. L’enjeu des spectacles n’est alors pas d’ordre intellectuel mais émotionnel, et, depuis la deuxième moitié du xxe siècle, la stratégie du « tube » – promu et attendu en scène – œuvre pour ce principe. L’émotion vécue par le public peut tenir à des effets qui sacralisent les figures du canteur, les personnages et les thématiques. La dimension spectaculaire ainsi construite par la production repose sur une habile utilisation des médias, sur la reconnaissance du public et sur un rapport de projection-identification : à la fois figures patrimoniales et figures médiatiques, les « vedettes », « idoles » ou « stars » de la chanson sont ainsi des portes d’entrée vers un univers original et merveilleux. Se pose alors la question de savoir ce que le spectacle fait aux chansons : y a-t-il effets de redites ou au contraire de défigement de ce que l’album laisse entendre et imaginer ?

Nous proposons d’explorer tous les types de production (cinéma, théâtre musical, émissions de télévision…), à partir de 1970, qui intègrent des chansons en construisant par exemple un argument dramatique autour d’elles – c’est le cas des comédies musicales à la française – ou en utilisant le chant comme incursion et agrément du texte dramatique pour développer une nouvelle forme de théâtralité. Nous n’omettrons pas de mentionner toutes les émissions de télévision qui offrent aux artistes, confirmés ou émergents, la possibilité d’une performance où la chanson est mise en scène pour elle-même de manière originale.

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Parution : Écrire l’histoire, n° 22, “Chanson, histoire, mémoire”

Écrire l’histoire, n° 22, “Chanson, histoire, mémoire”, dir. Jean Vigne, Paris, CNRS éditions, 2022.

« Les albums dignes d’intérêt avaient beau sortir par brassées, celui-là occultait tous les autres, comme s’il parvenait à concentrer sur ses quatre faces, au-delà de ses radicales qualités, le son de l’époque. On peut rationaliser tant qu’on veut, souligner la cohérence du projet, la qualité des morceaux, l’excellence de la production, l’atout majeur de London Calling, d’autant plus évident avec le recul, c’est que, comme tous les disques phares qui balisent l’océan du rock, il résume à lui seul un moment capital de l’histoire. » Antoine de Caunes, Dictionnaire amoureux du rock, 2e éd. Plon, 2020, article « Clash, The », p. 88.

Peut-on écrire l’histoire sans prêter l’oreille aux chansons ? Et les chanteurs, les chanteuses dont nous aimons fredonner les succès, ne sont-ils pas eux-mêmes les premiers chroniqueurs de notre histoire en train de se faire ? Alors que monte en puissance, dans le champ universitaire, la reconnaissance de la chanson comme vecteur poétique efficace d’un discours social et politique, et par conséquent comme objet historique majeur, notre dossier explore ces liens de la chanson avec l’histoire, sur la base d’exemples très variés, qui vont des couplets des légionnaires romains au rap français le plus contemporain, en passant par les refrains satiriques de la Fronde ou du règne de Louis XV, la romance du XIXe siècle, le musical hollywoodien, la canción protesta espagnole, cubaine ou vénézuélienne, le rock polonais de l’ère communiste, etc. Ces études de cas, focalisant le plus souvent l’attention sur un petit nombre de chansons soigneusement choisies, en mettant en valeur les traces d’une expérience individuelle et collective de la chanson, illustrent les enjeux politiques et mémoriels du genre, les façons très diverses dont il devient lieu de mémoire, dont il participe de l’écriture de l’histoire et suscite la curiosité légitime des historiographes, de Suétone à Robert Darnton, sans oublier Jules Michelet. Ce travail d’équipe, né dans la cadre du projet Idex L’Air du temps à l’Université de Paris (ANR-18-IDEX-0001), réunit les études convergentes de chercheuses et chercheurs venus de disciplines diverses (littérature, musicologie, histoire, sociologie) et soucieux de les faire dialoguer. Qu’ils en soient ici remerciés !

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Appel à contributions : Assises CPM 2023

Assises de la recherche en cultures populaires et médiatiques, seconde édition – CPM 2023

Appel à contributions

Futurs POP – Quel(s) avenir(s) pour les études en cultures populaires et médiatiques ?

Dates : 12, 13 et 14 octobre 2023

Lieux : Nanterre et Paris

Échéance des propositions : 1er décembre 2022

Appel prolongé jusqu’au 15 janvier 2023

Retour aux auteur·rice·s : mars 2023

Les Assises de la recherche en cultures populaires et médiatiques 2018 visaient à constituer un événement scientifique centralisateur autour du thème commun « Approches critiques des fictions médiatiques : enjeux, outils, méthodes ». Réunissant une centaine d’intervenant·e·s issu·e·s de diverses disciplines, cet événement a permis de confronter les objets, les méthodes et les champs théoriques, confirmant le dynamisme des recherches en cultures populaires et médiatiques et contribuant à affirmer la place incontournable qu’elles occupent dans le paysage universitaire.  

Après ce premier état des lieux des recherches sur les cultures populaires et médiatiques, cette deuxième édition des Assises, qui se tiendra cinq ans plus tard, choisira cette fois de regarder vers l’avenir – le terme étant ici entendu dans un sens large. Ce terme fédérateur pourra être développé selon une variété d’axes de réflexion, parmi lesquels :

  • l’avenir institutionnel de l’étude de la culture populaire et des médias dans l’enseignement, dans le champ académique, etc. ;
  • les nouveaux courants et nouvelles méthodologies (écocritique, humanités numériques, recherche-création, matérialisme culturel, etc.) ;
  • nouvelles orientations des études culturelles et incidences sur le champ de recherche des CPM;
  • l’évolution de la notion du “populaire” dans ses conceptualisations et ses usages culturels;
  • l’étude de la transition numérique de la culture : convergence médiatique, transmédia storytelling, remédiatisation, plateformisation, post-média, etc. ;
  • les redéfinitions de la mémoire et de l’histoire culturelle ;
  • les défis et perspectives de l’histoire des médias et de l’archéologie des médias aujourd’hui ;
  • les nouveaux objets, les genres émergents, les nouvelles représentations des crises actuelles et de l’avenir ;
  • les déplacements des frontières du champ de la fiction (diffusion des pratiques de storytelling, narrations médiatiques non fictionnelles…) ;
  • plus largement, les redéfinitions et déplacements des concepts, méthodologies et périmètres disciplinaires induits par l’émergence de nouveaux objets ou pratiques médiatiques, au-delà du domaine de la fiction (ex : refonte du périmètre de l’esthétique au-delà du domaine de la production culturelle, extension de la narratologie et de la rhétorique à de nouveaux champs…).  

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Appels à contributions : Metal Music Studies (Journal)

Appels à contributions pour des numéros de Metal Music Studies 

Échéance des articles pour le numéro spécial ‘Fade to Black: Philosophy and Psychology Through Metallica’ : 31 janvier 2022

Échéances des propositions pour la section 2, “Is Metal a Subculture?” : 20 septembre 2022

This peer-reviewed journal provides a focus for research and theory in metal music studies, a multidisciplinary (and interdisciplinary) subject field that engages with a range of parent disciplines. It provides a platform for high-quality research and theory and aims to be a unique resource for metal music studies. It is the intellectual hub for the International Society of Metal Music Studies.

General Call for Papers

Metal Music Studies is explicitly multi-disciplinary and inter-disciplinary: embracing both musicological research and music theory about metal music, and social scientific and humanistic research about metal music as a genre. We are interested in original papers on metal music. We aim to receive contributions from researchers and theorists aligned with the subject field of metal music studies, but also researchers and theorists from other disciplines who feel that their interest in a form of popular music marginalizes them from the core debates in their discipline.

The journal consists of two sections: a main section for full papers; and a second section for shorter pieces, reflections and reviews.

We would be happy to receive contributions from scholars in the parent disciplines of music theory, musicology, aesthetics, music technology, performance, art, policy studies, politics, cultural studies, economics, pedagogy, sociology, linguistics, psychology, history, regional studies, theology, philosophy, and natural sciences. As well as new research and theory on metal music in all its forms, the journal will accept and commission shorter pieces from those involved in the metal music industry: journalists, label owners and other industry insiders, managers, musicians and fans.

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Appel à contributions : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment) (Université de Strasbourg)

Colloque : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment)

1 et 2 décembre 2022, Université de Strasbourg

Échéance des propositions : 1er juillet 2022

Organisé par Elsa Grassy (Université de Strasbourg, SEARCH) et Isabelle Marc (USIAS – UCM),  CREAA  et SEARCH

Comité scientifique : John Mullen, Christophe Pirenne

Choisie ou subie, la musique nous accompagne en continu, dans les évènements extraordinaires comme dans les pratiques les plus banales de notre existence. En ce sens, la recherche s’est intéressée aux usages de la musique dans la vie quotidienne, notamment en lien avec les technologies de reproduction sonore et avec les pratiques de socialisation (DeNora 2011, Kassabian, Boschi et García Quiñones 2013). Or, la critique, qu’elle soit académique ou journalistique, notamment en France, ne s’est penchée que très rarement sur les musiques majoritaires ou mainstream du point de vue de leurs enjeux esthétiques et sociaux (Pirenne 2021), reproduisant ainsi, au sein de l’étude des musiques « populaires » la hiérarchie esthétique ou axiologique qui existait entre musiques savantes et populaires. En effet, la plupart des travaux critiques portent sur les musiques considérées comme innovantes, porteuses d’un message subversif ou d’un capital subculturel ou faisant preuve d’une nouveauté « formelle » quelconque, relayant donc l’idéologie de la modernité au sens de progrès et de dépassement des formes « banales ». C’est ainsi que la majorité des musiques réellement écoutées, celles qui figurent en tête de classements de ventes ou de streaming, celles qui parlent à des millions d’êtres humains à travers le monde, sont à peine mentionnées par la critique. Elles sont, de fait, silencées, effacées du discours critique alors qu’elles dominent l’écoute.

Partant du constat que des musiques définies à l’origine par leur popularité et leur ancrage dans l’économie de marché sont sous-représentées dans les manifestations scientifiques, ces journées d’étude se proposent de considérer les musiques majoritaires précisément pour ce qui en fait le mainstream musical, du point de vue de l’esthétique et des représentations qui leur sont attachées. Nous chercherons donc en premier lieu à identifier et à décrire ces musiques dans leurs contextes culturels, à les analyser, dans leur banalité et leur complexité, et à en interroger les mécanismes de production, diffusion et réception spécifiques. Nous souhaitons également comprendre pourquoi ces musiques, et leurs publics, font l’objet d’un tel silence, voire d’un tel dénigrement, dans les discours académiques et non académiques, hormis quelques exceptions (Wilson 2014, Steinbrecher 2021). Pourquoi la force quantitative du populaire tend-elle à être discréditée comme indice du vulgaire, et la perception de l’ordinaire basculer vers la dénonciation de l’abject. 

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Marion Coste

Marion Coste est spécialiste des relations entre littérature et musique, dans des contextes français ou francophones. Elle s’intéresse en particulier au rap, proposant de comprendre ce genre comme une forme de « neolittérature » (Nachtergael) qui associe littérature, musique et images filmées. Elle travaille actuellement avec Cyril Vettorato et Hector Jenny sur le « flow », c’est-à-dire la façon dont les MC musicalisent leur façon de parler, et qui fait office de signature artistique : ils préparent ensemble un colloque sur ce thème qui se tiendra en novembre 2022.

Elle étudie particulièrement les œuvres de rappeuses françaises et francophones, ainsi que des rappeur.euse.s queer dans une perspective de genre et postcoloniale (Casey, Meryl, Shay, Moonaya, K T Gorique, Lala &ce, Nyoko Bokbaé, Illustre).

Parution : Living Metal. Metal Scenes around the World (dir. B. Bardine, J. Stueart)

Bryan Bardine et Jerome Stueart (dir.), Living Metal. Metal Scenes around the World, Intellect Books, 2022. 

This is the first study of its kind, focusing exclusively on scenes throughout the world; it makes an important contribution to metal studies.

Metal Scenes around the World is a collection of thirteen chapters that examine metal scenes from smaller communities like Dayton, Ohio in the USA, to entire countries, such as Estonia. The goal of the book is to expand the research on metal scenes.

This is the only book produced on metal scenes to date, and it will lead the way to more research in this new area of metal studies. The strongest element of the book is its international focus, with chapters from such diverse settings as post-apartheid South Africa, Graz, Nantes, Brazil and Turkey. The chapters are detailed, richly embedded in local histories and contexts, and provide important analyses of their respective scenes.

Foreword from Henkka Seppälä, former bassist with the Finnish metal band Children Of Bodom.

Primary readership will be composed of fans and scholars of metal music, and those in the fields of anthropology, musicology and history. The diversity of the chapters connects metal to other disciplines in the music field and the book is likely to have appeal more widely to anyone who likes music.

Bryan Bardine is associate professor of English at the University of Dayton, where he teaches courses in metal studies, composition, pedagogy, and American and Gothic literature.

Jerome Stueart is assistant professor of English (Creative Writing) at Thomas More University, and is a freelance writer, editor, and artist living in Northern Kentucky. His writing has been nominated for a number of awards, including the World Fantasy Award.

Appel à contributions : Musicaliser la langue : le flow et la voix dans le rap (Université Paris Cité )

Colloque international : Musicaliser la langue : le flow et la voix dans le rap 

18 et 19 novembre 2022, Université Paris Cité (Grands Moulins)

Échéance des propositions : 1er juin 2022

English below

Les MCs renvoient souvent à leurs propres performances vocales par le terme de « flow », qui désigne la façon dont elles ou ils articulent et font sonner la langue. Cette notion entrecroise des questions de rythme musical, de cadence prosodique, d’accentuation, de timbre et de hauteur vocale, autant que d’autorité et de subjectivation. Il s’y joue donc une association spécifique du verbal et du vocal qui, parce qu’elle ne s’embarrasse pas d’une correspondance clairement mesurable entre le langage musical et le langage verbal, permet des nuances et des effets subtils. Il nous semble que l’étude du flow permettrait de penser l’association musicale et verbale au sein de l’art de la ou du MC, à condition de nous donner les moyens de mobiliser des outils d’analyse aussi bien littéraires (thématiques, prosodiques) que musicaux, de rythme, de timbre ou de hauteur. C’est à une réflexion sur les outils d’analyse nécessaires à l’étude du flow que nous souhaitons nous consacrer, en évitant le double piège d’un réductionnisme technique et d’un impressionnisme métaphorique.

Une première piste serait d’abord d’écouter les discours des MC, souvent prolixes quant aux qualités de leur flow et/ou de leur voix, notamment dans les morceaux de type egotrip. Il s’agirait alors de comprendre quelles sont les caractéristiques sonores mises en évidence, et de se demander s’il apparaît là un système de valeurs esthétiques partagé. Très souvent, en contrepoint de « mon flow », il y a « leur flow », celui des rivaux et rivales, qui n’est pas à la hauteur, qui manque de souplesse ou d’originalité… Il pourrait également être intéressant de se tourner vers le monde des fans et autres « rap nerds » qui participent également, au fil de longues discussions sur des médiums variés (forums en ligne, chaînes youtube, podcasts), à la constitution d’un consensus toujours temporaire et partiel autour de ce qui fait un bon flow, de quel type de flow est « frais » ou au contraire totalement dépassé.

Une seconde piste de réflexion pourrait proposer des études de cas, et ce à deux échelles : celle de l’individu, dont le flow est la signature vocale, et celle du groupe défini de diverses manières (régional, générationnel, genré, par sous-genre rapologique). On peut se proposer d’analyser le flow d’un ou d’une rappeur.se. Il s’agirait peut-être, dans un premier temps, d’isoler les différents caractères du flow, c’est-à-dire de proposer des analyses rythmiques, qui confronteraient accents prosodiques et accents musicaux du beat ou s’attacherait à analyser les variations rythmiques du flow dans un même morceau (accélérations, ralentissements, ruptures), ou des analyses de voix, et notamment des variations de timbres ou hauteurs proposées par certain.es rappeur.ses. Ces différentes caractéristiques sonores pourraient être mises en relation avec les postures énonciatives variées. Ce travail associerait les méthodes mises au point par des musicologues depuis quelques années (Adams 2008, 2009, 2015, Condit-Schultz 2016, Duinker 2019-2020, Komaniecki 2017, 2020, Migliore 2020, Ohriner 2016, 2019) avec l’étude du contenu verbal et de l’ethos construit en discours.

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