Archives par mot-clé : musique / music studies

Appel à contributions : Assises CPM 2023

Assises de la recherche en cultures populaires et médiatiques, seconde édition – CPM 2023

Appel à contributions

Futurs POP – Quel(s) avenir(s) pour les études en cultures populaires et médiatiques ?

Dates : 12, 13 et 14 octobre 2023

Lieux : Nanterre et Paris

Échéance des propositions : 1er décembre 2022

Retour aux auteur·rice·s : mars 2023

Les Assises de la recherche en cultures populaires et médiatiques 2018 visaient à constituer un événement scientifique centralisateur autour du thème commun « Approches critiques des fictions médiatiques : enjeux, outils, méthodes ». Réunissant une centaine d’intervenant·e·s issu·e·s de diverses disciplines, cet événement a permis de confronter les objets, les méthodes et les champs théoriques, confirmant le dynamisme des recherches en cultures populaires et médiatiques et contribuant à affirmer la place incontournable qu’elles occupent dans le paysage universitaire.  

Après ce premier état des lieux des recherches sur les cultures populaires et médiatiques, cette deuxième édition des Assises, qui se tiendra cinq ans plus tard, choisira cette fois de regarder vers l’avenir – le terme étant ici entendu dans un sens large. Ce terme fédérateur pourra être développé selon une variété d’axes de réflexion, parmi lesquels :

  • l’avenir institutionnel de l’étude de la culture populaire et des médias dans l’enseignement, dans le champ académique, etc. ;
  • les nouveaux courants et nouvelles méthodologies (écocritique, humanités numériques, recherche-création, matérialisme culturel, etc.) ;
  • nouvelles orientations des études culturelles et incidences sur le champ de recherche des CPM;
  • l’évolution de la notion du “populaire” dans ses conceptualisations et ses usages culturels;
  • l’étude de la transition numérique de la culture : convergence médiatique, transmédia storytelling, remédiatisation, plateformisation, post-média, etc. ;
  • les redéfinitions de la mémoire et de l’histoire culturelle ;
  • les défis et perspectives de l’histoire des médias et de l’archéologie des médias aujourd’hui ;
  • les nouveaux objets, les genres émergents, les nouvelles représentations des crises actuelles et de l’avenir ;
  • les déplacements des frontières du champ de la fiction (diffusion des pratiques de storytelling, narrations médiatiques non fictionnelles…) ;
  • plus largement, les redéfinitions et déplacements des concepts, méthodologies et périmètres disciplinaires induits par l’émergence de nouveaux objets ou pratiques médiatiques, au-delà du domaine de la fiction (ex : refonte du périmètre de l’esthétique au-delà du domaine de la production culturelle, extension de la narratologie et de la rhétorique à de nouveaux champs…).  

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Appels à contributions : Metal Music Studies (Journal)

Appels à contributions pour des numéros de Metal Music Studies 

Échéance des articles pour le numéro spécial ‘Fade to Black: Philosophy and Psychology Through Metallica’ : 31 janvier 2022

Échéances des propositions pour la section 2, “Is Metal a Subculture?” : 20 septembre 2022

This peer-reviewed journal provides a focus for research and theory in metal music studies, a multidisciplinary (and interdisciplinary) subject field that engages with a range of parent disciplines. It provides a platform for high-quality research and theory and aims to be a unique resource for metal music studies. It is the intellectual hub for the International Society of Metal Music Studies.

General Call for Papers

Metal Music Studies is explicitly multi-disciplinary and inter-disciplinary: embracing both musicological research and music theory about metal music, and social scientific and humanistic research about metal music as a genre. We are interested in original papers on metal music. We aim to receive contributions from researchers and theorists aligned with the subject field of metal music studies, but also researchers and theorists from other disciplines who feel that their interest in a form of popular music marginalizes them from the core debates in their discipline.

The journal consists of two sections: a main section for full papers; and a second section for shorter pieces, reflections and reviews.

We would be happy to receive contributions from scholars in the parent disciplines of music theory, musicology, aesthetics, music technology, performance, art, policy studies, politics, cultural studies, economics, pedagogy, sociology, linguistics, psychology, history, regional studies, theology, philosophy, and natural sciences. As well as new research and theory on metal music in all its forms, the journal will accept and commission shorter pieces from those involved in the metal music industry: journalists, label owners and other industry insiders, managers, musicians and fans.

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Appel à contributions : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment) (Université de Strasbourg)

Colloque : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment)

1 et 2 décembre 2022, Université de Strasbourg

Échéance des propositions : 1er juillet 2022

Organisé par Elsa Grassy (Université de Strasbourg, SEARCH) et Isabelle Marc (USIAS – UCM),  CREAA  et SEARCH

Comité scientifique : John Mullen, Christophe Pirenne

Choisie ou subie, la musique nous accompagne en continu, dans les évènements extraordinaires comme dans les pratiques les plus banales de notre existence. En ce sens, la recherche s’est intéressée aux usages de la musique dans la vie quotidienne, notamment en lien avec les technologies de reproduction sonore et avec les pratiques de socialisation (DeNora 2011, Kassabian, Boschi et García Quiñones 2013). Or, la critique, qu’elle soit académique ou journalistique, notamment en France, ne s’est penchée que très rarement sur les musiques majoritaires ou mainstream du point de vue de leurs enjeux esthétiques et sociaux (Pirenne 2021), reproduisant ainsi, au sein de l’étude des musiques « populaires » la hiérarchie esthétique ou axiologique qui existait entre musiques savantes et populaires. En effet, la plupart des travaux critiques portent sur les musiques considérées comme innovantes, porteuses d’un message subversif ou d’un capital subculturel ou faisant preuve d’une nouveauté « formelle » quelconque, relayant donc l’idéologie de la modernité au sens de progrès et de dépassement des formes « banales ». C’est ainsi que la majorité des musiques réellement écoutées, celles qui figurent en tête de classements de ventes ou de streaming, celles qui parlent à des millions d’êtres humains à travers le monde, sont à peine mentionnées par la critique. Elles sont, de fait, silencées, effacées du discours critique alors qu’elles dominent l’écoute.

Partant du constat que des musiques définies à l’origine par leur popularité et leur ancrage dans l’économie de marché sont sous-représentées dans les manifestations scientifiques, ces journées d’étude se proposent de considérer les musiques majoritaires précisément pour ce qui en fait le mainstream musical, du point de vue de l’esthétique et des représentations qui leur sont attachées. Nous chercherons donc en premier lieu à identifier et à décrire ces musiques dans leurs contextes culturels, à les analyser, dans leur banalité et leur complexité, et à en interroger les mécanismes de production, diffusion et réception spécifiques. Nous souhaitons également comprendre pourquoi ces musiques, et leurs publics, font l’objet d’un tel silence, voire d’un tel dénigrement, dans les discours académiques et non académiques, hormis quelques exceptions (Wilson 2014, Steinbrecher 2021). Pourquoi la force quantitative du populaire tend-elle à être discréditée comme indice du vulgaire, et la perception de l’ordinaire basculer vers la dénonciation de l’abject. 

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Marion Coste

Marion Coste est spécialiste des relations entre littérature et musique, dans des contextes français ou francophones. Elle s’intéresse en particulier au rap, proposant de comprendre ce genre comme une forme de « neolittérature » (Nachtergael) qui associe littérature, musique et images filmées. Elle travaille actuellement avec Cyril Vettorato et Hector Jenny sur le « flow », c’est-à-dire la façon dont les MC musicalisent leur façon de parler, et qui fait office de signature artistique : ils préparent ensemble un colloque sur ce thème qui se tiendra en novembre 2022.

Elle étudie particulièrement les œuvres de rappeuses françaises et francophones, ainsi que des rappeur.euse.s queer dans une perspective de genre et postcoloniale (Casey, Meryl, Shay, Moonaya, K T Gorique, Lala &ce, Nyoko Bokbaé, Illustre).

Parution : Living Metal. Metal Scenes around the World (dir. B. Bardine, J. Stueart)

Bryan Bardine et Jerome Stueart (dir.), Living Metal. Metal Scenes around the World, Intellect Books, 2022. 

This is the first study of its kind, focusing exclusively on scenes throughout the world; it makes an important contribution to metal studies.

Metal Scenes around the World is a collection of thirteen chapters that examine metal scenes from smaller communities like Dayton, Ohio in the USA, to entire countries, such as Estonia. The goal of the book is to expand the research on metal scenes.

This is the only book produced on metal scenes to date, and it will lead the way to more research in this new area of metal studies. The strongest element of the book is its international focus, with chapters from such diverse settings as post-apartheid South Africa, Graz, Nantes, Brazil and Turkey. The chapters are detailed, richly embedded in local histories and contexts, and provide important analyses of their respective scenes.

Foreword from Henkka Seppälä, former bassist with the Finnish metal band Children Of Bodom.

Primary readership will be composed of fans and scholars of metal music, and those in the fields of anthropology, musicology and history. The diversity of the chapters connects metal to other disciplines in the music field and the book is likely to have appeal more widely to anyone who likes music.

Bryan Bardine is associate professor of English at the University of Dayton, where he teaches courses in metal studies, composition, pedagogy, and American and Gothic literature.

Jerome Stueart is assistant professor of English (Creative Writing) at Thomas More University, and is a freelance writer, editor, and artist living in Northern Kentucky. His writing has been nominated for a number of awards, including the World Fantasy Award.

Appel à contributions : Musicaliser la langue : le flow et la voix dans le rap (Université Paris Cité )

Colloque international : Musicaliser la langue : le flow et la voix dans le rap 

18 et 19 novembre 2022, Université Paris Cité (Grands Moulins)

Échéance des propositions : 1er juin 2022

English below

Les MCs renvoient souvent à leurs propres performances vocales par le terme de « flow », qui désigne la façon dont elles ou ils articulent et font sonner la langue. Cette notion entrecroise des questions de rythme musical, de cadence prosodique, d’accentuation, de timbre et de hauteur vocale, autant que d’autorité et de subjectivation. Il s’y joue donc une association spécifique du verbal et du vocal qui, parce qu’elle ne s’embarrasse pas d’une correspondance clairement mesurable entre le langage musical et le langage verbal, permet des nuances et des effets subtils. Il nous semble que l’étude du flow permettrait de penser l’association musicale et verbale au sein de l’art de la ou du MC, à condition de nous donner les moyens de mobiliser des outils d’analyse aussi bien littéraires (thématiques, prosodiques) que musicaux, de rythme, de timbre ou de hauteur. C’est à une réflexion sur les outils d’analyse nécessaires à l’étude du flow que nous souhaitons nous consacrer, en évitant le double piège d’un réductionnisme technique et d’un impressionnisme métaphorique.

Une première piste serait d’abord d’écouter les discours des MC, souvent prolixes quant aux qualités de leur flow et/ou de leur voix, notamment dans les morceaux de type egotrip. Il s’agirait alors de comprendre quelles sont les caractéristiques sonores mises en évidence, et de se demander s’il apparaît là un système de valeurs esthétiques partagé. Très souvent, en contrepoint de « mon flow », il y a « leur flow », celui des rivaux et rivales, qui n’est pas à la hauteur, qui manque de souplesse ou d’originalité… Il pourrait également être intéressant de se tourner vers le monde des fans et autres « rap nerds » qui participent également, au fil de longues discussions sur des médiums variés (forums en ligne, chaînes youtube, podcasts), à la constitution d’un consensus toujours temporaire et partiel autour de ce qui fait un bon flow, de quel type de flow est « frais » ou au contraire totalement dépassé.

Une seconde piste de réflexion pourrait proposer des études de cas, et ce à deux échelles : celle de l’individu, dont le flow est la signature vocale, et celle du groupe défini de diverses manières (régional, générationnel, genré, par sous-genre rapologique). On peut se proposer d’analyser le flow d’un ou d’une rappeur.se. Il s’agirait peut-être, dans un premier temps, d’isoler les différents caractères du flow, c’est-à-dire de proposer des analyses rythmiques, qui confronteraient accents prosodiques et accents musicaux du beat ou s’attacherait à analyser les variations rythmiques du flow dans un même morceau (accélérations, ralentissements, ruptures), ou des analyses de voix, et notamment des variations de timbres ou hauteurs proposées par certain.es rappeur.ses. Ces différentes caractéristiques sonores pourraient être mises en relation avec les postures énonciatives variées. Ce travail associerait les méthodes mises au point par des musicologues depuis quelques années (Adams 2008, 2009, 2015, Condit-Schultz 2016, Duinker 2019-2020, Komaniecki 2017, 2020, Migliore 2020, Ohriner 2016, 2019) avec l’étude du contenu verbal et de l’ethos construit en discours.

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Colloque : 4e Biennale internationale d’études sur la chanson. Dramaturgies de la chanson (Aix-en-Provence, France & Innsbruck, Autriche)

4e Biennale internationale d’études sur la chanson : Dramaturgies de la chanson 

Avril-mai 2023, Aix-en-Provence, France & Innsbruck, Autriche

Échéance des propositions : 1er juin 2022

Réseau de recherche Les Ondes du monde

 En tant que fiction en miniature, la chanson circonscrit un espace qui peut être lyrique (un moi qui s’exprime poétiquement), narratif (une histoire qui se raconte et évolue), mais aussi dramaturgique : des personnages, des tensions, des résolutions, quelquefois du dialogue et parfois même plusieurs voix qui se répondent, quand bien même il n’y aurait qu’un seul interprète. Dans sa configuration habituelle de pièce brève, le plus souvent organisée autour d’un refrain qui ponctue et sépare les actions du ou des personnages, une chanson pourrait relever de la même dramaturgie que le théâtre, impliquant à la faveur de son temps compté l’implacable métronomie d’une échéance et d’un plaisir, tous deux à satisfaire. D’autant qu’elle est, comme lui, un art performanciel : non seulement en ce qu’elle entretient des liens étroits avec la scène, la représentation et le spectacle, mais aussi dans sa constitution communicative organisée à la fois en double énonciation (les paroles énoncées par les personnages sont aussi celles de l’interprète) et en double destination (l’interprète s’adressant aux auditeurs/spectateurs à travers les personnages qui, en plus, s’adressent les uns aux autres). 

L’auditeur/spectateur en reçoit le déroulé comme la mise en scène d’une situation de crise. Quelque chose s’est passé avant que ne soit entamé le texte de chanson dont la profération est déjà la conséquence. Plongé in medias res, le public doit au plus vite saisir, capter, deviner les circonstances du drame, pendant que l’action déjà se joue et avance vers l’inexorable finale, au bout d’une courte durée qui dépasse rarement les trois minutes. De surcroît, pour dramatiser l’énergie que porte le texte, l’artiste utilise à plein les autres médias : la musique et ses arrangements, la voix et ses silences, à quoi s’ajoutent des codes spécifiquement “théâtraux” (Fischer-Lichte) dans le cas d’une représentation en direct, comme la mimique, le geste et le mouvement sur scène, l’interaction avec le public, le masque, la coiffure et les costumes, la lumière et les accessoires de l’espace scénique. C’est ce potentiel dramatique que la 4e Biennale internationale d’études sur la chanson se propose d’approfondir.

En parlant des dramaturgies de la chanson, nous visons d’abord les chansons qui adoptent une forme dialogale : les duos par excellence, mais aussi les scènes théâtralisées comme Non, je n’ai rien oublié d’Aznavour ou Formidable de Stromae. On pourrait également penser à des chansons qui jouent avec la mise en voix et la kinésique sur scène en recourant à l’esthétique du sketch, du music-hall ou même de la fête foraine et du cirque (la macchietta napoletana ou les spectacles de Dario Fo n’en seraient que deux exemples). Par ailleurs, la chanson appartient à des structures artistiques performancielles plus larges qui articulent leurs épisodes autour d’elle : la comédie musicale bien sûr, mais également le théâtre musical. N’oublions pas également l’emploi récurrent qu’en fait le cinéma depuis ses origines et pas seulement en guise de générique : qu’elle soit synchrone ou hors champ, la chanson est régulièrement convoquée par le 7e art dans la fonction d’une mise en abyme dramatique, d’un reflet concentré de ce qui s’est déroulé ou va se dérouler. En ce sens, la « chanson dans le cinéma » est à rapprocher du « théâtre dans le théâtre ». Enfin, le scopitone puis le vidéo-clip associent définitivement la chanson et l’image, créant de nouvelles mises en scène pour la chanson filmée.

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Colloque : “Punk is not dead” Une histoire de la scène punk en France (1976-2016) (BnF / Issy-Les-Moulineaux)

Colloque : “Punk is not dead” Une histoire de la scène punk en France (1976-2016)

9 h 30 – 18 h, BnF, François-Mitterrand, Petit auditorium
 
12 mars 2022, Réacteur, Issy-les-Moulineaux
 

À l’occasion de l’entrée des archives du groupe punk Bérurier noir à la BnF, un colloque revient sur un pan majeur de la contre-culture musicale incarnée par les Bérus à partir du début des années 1980.

Fanfan et Masto, deux membres du mythique groupe de rock alternatif Bérurier noir, ont fait récemment don de leurs archives à la BnF. Leurs manuscrits musicaux, affiches, brouillons, carnets de notes, correspondance, enregistrements sonore, agendas et articles de presse ont ainsi rejoint les collections du département de la Musique. Pour célébrer l’entrée de ce fonds, PIND et la BnF organisent un colloque, les 11 et 12 mars 2022, qui illustre tout un pan de l’histoire du rock alternatif en France.

Programme de la journée du 11 mars à la BnF

11 mars

10 h – 10 h 30 : Ouverture officielle du colloque

10 h 30 – 12 h 30 : Les Bérus, une question de génération ?
Les Bérus, comment ai-je pu passer à côté ? – Par Laurent Grün
Les Bérus en Normandie (1985-1987) : regards croisés – Par Christophe Pécout 
Ma rage n’est pas perdue : être lycéen au temps des Bérus – Par Sylvain Boulouque 
Itinéraires : écouter les Bérus, trouver sa « raïa » et devenir punk dans les années 2000 – Par Coralie Douat  

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Appel à contributions : Évolutions et situations de la chanson au XIXe s. (revue Romantisme)

Romantisme« Évolutions et situations de la chanson au XIXe siècle », 2023

Échéance des propositions : 30 avril 2022

« La chanson » est souvent présentée par commodité comme une entité stable et spécifique, qui se distinguerait de ce qui n’est pas elle avec la force de l’évidence. Cependant cette stabilité et cette autonomie sont des effets de discours, et la pluralité que recouvre le singulier est évidente. 
Chanson populaire, chanson nationale, chanson républicaine, chanson sociale, chanson réaliste, chansonnette, chanson de café-concert, chanson comique troupier, chanson des rues, chanson de revue, romance, mélodie, hymne, chanson poétique, vaudeville… : toutes ces sous-catégories (dont certaines sont sans doute plutôt des catégories parallèles) font apparaître simultanément la mobilité et les évolutions de la chanson au xixe siècle et les relations entretenues par la chanson avec d’autres genres ou d’autres arts qui en constituent à la fois les limites et les extensions virtuelles.

Dans les discours critiques d’époque, le consensus touchant la profusion des chansons au xixe siècle se fonde souvent sur la seule prise en compte d’un critère formel très élémentaire – des paroles chantées ou destinées à l’être – et laisse de côté la variété des fonctions, des sources, des supports, des acteurs, des lieux, des genres qui affectent la pratique chansonnière. Pourtant, des chansons anciennes et anonymes recueillies par Nerval, par le comité Fortoul, par Weckerlin ou par divers enquêteurs dans les provinces de France, aux chansons composées pendant le siècle, les œuvres mises en jeu ressortissent à des traditions radicalement différentes. Cette hétérogénéité fondamentale est encore accrue par la diversité existant au sein des productions contemporaines elles-mêmes et que présuppose Nisard, en 1863, derrière les deux métaphores de la « muse pariétaire » et de la « muse foraine » :

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Jason Julliot (Université de Rouen / Université de Liège)

Professeur agrégé de musique et membre du groupe de recherche ELMEC, Jason Julliot prépare actuellement une thèse de musicologie sous contrat à l’université de Rouen (CÉRÉdI) et à l’université de Liège (HISTAR). Après avoir travaillé plusieurs années sur le metal symphonique, ses recherches portent sur les influences croisées de la musique de film hollywoodienne et du heavy metal, de la fin des années 1970 à nos jours.

En parallèle, il poursuit sa formation au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans les classes d’analyse, d’esthétique et d’histoire de la musique.

Site internet : https://jasonjulliot.fr