Actors, Singers and Celebrity Cultures
12 au 14 juin 2025
University of Surrey, Guildford
Échéance des propositions : 28 février 2025
Organisé par Barbara Gentili, Theatrical Voice Research Centre
Continuer la lecture de Appel à contributions : Actors, Singers and Celebrity Cultures
13 décembre 2024
Maison de la recherche de Neuville-sur-Oise, 1 rue Descartes,
95000 Neuville-sur-Oise
Organisé par Francesca Aiuti (université de Rome), Sylvie Brodziak (CY Cergy Paris Université), Marion Coste (CY Cergy Paris Université)
L’association de la musique et de la littérature dans les arts d’Afrique et des diasporas africaines n’est plus à démontrer : outre les écrivains qui affirment l’importance de la musique dans leur écriture, à l’instar de Léonora Miano, Koffi Kwahulé ou Daniel Maximin, outre la prégnance des personnages de musiciens ou de mélomanes, dans Mirage de Paris d’Ousmane Socé, Le Lys et le Flamboyant d’Henri Lopès ou La Polka de Kossi Efoui, force est de constater que les genres musicaux de l’Atlantique noir[1] entremêlent littérature et musique. Il est remarquable que la musique, telle qu’elle est présentée en littérature ou telle qu’elle s’autodéfinit dans le rap, apparaît souvent comme un moyen de renforcer, voire de fonder, les liens communautaires.
Pourtant, Paul Gilroy a montré que la musique, telle qu’elle se construit dans l’Atlantique noir, est fondamentalement ouvertes à des influences multiples : il démontre, exemples issus du reggae, de la funk, du jazz ou du rap à l’appui, que les genres musicaux circulent et s’enrichissent au contact des cultures diverses de l’Atlantique noir. Loin d’être un repli sur des traditions entérinées, la musique est toujours ouverture, et enrichissement par le contact avec l’Autre. En littérature, la musique permet souvent de traduire la rencontre des cultures et leur dialogue harmonieux
Pour résoudre ce paradoxe, ce colloque vise à étudier la musique de l’Atlantique noir et les références musicales de la littérature de l’Afrique et de ses diasporas à l’aune du concept de “commun”, compris comme un ensemble de pratiques instituantes et d’institutions constituées répondant au principe selon lequel un groupe plus ou moins étendu s’engage dans une activité collective productrice de biens tangibles ou intangibles mis à la disposition des commoners ou d’une collectivité plus large, selon des règles démocratiques d’auto-organisation[2]. Continuer la lecture de Journée d’étude : Des communautés aux communs : musiques et littératures de l’Afrique et de ses diasporas
Cécile Carayol et Chloé Huvet (dirs.), Errances et angoisses du troisième type : à l’écoute des bandes-son de science-fiction, Le visage vert, 2024.
Si, dans l’espace, personne ne nous entend crier, selon la célèbre accroche du film Alien réalisé par Ridley Scott en 1979, les films de science-fiction sont loin d’être silencieux. Le présent volume se propose ainsi d’explorer la création musicale et sonore dans les productions audiovisuelles de science-fiction — films, séries télévisées, jeux vidéo — selon un vaste empan chronologique. Des spécialistes de différentes disciplines (musicologues, chercheurs en cinéma, praticiens du cinéma et compositeurs) y exposent leurs réflexions autour d’une thématique majeure du genre : la solitude et l’errance de l’être humain confronté à des forces supérieures, qu’il s’agisse d’entités organiques (Alien), de machines (Le Monde tremblera, Mortal Engines), de machinations gouvernementales (Fahrenheit 451, Snowpiercer), ou des profondeurs du cosmos et de l’inconscient (Ad Astra). Continuer la lecture de Parution : Errance et angoisses du troisième type : à l’écoute des bandes-son de science-fiction
Enregistrer les musiques populaires
23e colloque international de l’IASPM (International Association for the Study of Popular Music)
7 au 11 juillet 2025
Université Sorbonne Nouvelle, Campus Nation, 8 avenue de Saint-Mandé, Paris 12e
Échéance des propositions : 30 octobre 2024
Organisé par Catherine Rudent (porteuse), Marion Brachet, Romain Garbaye, Gérôme Guibert, Emmanuel Parent, Cécile Verschaeve, via l’Université Sorbonne Nouvelle et l’IASPM-bfE
L’enregistrement a joué un rôle central lors de la constitution du champ de recherche sur les musiques populaires dans les années 1970-1980 : à cette période de mise en place des popular music studies, le statut spécifique de l’enregistrement permettait de distinguer trois pôles, celui des musiques populaires – ou popular music -, des musiques savantes – ou art music – et des musiques traditionnelles ou folk music.
L’enregistrement a également été pensé en tant que symptôme et variable dans le développement du commerce de la musique. Devenue un bien reproductible, la musique évolue dans des directions nouvelles quand, vers le milieu du xxe siècle, le disque devient le support principal de l’industrie musicale. Dans le même mouvement, l’enregistrement inscrit la musique dans un contexte médiatique de large diffusion incluant la radio, le cinéma, plus tard la télévision, puis Internet. À l’heure de la plateformisation des musiques populaires, les droits musicaux et la constitution de catalogues deviennent un enjeu majeur pour les industries culturelles et les acteurs économiques du numérique.
Le support enregistré, comme bien reproductible, devient aussi un bien conservable, archivable, et restaurable (réédition) au gré des changements de support. À des aspects marchands – renouveler l’équipement des ménages, vendre des éditions augmentées, des alternate takes, etc. – s’ajoute une dimension créative : l’enregistrement peut être support de création (platinisme, djing, échantillonnage), ainsi qu’une dimension patrimoniale – l’enregistrement comme trace ou trésor du passé – les diggers pouvant apparaître à la jonction de ces deux dimensions. Continuer la lecture de Rappel : Appel à contributions : Enregistrer les musiques populaires
Parler entre les lignes. Téléphones, voix et affect à l’écran
Émergences. Son, musique et médias audiovisuels
Échéance des propositions : 30 septembre 2024
Date prévue de parution : Septembre 2025
Dirigé par James Deaville (Carleton University) et Michael Baumgartner (Cleaveland State University)
Depuis l’époque du cinéma muet, le téléphone et ses extensions/alternatives (répondeurs, ordinateurs portables, etc.) ont servi de principale technologie de communication entre des personnages présents et non présents dans le cinéma et la télévision (Pustay 2007 ; Ruston 2008). Dans certains genres, notamment le film noir, le thriller, le film de détective et l’horreur (mais aussi le drame), l’appel téléphonique est utilisé comme point de bascule de la narration cinématographique (par exemple, Raccrochez, c’est une erreur !, Le Crime était presque parfait, ou Scream, ou les gialli italiens des années 1960-1970). De tels moments de téléphonie impliquent la vocalité humaine pour l’émetteur/récepteur par le biais d’un dispositif qui apparaît à la fois comme un objet matériel et une technologie intermédiaire (Varade 2021). Comme Jones Very l’avait observé de manière prémonitoire en 1877, « la voix humaine parle à travers le câble électrique » (Very 1886, 519). Continuer la lecture de Appel à contributions : Parler entre les lignes. Téléphones, voix et affect à l’écran
Enregistrer les musiques populaires
23e colloque international de l’IASPM (International Association for the Study of Popular Music)
7 au 11 juillet 2025
Université Sorbonne Nouvelle, Campus Nation, 8 avenue de Saint-Mandé, Paris 12e
Échéance des propositions : 15 octobre 2024
Organisé par Catherine Rudent (porteuse), Marion Brachet, Romain Garbaye, Gérôme Guibert, Emmanuel Parent, Cécile Verschaeve, via l’Université Sorbonne Nouvelle et l’IASPM-bfE
L’enregistrement a joué un rôle central lors de la constitution du champ de recherche sur les musiques populaires dans les années 1970-1980 : à cette période de mise en place des popular music studies, le statut spécifique de l’enregistrement permettait de distinguer trois pôles, celui des musiques populaires – ou popular music -, des musiques savantes – ou art music – et des musiques traditionnelles ou folk music.
L’enregistrement a également été pensé en tant que symptôme et variable dans le développement du commerce de la musique. Devenue un bien reproductible, la musique évolue dans des directions nouvelles quand, vers le milieu du xxe siècle, le disque devient le support principal de l’industrie musicale. Dans le même mouvement, l’enregistrement inscrit la musique dans un contexte médiatique de large diffusion incluant la radio, le cinéma, plus tard la télévision, puis Internet. À l’heure de la plateformisation des musiques populaires, les droits musicaux et la constitution de catalogues deviennent un enjeu majeur pour les industries culturelles et les acteurs économiques du numérique.
Le support enregistré, comme bien reproductible, devient aussi un bien conservable, archivable, et restaurable (réédition) au gré des changements de support. À des aspects marchands – renouveler l’équipement des ménages, vendre des éditions augmentées, des alternate takes, etc. – s’ajoute une dimension créative : l’enregistrement peut être support de création (platinisme, djing, échantillonnage), ainsi qu’une dimension patrimoniale – l’enregistrement comme trace ou trésor du passé – les diggers pouvant apparaître à la jonction de ces deux dimensions.
Logiquement, l’analyse des enregistrements comme « textes » des musiques populaires a été une des grandes orientations de recherches des quarante dernières années. Or ce type d’analyse, applicable à toutes les musiques enregistrées, a aussi l’avantage de remettre en question les barrières entre méta-genres musicaux et d’assouplir les catégories à travers lesquelles la musique est pensée, parfois de manière trop rigide.
Le champ de recherche sur la production musicale et les techniques de studio s’est lui aussi considérablement développé au fil des dernières décennies. La littérature scientifique souligne ainsi depuis longtemps l’importance du studio d’enregistrement comme outil technique et artistique – le studio instrument de musique -, lieu d’interactions, point focal économique, au carrefour du pratique, du technique, de l’esthétique et du social, avec des caractéristiques très particulières en termes d’espace et de temporalité. Il est également le lieu de certains rapports de production mouvants, entre musicien.ne.s et intermédiaires de la production, dont le statut évolue tout au long de son histoire. Plus récemment, la démocratisation du home studio depuis les années 1980 a ouvert encore de nouvelles perspectives sociales et économiques. Elle implique des révolutions également sur le plan créatif : continuum composition-interprétation-production, place centrale de l’enregistrement, remise en cause du statut de l’auteur.trice / de l’interprète…
Mais les questions soulevées par l’enregistrement des musiques populaires se renouvellent et s’enrichissent depuis quelques années selon d’autres perspectives, plus contemporaines. Parmi elles, les études postcoloniales : comment enregistre-t-on la musique dans le monde ? Les études de genre : comment les pratiques de l’enregistrement reflètent-elles ou font-elles bouger les lignes en matière de relations de pouvoir et de stéréotypes de genres ? Les questionnements écologiques se posent aussi dans ce champ, à travers l’empreinte environnementale de la musique enregistrée, que ce soit sur support physique ou au format numérique.
Par ailleurs, les années récentes ont réactivé la curiosité scientifique pour le concert et le live, comme situation musicale centrale, différente de l’enregistrement : différente à quel point ? On considère le plus souvent que la notion de live n’existe que parce que l’enregistré domine, et que le concept de liveness se développe seulement par rapport à l’enregistré, qui est aussi du médiatisé. Du point de vue esthétique et ontologique, le continuum entre live et enregistré renvoie à la fluidité de l’enregistrement utilisé comme matériau de composition, dans les pratiques live. Les exemples vont du hip-hop et du trip-hop à de nombreuses musiques électroniques, et au-delà : quel est, dès aujourd’hui, le rôle de l’informatique, de l’intelligence artificielle, de la production automatique d’enregistrements, en concert et sur disque, et comment évolueront les pratiques à l’avenir ?
Le renouveau de la recherche sur le live est parallèle à la réémergence du concert comme nœud de l’économie musicale – alors que dans la seconde partie du xxe siècle, le live était presque simplement une promotion de l’enregistré et ne faisait pas couler beaucoup d’encre dans les milieux académiques. On peut dès lors supposer que l’intérêt actuel pour le live vient de la crise des ventes de musiques enregistrées des quinze premières années du xxie siècle. Mais plus récemment, avec la crise sanitaire de 2019-2022, une réalité mondialement partagée, l’impossibilité de monter sur scène, ou d’aller au concert, venait bousculer les habitudes dans le domaine de la musique live et, là aussi, initier de nouvelles réflexions et recherches sur la bipolarité live / enregistré.
Autre aspect, parmi les plus importants : au-delà de l’enregistrement comme processus relevant du studio ou de divers équipements techniques, le colloque invite à considérer de manière mondiale et culturelle le fait d’enregistrer les musiques populaires. Enregistrer, c’est garder des traces, des pistes (tracks), qui peuvent aussi se comprendre en un sens large, anthropologique : comment sont-elles conservées ? Comment sont-elles aussi parfois effacées ? Comment la diversité socio-culturelle « s’enregistre » ou non dans les musiques populaires, selon une opposition entre on track et off track ? Quel est le rôle du field recording dans ce processus ? Quelles logiques président à ces invisibilisations ou à ces conservations, rendant certains genres ou répertoires plus audibles et présents que d’autres ? Comment l’enregistrement des musiques participe-t-il de leur sémantisation, de leur représentation, de la configuration des genres musicaux, du jeu d’instauration de leur valeur, esthétique, économique, politique, culturelle, sociale ?
La différence entre les genres musicaux se retrouve dans leur rapport à l’enregistrement. Ici affleure la tension perpétuellement créée dans les musiques populaires par la notion d’authenticité, diverse selon les genres de musiques populaires, et souvent active dans le rapport à l’enregistrement et au live. Les valeurs associées à l’effet live dans l’enregistrement ne se posent donc pas de la même manière dans tous les genres, et cela a un impact sur les techniques d’enregistrement, sur les diverses illusions que ces dernières sont chargées, ou non, de créer, quand elles veulent faire oublier que l’enregistrement est toujours un artefact.
C’est alors aussi la réception et l’écoute des enregistrements qui est en jeu : quel jugement les communautés – les publics mais aussi les critiques et autres professionnel.le.s – portent-elles sur les musiques enregistrées ? Selon quels critères ? Les techniques d’enregistrement ont d’ailleurs fait évoluer à leur tour les goûts, les sensibilités, les modes et les habitudes d’écoute. Dans une logique de « discomorphose » des pratiques musicales, l’accoutumance de l’oreille aux sons travaillés en studio a fait grandir, par exemple, l’attention au timbre. L’écoute a évolué avec les usages et comportements permis par la musique enregistrée et par ses différents formats, centraux dans les musiques populaires. Cela rejoint aussi les interrogations récentes portées par les sound studies et l’archéologie des médias en matière de soundscape, d’archives sonores, de patrimoines musicaux et de son, au-delà de la musique.
Le colloque biennal de l’IASPM 2025 ouvre ces questionnements à tous les genres musicaux populaires, dans une pluridisciplinarité caractéristique des popular music studies : anthropologie, économie, sociologie, esthétique, musicologie, histoire, approches politiques, études techniques, etc. La liste n’est pas close et l’intention est aussi de favoriser les croisements entre toutes les entrées possibles sur le sujet. Les propositions pourront s’inscrire dans les axes suivants, sans exclure d’autres directions, si elles correspondent à la thématique du colloque :
Comité d’organisation
Catherine Rudent (porteuse), Marion Brachet, Romain Garbaye, Gérôme Guibert, Emmanuel Parent, Cécile Verschaeve
Comité scientifique
Président : Christophe Pirenne
Mike Alleyne, Alessandro Arbo, Samantha Bennett, Ragnhild Brøvig, Lori Burns, Céline Chabot-Canet, Meng Tze Chu, Martha de Ulhoa, Oded Erez, Franco Fabbri, Kirsty Fairclough, Patryk Galuszka, Elsa Grassy, Line Grenier, Catherine Guesde, Laura Jordan Gonzalez, Olivier Julien, Serge Lacasse, Amparo Lasen, Buata Malela, Isabelle Marc, Julio Mendivil, Sue Miller, William Moylan, Bodo Mrozek, Benoît Navarret, Richard Osborne, Sergio Pisfil, Laurent Pottier, Cécile Prévost-Thomas, Catherine Provenzano, Oliver Seibt, Veronica Skrimsjö, Catherine Strong, Eric Weisbard, Justin Williams, Masahiro Yasuda
Comité de pilotage
Baptiste Bacot, Sarah Benhaïm, Rémi Boivin, Marion Brachet, Claude Chastagner, Salomé Coq, Marianne Di Benedetto, Iulia Dima, Stephane Escoubet, Claire Fraysse, Romain Garbaye, Vincent Granata, Elsa Grassy, Catherine Guesde, Gérôme Guibert, Guillaume Heuguet, Jason Julliot, Marc Kaiser, Sébastien Lebray, Barbara Lebrun, Sangheon Lee, Julie Mansion-Vaquié, Guillaume Mouleux, John Mullen, Emmanuel Parent, Christophe Pirenne, Laurent Pottier, Jean-Christophe Sevin, Jedediah Sklower, Florence Tamagne, Cécile Verschaeve
Soumission
Les propositions de communication seront en français ou en anglais, d’une longueur de 250 à 300 mots. Elles seront suivies de quelques références bibliographiques, et/ou une indication des sources si pertinent. Elles préciseront dans lesquels des axes elles s’inscrivent (dans la limite de trois), incluront une courte bio-bibliographie de l’auteur.rice ainsi que sa branche IASPM d’appartenance.
La proposition est à déposer sur cette page : https://iaspm-paris2025.sciencesconf.org/submission/submit
La date limite d’envoi des propositions est le 15 octobre 2024.
Chaque participant.e devra être adhérent.e d’une branche ou de l’IASPM international au moment du colloque : www.iaspm.net/how-to-join / https://iaspmbfe.wordpress.com/adherer/
Les communications individuelles dureront 20 minutes, et seront suivies par 10 minutes de discussion.
Le colloque diffusera certaines sessions en ligne. Mais la participation à distance ne sera pas possible.
Les propositions sous forme de panel sont les bienvenues (sessions d’une heure et demie comprenant trois communications, ou deux communications et un.e discutant.e). Chaque panel doit comprendre au moins 30 minutes pour la discussion ou pour les commentaires par un.e discutant.e. L’organisateur.rice du panel devra soumettre le résumé de la session ainsi que tous les résumés individuels de communications (entre 200 et 350 mots chacun) en une seule soumission, avec une liste complète des noms des participant.e.s, leur biographie et leur branche IASPM d’appartenance.
Page web du colloque : http://www.univ-paris3.fr/iaspmparis2025
Contact du comité d’organisation : iaspmparis2025@sorbonne-nouvelle.fr
Sylvie Brodziak et Marion Coste (dirs), Littératures francophones et musiques de l’Atlantique noir, Presses Universitaires de Vincennes, « Littérature Hors Frontière », 2024.
Lire avec les oreilles et les pieds, tel est le défi relevé par Littératures francophones et musiques de l’Atlantique noir qui analyse les formes et les rythmes d’écritures artistiques issues de l’expérience commune de la domination occidentale.
Ancrés dans l’oralité, les écrits de cet espace océanique se nourrissent de la musique dans son ardente diversité : jazz, biguine, reggae, funk, soul, blues, rumba, rap puisent dans l’histoire et les mémoires de la colonisation et de l’esclavage pour faire chanter et danser la langue. A partir d’un corpus classique et contemporain, allant de Batouala de René Maran à l’Afrotrap, les chercheuses et les chercheurs analysent formes et rythmes, et font des littératures francophones un art vivant.
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Colloque international : Féminités et musiques à l’écran. Création, représentations et identités.
Lundi 25 et mardi 26 novembre 2024
Université de Tours
Échéance des propositions : 15 avril 2024
Organisé par Jérémy Michot (Unité de recherche interdisciplinaire Interactions Culturelles et Discursives (ICD) – EA 6297) et Chloé Huvet (EHESS – Centre Maurice Halbwachs)
En juin 2022, Cécile Lacoue présente à Rochefort les résultats d’une enquête intitulée La place des femmes dans l’audiovisuel et le cinéma : vers plus d’égalité ? commandée par le CNC[1]. Largement diffusées et commentées par les sites internet spécialisés dans l’industrie cinématographique[2] ou parmi des collectifs et associations[3], les conclusions générales de ce rapport montrent que la part de femmes dans les différents secteurs des champs audiovisuels et cinématographiques demeure « plus faible dans les entreprise de production et postproduction[4] » (entre 31,7 % et 38,8 %), même si une parité générale semble atteinte. Le volet « Éclairage sur la musique à l’image » du rapport est toutefois bien moins positif : on compte seulement 6,7 % de femmes compositrices dans l’ensemble des projets soutenus par le CNC entre 2012 et 2021[5] – le coût moyen de fabrication des musiques composées par des femmes, précise-t-on, est inférieur de 3,3 % à celles composées par des hommes. Cette étude, menée sur le territoire français, « se vérifie à l’échelle européenne : 9 % de femmes parmi les compositeurs de musiques de films entre 2016 et 2020[6] », conclut Cécile Lacoue. Par ailleurs, la SACEM recense 11 % de compositrices dans le domaine des musiques à l’image en 2022[7], soit une progression très faible qui soulève un certain nombre d’interrogations sur la formation des musicien·nes et leur intégration dans le système de production audiovisuelle dont ce colloque international souhaiterait s’emparer. Continuer la lecture de Appel à communications : Féminités et musiques à l’écran. Création, représentations et identités
Science-fiction sonique et novum sonore
Res Futurae n° 25, juin 2025
Échéance des propositions : PROLONGÉ JUSQU’AU 31 JANVIER
Dirigé par Guillaume Dupetit (Université Gustave Eiffel) et Aurélie Huz (Université Paris-Nanterre)
Dire que la science-fiction est aussi affaire de sons est à la fois une évidence, un euphémisme et une réalité jusque-là peu explorée dans la recherche, en particulier en français.
Une évidence, premièrement, car malgré des origines littéraires souvent réaffirmées comme preuve de légitimité (Verne et Wells), lesquelles n’ont pas manqué d’ailleurs d’explorer l’exotisme du code oral de langue dans nombre de vocables inventés (« Morlocks » et « Elois » en témoignent), la culture de science-fiction a, dès le début du xxe siècle, constitué des imaginaires sonores via une pléthore de médias dont elle a accompagné le développement et sur lesquels la revue ReS Futurae a déjà donné plusieurs éclairages : le théâtre (n°18), le cinéma (n°17), la radio, la musique, la télévision et les séries (n°19) ou encore les jeux vidéo (n°12) en dessinent une dynamique médiatique complexe et interconnectée, où le son est une pleine composante des référents et des effets science-fictionnels.
Pop culture et politique : instrument ou contre-pouvoir ?
15 décembre 2023
Sciences Po, campus St-Thomas / 1 place Saint-Thomas d’Aquin 75007 Paris, salle B.001
Organisé par le CEVIPOF et l’École de recherche de Sciences Po
Programme
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