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Parution – Voir le rap : clips et cultures visuelles des musiques hip-hop (Études de communication)

Voir le rap : clips et cultures visuelles des musiques hip-hop

Numéro 65 de la revue Études de communication

coordonné par Keivan Djavadzadeh (CEMTI, Université Paris 8) et Ulrike Lune Riboni (CEMTI, Université Paris 8)

Sommaire

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Colloque – Concours Eurovision de la chanson et Sciences humaines et sociales

Concours Eurovision de la chanson et Sciences humaines et sociales

01-03 avril 2026

CELSA – Sorbonne Université : 77, rue de Villiers. 92200 Neuilly-sur-Seine

 

 

Organisé par :

  • Sébastien Appiotti (CELSA – Sorbonne Université)
  • Lisa Bolz (CELSA – Sorbonne Université)
  • Johan Boittiaux (Université Sorbonne Paris Nord)
  • Philippe Le Guern (Université Rennes 2)
  • Marie-Caroline Neuvillers (Avignon Université).

Pour vous inscrire : https://bit.ly/escconferenceparis

Présentation

Depuis sa création en 1956, le Concours Eurovision de la chanson (CEC) a révélé des stars mondiales telles qu’ABBA et Céline Dion : multiculturel et multilingue, sans équivalent par son ampleur en dehors des Jeux Olympiques et Paralympiques, cet événement participe d’un espace public médiatique européen. A la veille de son soixante-dixième anniversaire, le CEC cristallise de nombreux enjeux : mise en scène d’identités partagées ou de rivalités géopolitiques ; fabrique des normativités et des représentations ; interrogation du légitimisme culturel et de son envers, etc.

Étudier l’Eurovision revient donc à interroger les croisements d’identités, les rituels collectifs et la participation sur les réseaux sociaux, tout en éclairant les dynamiques politiques et sociales complexes des industries culturelles et médiatiques. Dans quelle mesure les Sciences humaines et sociales (SHS) permettent-elles d’éclairer, de comprendre et d’analyser les enjeux sociaux, culturels et politiques passés et actuels du CEC ?

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Appel à communications – Longues durées et disruptions : temporalités des mutations dans les industries culturelles

Longues durées et disruptions : temporalités des mutations dans les industries culturelles

15 et 16 octobre 2026

Université Sorbonne Paris Nord, Campus Condorcet

Échéance des propositions : 13 avril 2026

Organisation : 

  • Ana Vinuela (IRCAV, Université Sorbonne Nouvelle)
  • Samuel Zarka (LabSIC, Université Sorbonne Paris Nord)
Contenu de l’appel

Les transformations contemporaines des industries culturelles ont donné lieu à de nombreux travaux de recherche sur les technologies, les dispositifs et les écosystèmes numériques. La notion de plateforme y revêt un caractère pivot, à travers son triple aspect de système d’information, de marché et d’organisation (van Dijck at al. 2018 ; Nieborg & Poell 2018 ; Bullich 2021). Ainsi, les plateformes ont avant tout été envisagées comme des espaces : espace de participation (Demazière et al. 2009 ; Flichy 2010), de structuration de contenus (Vitali-Rosati 2020) ou encore d’extraction de rentes numériques (Durand 2023 ; Broca 2025). Cette approche spatiale des plateformes est confortée par la négation temporelle induite par la quasi-immédiateté de la communication numérique, en phase avec le phénomène d’« accélération » constitutif de la modernité capitaliste (Rosa 2013). Les phénomènes de redondance informationnelle, qu’ils soient le fait de la personnalisation des recommandations algorithmiques et/ou de logiques addictives, parachèvent cette approche des plateformes comme espaces clos sur eux-mêmes et déniant l’expérience de la durée. L’irruption de l’intelligence artificielle générative sur la scène numérique confirme ce diagnostic de redondance, puisqu’elle aboutit dans une critique de la stéréotypie des contenus qu’elle génère de manière quasi-instantanée.

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Rappel : Appel à contributions : Enregistrer les musiques populaires

Enregistrer les musiques populaires

23e colloque international de l’IASPM (International Association for the Study of Popular Music)

7 au 11 juillet 2025

Université Sorbonne Nouvelle, Campus Nation, 8 avenue de Saint-Mandé, Paris 12e

Échéance des propositions : 30 octobre 2024

Organisé par Catherine Rudent (porteuse), Marion Brachet, Romain Garbaye, Gérôme Guibert, Emmanuel Parent, Cécile Verschaeve, via l’Université Sorbonne Nouvelle et l’IASPM-bfE

L’enregistrement a joué un rôle central lors de la constitution du champ de recherche sur les musiques populaires dans les années 1970-1980 : à cette période de mise en place des popular music studies, le statut spécifique de l’enregistrement permettait de distinguer trois pôles, celui des musiques populaires – ou popular music -, des musiques savantes – ou art music – et des musiques traditionnelles ou folk music.

L’enregistrement a également été pensé en tant que symptôme et variable dans le développement du commerce de la musique. Devenue un bien reproductible, la musique évolue dans des directions nouvelles quand, vers le milieu du xxe siècle, le disque devient le support principal de l’industrie musicale. Dans le même mouvement, l’enregistrement inscrit la musique dans un contexte médiatique de large diffusion incluant la radio, le cinéma, plus tard la télévision, puis Internet. À l’heure de la plateformisation des musiques populaires, les droits musicaux et la constitution de catalogues deviennent un enjeu majeur pour les industries culturelles et les acteurs économiques du numérique.

Le support enregistré, comme bien reproductible, devient aussi un bien conservable, archivable, et restaurable (réédition) au gré des changements de support. À des aspects marchands – renouveler l’équipement des ménages, vendre des éditions augmentées, des alternate takes, etc. – s’ajoute une dimension créative : l’enregistrement peut être support de création (platinisme, djing, échantillonnage), ainsi qu’une dimension patrimoniale – l’enregistrement comme trace ou trésor du passé – les diggers pouvant apparaître à la jonction de ces deux dimensions. Continuer la lecture de Rappel : Appel à contributions : Enregistrer les musiques populaires

Appel à contributions : Enregistrer les musiques populaires

Enregistrer les musiques populaires

23e colloque international de l’IASPM (International Association for the Study of Popular Music)

7 au 11 juillet 2025

Université Sorbonne Nouvelle, Campus Nation, 8 avenue de Saint-Mandé, Paris 12e

Échéance des propositions : 15 octobre 2024

Organisé par Catherine Rudent (porteuse), Marion Brachet, Romain Garbaye, Gérôme Guibert, Emmanuel Parent, Cécile Verschaeve, via l’Université Sorbonne Nouvelle et l’IASPM-bfE

L’enregistrement a joué un rôle central lors de la constitution du champ de recherche sur les musiques populaires dans les années 1970-1980 : à cette période de mise en place des popular music studies, le statut spécifique de l’enregistrement permettait de distinguer trois pôles, celui des musiques populaires – ou popular music -, des musiques savantes – ou art music – et des musiques traditionnelles ou folk music.

L’enregistrement a également été pensé en tant que symptôme et variable dans le développement du commerce de la musique. Devenue un bien reproductible, la musique évolue dans des directions nouvelles quand, vers le milieu du xxe siècle, le disque devient le support principal de l’industrie musicale. Dans le même mouvement, l’enregistrement inscrit la musique dans un contexte médiatique de large diffusion incluant la radio, le cinéma, plus tard la télévision, puis Internet. À l’heure de la plateformisation des musiques populaires, les droits musicaux et la constitution de catalogues deviennent un enjeu majeur pour les industries culturelles et les acteurs économiques du numérique.

Le support enregistré, comme bien reproductible, devient aussi un bien conservable, archivable, et restaurable (réédition) au gré des changements de support. À des aspects marchands – renouveler l’équipement des ménages, vendre des éditions augmentées, des alternate takes, etc. – s’ajoute une dimension créative : l’enregistrement peut être support de création (platinisme, djing, échantillonnage), ainsi qu’une dimension patrimoniale – l’enregistrement comme trace ou trésor du passé – les diggers pouvant apparaître à la jonction de ces deux dimensions.

Logiquement, l’analyse des enregistrements comme « textes » des musiques populaires a été une des grandes orientations de recherches des quarante dernières années. Or ce type d’analyse, applicable à toutes les musiques enregistrées, a aussi l’avantage de remettre en question les barrières entre méta-genres musicaux et d’assouplir les catégories à travers lesquelles la musique est pensée, parfois de manière trop rigide.

Le champ de recherche sur la production musicale et les techniques de studio s’est lui aussi considérablement développé au fil des dernières décennies. La littérature scientifique souligne ainsi depuis longtemps l’importance du studio d’enregistrement comme outil technique et artistique – le studio instrument de musique -, lieu d’interactions, point focal économique, au carrefour du pratique, du technique, de l’esthétique et du social, avec des caractéristiques très particulières en termes d’espace et de temporalité. Il est également le lieu de certains rapports de production mouvants, entre musicien.ne.s et intermédiaires de la production, dont le statut évolue tout au long de son histoire. Plus récemment, la démocratisation du home studio depuis les années 1980 a ouvert encore de nouvelles perspectives sociales et économiques. Elle implique des révolutions également sur le plan créatif : continuum composition-interprétation-production, place centrale de l’enregistrement, remise en cause du statut de l’auteur.trice / de l’interprète…

Mais les questions soulevées par l’enregistrement des musiques populaires se renouvellent et s’enrichissent depuis quelques années selon d’autres perspectives, plus contemporaines. Parmi elles, les études postcoloniales : comment enregistre-t-on la musique dans le monde ? Les études de genre : comment les pratiques de l’enregistrement reflètent-elles ou font-elles bouger les lignes en matière de relations de pouvoir et de stéréotypes de genres ? Les questionnements écologiques se posent aussi dans ce champ, à travers l’empreinte environnementale de la musique enregistrée, que ce soit sur support physique ou au format numérique.

Par ailleurs, les années récentes ont réactivé la curiosité scientifique pour le concert et le live, comme situation musicale centrale, différente de l’enregistrement : différente à quel point ? On considère le plus souvent que la notion de live n’existe que parce que l’enregistré domine, et que le concept de liveness se développe seulement par rapport à l’enregistré, qui est aussi du médiatisé. Du point de vue esthétique et ontologique, le continuum entre live et enregistré renvoie à la fluidité de l’enregistrement utilisé comme matériau de composition, dans les pratiques live. Les exemples vont du hip-hop et du trip-hop à de nombreuses musiques électroniques, et au-delà : quel est, dès aujourd’hui, le rôle de l’informatique, de l’intelligence artificielle, de la production automatique d’enregistrements, en concert et sur disque, et comment évolueront les pratiques à l’avenir ?

Le renouveau de la recherche sur le live est parallèle à la réémergence du concert comme nœud de l’économie musicale – alors que dans la seconde partie du xxe siècle, le live était presque simplement une promotion de l’enregistré et ne faisait pas couler beaucoup d’encre dans les milieux académiques. On peut dès lors supposer que l’intérêt actuel pour le live vient de la crise des ventes de musiques enregistrées des quinze premières années du xxie siècle. Mais plus récemment, avec la crise sanitaire de 2019-2022, une réalité mondialement partagée, l’impossibilité de monter sur scène, ou d’aller au concert, venait bousculer les habitudes dans le domaine de la musique live et, là aussi, initier de nouvelles réflexions et recherches sur la bipolarité live / enregistré.

Autre aspect, parmi les plus importants : au-delà de l’enregistrement comme processus relevant du studio ou de divers équipements techniques, le colloque invite à considérer de manière mondiale et culturelle le fait d’enregistrer les musiques populaires. Enregistrer, c’est garder des traces, des pistes (tracks), qui peuvent aussi se comprendre en un sens large, anthropologique : comment sont-elles conservées ? Comment sont-elles aussi parfois effacées ? Comment la diversité socio-culturelle « s’enregistre » ou non dans les musiques populaires, selon une opposition entre on track et off track ? Quel est le rôle du field recording dans ce processus ? Quelles logiques président à ces invisibilisations ou à ces conservations, rendant certains genres ou répertoires plus audibles et présents que d’autres ? Comment l’enregistrement des musiques participe-t-il de leur sémantisation, de leur représentation, de la configuration des genres musicaux, du jeu d’instauration de leur valeur, esthétique, économique, politique, culturelle, sociale ?

La différence entre les genres musicaux se retrouve dans leur rapport à l’enregistrement. Ici affleure la tension perpétuellement créée dans les musiques populaires par la notion d’authenticité, diverse selon les genres de musiques populaires, et souvent active dans le rapport à l’enregistrement et au live. Les valeurs associées à l’effet live dans l’enregistrement ne se posent donc pas de la même manière dans tous les genres, et cela a un impact sur les techniques d’enregistrement, sur les diverses illusions que ces dernières sont chargées, ou non, de créer, quand elles veulent faire oublier que l’enregistrement est toujours un artefact.

C’est alors aussi la réception et l’écoute des enregistrements qui est en jeu : quel jugement les communautés – les publics mais aussi les critiques et autres professionnel.le.s – portent-elles sur les musiques enregistrées ? Selon quels critères ? Les techniques d’enregistrement ont d’ailleurs fait évoluer à leur tour les goûts, les sensibilités, les modes et les habitudes d’écoute. Dans une logique de « discomorphose » des pratiques musicales, l’accoutumance de l’oreille aux sons travaillés en studio a fait grandir, par exemple, l’attention au timbre. L’écoute a évolué avec les usages et comportements permis par la musique enregistrée et par ses différents formats, centraux dans les musiques populaires. Cela rejoint aussi les interrogations récentes portées par les sound studies et l’archéologie des médias en matière de soundscape, d’archives sonores, de patrimoines musicaux et de son, au-delà de la musique.

Le colloque biennal de l’IASPM 2025 ouvre ces questionnements à tous les genres musicaux populaires, dans une pluridisciplinarité caractéristique des popular music studies : anthropologie, économie, sociologie, esthétique, musicologie, histoire, approches politiques, études techniques, etc. La liste n’est pas close et l’intention est aussi de favoriser les croisements entre toutes les entrées possibles sur le sujet. Les propositions pourront s’inscrire dans les axes suivants, sans exclure d’autres directions, si elles correspondent à la thématique du colloque :

  • L’enregistrement comme média
  • De l’enregistrement aux data et à la plateformisation des musiques populaires
  • Enregistrement et live, enregistrement et performance : quelles connexions ?
  • L’enregistrement comme technique : matériel, support, technologies électronumériques pour le traitement du signal
  • Le studio d’enregistrement et ses différents formats
  • Lien avec les sound studies
  • Pratiques et médiations de l’enregistrement, statut de ses intermédiaires
  • Enregistrement et droits voisins, modèles de rémunération, conventions internationales
  • Enregistrement et intelligence artificielle
  • L’enregistrement et les études de genre (gender studies)
  • Enregistrement des musiques populaires et diversité culturelle mondiale. Traces ou effacements de la diversité des cultures
  • Les musiques enregistrées comme patrimoine : mise en exposition, mise en musée
  • Enregistrement et économie de la musique, enregistrement et marchandisation de la musique
  • L’enregistrement sonore comme technique d’enquête et/ou comme écriture
  • L’enregistrement comme texte pour l’analyse
  • Les enregistrements et leur réception : quelles écoutes des musiques populaires enregistrées ? Quelles catégories d’appréciation ? Quels liens entre enregistrement et genres musicaux ?
  • Usages des enregistrements et pratiques de danse

Comité d’organisation

Catherine Rudent (porteuse), Marion Brachet, Romain Garbaye, Gérôme Guibert, Emmanuel Parent, Cécile Verschaeve

Comité scientifique

Président : Christophe Pirenne

Mike Alleyne, Alessandro Arbo, Samantha Bennett, Ragnhild Brøvig, Lori Burns, Céline Chabot-Canet, Meng Tze Chu, Martha de Ulhoa, Oded Erez, Franco Fabbri, Kirsty Fairclough, Patryk Galuszka, Elsa Grassy, Line Grenier, Catherine Guesde, Laura Jordan Gonzalez, Olivier Julien, Serge Lacasse, Amparo Lasen, Buata Malela, Isabelle Marc, Julio Mendivil, Sue Miller, William Moylan, Bodo Mrozek, Benoît Navarret, Richard Osborne, Sergio Pisfil, Laurent Pottier, Cécile Prévost-Thomas, Catherine Provenzano, Oliver Seibt, Veronica Skrimsjö, Catherine Strong, Eric Weisbard, Justin Williams, Masahiro Yasuda

Comité de pilotage

Baptiste Bacot, Sarah Benhaïm, Rémi Boivin, Marion Brachet, Claude Chastagner, Salomé Coq, Marianne Di Benedetto, Iulia Dima, Stephane Escoubet, Claire Fraysse, Romain Garbaye, Vincent Granata, Elsa Grassy, Catherine Guesde, Gérôme Guibert, Guillaume Heuguet, Jason Julliot, Marc Kaiser, Sébastien Lebray, Barbara Lebrun, Sangheon Lee, Julie Mansion-Vaquié, Guillaume Mouleux, John Mullen, Emmanuel Parent, Christophe Pirenne, Laurent Pottier, Jean-Christophe Sevin, Jedediah Sklower, Florence Tamagne, Cécile Verschaeve

Soumission

Les propositions de communication seront en français ou en anglais, d’une longueur de 250 à 300 mots. Elles seront suivies de quelques références bibliographiques, et/ou une indication des sources si pertinent. Elles préciseront dans lesquels des axes elles s’inscrivent (dans la limite de trois), incluront une courte bio-bibliographie de l’auteur.rice ainsi que sa branche IASPM d’appartenance.

La proposition est à déposer sur cette page : https://iaspm-paris2025.sciencesconf.org/submission/submit

La date limite d’envoi des propositions est le 15 octobre 2024.

Chaque participant.e devra être adhérent.e d’une branche ou de l’IASPM international au moment du colloque : www.iaspm.net/how-to-join / https://iaspmbfe.wordpress.com/adherer/

Les communications individuelles dureront 20 minutes, et seront suivies par 10 minutes de discussion.

Le colloque diffusera certaines sessions en ligne. Mais la participation à distance ne sera pas possible.

Les propositions sous forme de panel sont les bienvenues (sessions d’une heure et demie comprenant trois communications, ou deux communications et un.e discutant.e). Chaque panel doit comprendre au moins 30 minutes pour la discussion ou pour les commentaires par un.e discutant.e. L’organisateur.rice du panel devra soumettre le résumé de la session ainsi que tous les résumés individuels de communications (entre 200 et 350 mots chacun) en une seule soumission, avec une liste complète des noms des participant.e.s, leur biographie et leur branche IASPM d’appartenance.

Page web du colloque : http://www.univ-paris3.fr/iaspmparis2025

Contact du comité d’organisation : iaspmparis2025@sorbonne-nouvelle.fr

Parution : “Du disque à l’œuvre / The Recording at Work” (Revue musicale OICRM, vol. 10, n°1)

Revue musicale OICRM, vol. 10, n°1, “Du disque à l’œuvre / The Recording at Work”, 2023.

dirigé par Karine Bouchard et Serge Cardinal

« L’influence du disque, et plus largement des techniques d’enregistrement, d’altération et de diffusion du son, sur les pratiques musicales – composition, interprétation, écoute, analyse – a fait l’objet de nombreuses études poïétiques, esthétiques, sociologiques. Malgré les apparences, le titre stéréophonique de ce numéro n’annonce pas ce genre d’études ; les neuf textes rassemblés ici s’attachent plutôt aux répercussions de ce choc technologique et musical dans des œuvres ou des pratiques appartenant aux arts visuels, au cinéma et aux médias de masse – et, par conséquent, aux réverbérations de ce choc en histoire de l’art, en études cinématographiques, en philosophie ou en histoire culturelle. »

Sommaire

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Parution : Sensibles. Une histoire du R&B français (R. Tchokokam)

Rhoda Tchokokam, Sensibles. Une histoire du R&B français, Audimat Éditions, 2023. 

Au début des années 1990, des groupes inspirés du new jack swing états-unien comme N’Groove, Tribal Jam, et les artistes du label Sensitive marquent les premiers pas du R&B français. Avec le succès des Poetic Lover et des refrains du rap français, dont certains des plus connus ont été chantés par des artistes R&B, il s’impose peu à peu dans le paysage. Une série d’excellents premiers albums voit alors le jour (K-Reen, Vibe, Matt Houston ou Wallen) avant qu’une seconde génération ne s’impose au tournant du millénaire, avec les tubes et albums de chanteuses de R&B variété. De leur côté, les médias et la critique ont souvent multiplié les malentendus et les marques de mépris face à ces différents artistes, réduisant leur musique à une version édulcorée du rap, une «revanche des filles de cité», ou en la rejetant comme une importation étrangère. Dans ce premier livre à lui être consacré, Rhoda Tchokokam montre la richesse non seulement d’un R&B en français, mais du R&B français comme genre à part entière.

En s’appuyant sur la parole des principales actrices et acteurs de ce mouvement, Rhoda Tchokokam en propose une histoire culturelle ambitieuse. Sa passion pour les chansons de R&B français croise en permanence l’analyse de leur dimension politique : elle examine aussi bien leur manière d’assumer la sexualité que leurs injonctions à la pudeur, les stratégies de formatage commercial que l’affirmation d’une sororité noire dans les clips.

 

Appel à contributions : 30 ans de la cantologie ? #BALANCETAVOIX (Université Polytechnique Hauts-de-France)

Colloque : 30 ans de la cantologie ? #BALANCETAVOIX

7-9 septembre 2022 

Université Polytechnique Hauts-de-France (Valenciennes) 

Échéance des propositions : 30 avril 2022

Comité organisateur

Laboratoire : LARSH-De Scripto 

Pour marquer les trente ans de la cantologie, discipline initiée par Stéphane Hirschi et qui a, depuis 1992, intégré le monde de la recherche académique, le laboratoire LARSH-DeScripto de l’UPHF organise un colloque international qui s’inscrit dans la continuité du colloque Charles Trenet organisé en novembre 2018, et d’autres colloques sur la chanson organisés à ou depuis Valenciennes à partir du premier, fondateur, « La Chanson en lumière » en avril 1996. 

Théorisée par Stéphane Hirschi, la cantologie regroupe aujourd’hui des chercheurs et chercheuses francophones travaillant sur un objet d’études porteur et dynamique en France : le genre « chanson ». Pensée comme un « tout organique », associant étroitement un texte, une musique et une interprétation, la chanson suscite une diversité d’approches : littéraire, esthétique, musicologique, sociologique, historique, multi-médiale. 

Dans le sillage de Stéphane Hirschi et de ses précurseurs (Louis-Jean Calvet), plusieurs dynamiques ont permis d’élargir les champs de recherche, de croiser les compétences et d’étendre la diffusion. Ces trente dernières années ont vu l’étude de la chanson se développer dans les champs de recherches universitaires. La cantologie a le vent en poupe et ne cesse de se déployer. Des postes d’enseignants-chercheurs sont désormais créés dans ce champ de compétences, en musicologie, en arts du spectacle, en études de romanistique ou de langue française. Un réseau collaboratif, « Les Ondes du Monde », intégrant plusieurs universités françaises et étrangères dont l’UPHF, est créé en 2015. Des colloques, des Biennales sont régulièrement organisés – la dernière en date (septembre 2021) trouvant même une collaboration fructueuse avec la Philharmonie de Paris – ; des thèses exclusivement consacrées à des problématiques cantologiques (Brel, Gainsbourg, Renaud, Cabrel, Duteil, la chanson réaliste, la marginalité en chansons, Aznavour, la comédie musicale, jazz et chanson, le rap, la pop urbaine, les albums-concepts, etc.) sont soutenues ou en cours. Cette dynamique aboutit à des publications de plus en plus nombreuses et diversifiées, après une première collection dédiée, à partir des années 2000, aux éditions des Belles Lettres (Charles Trenet, Que reste-t-il de ses beaux jours ?, PUP, 2021 ; Cartographier la chanson contemporaine, PUP, 2019 ; La chanson dans les cinémas d’Europe et d’Amérique Latine, Peter Lang, 2019).

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Appel à contributions : La chanson populaire francophone : airs et ondes entre le Canada et la France (Études canadiennes n°93)

Études Canadiennes, n°93, “La chanson populaire francophone : airs et ondes entre le Canada et la France“.

Échéance des propositions : 1er mars 2022

La revue Études canadiennes / Canadian Studies (revue interdisciplinaire des études canadiennes en France) annonce un numéro spécial sur la chanson populaire sous la direction de Johanne Melançon (Université d’Ottawa) et Stéphane Hirschi (Université Polytechnique Hauts-de-France), rédactrice et rédacteur invités, associés à la rédactrice-en-chef de la revue, Laurence Cros (Université de Paris).

Parce qu’elles partagent une même langue, la chanson québécoise et franco-canadienne et la chanson française entretiennent une relation privilégiée depuis les chansons folkloriques arrivées en Nouvelle-France au XVIe siècle jusqu’aux échanges et collaborations entre artistes et artisans du XXIe siècle. Par exemple, dans les années 1950, des artistes français ont connu du succès dans les cabarets de Montréal et ont contribué à contrer l’influence américaine, alors que la France découvrait Félix Leclerc et son style « chansonnier ». Plus tard, Robert Charlebois faisait vibrer L’Olympia avec son rock chanté en joual, puis des collaborations entre la France et le Québec ont mené à des opéras-rock à succès comme Starmania et Notre-Dame-de-Paris. Au milieu des années 1990, la diva Céline Dion triomphe avec son album D’eux écrit et réalisé par Jean-Jacques Goldman. Aujourd’hui, la plateforme Ohdio de Radio-Canada propose une liste d’écoute musicale de la nouvelle chanson française et Pierre Lapointe enregistre un duo avec Clara Luciani, après qu’Isabelle Boulay a consacré tout un album à des chansons créées par Serge Reggiani et que Lynda Lemay a donné son 60e spectacle à L’Olympia…

Ainsi, ce dossier veut proposer des analyses de liens, collaborations, échanges, influences entre la chanson francophone au Canada et en France tant au point de vue des chansons – paroles, musique, interprétation –, des artistes et artisans que des lieux et formes de diffusion. On pourra entre autres y proposer :

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Parution : Volume ! n° 18-1 – Back to work

Volume ! n° 18-1 – Back to work

Numéro consacré à la musique comme travail.

Étudier la musique, c’est aussi étudier la manière dont les gens travaillent dans la musique, en particulier pour ceux qui n’accèdent pas à la célébrité et au parcours qu’on peut qualifier d’artisanal. Aujourd’hui, les acquis de la sociologie impliquent de prendre au sérieux, au-delà des travaux sur le numérique, les dimensions les plus laborieuse, matérielle, économique, de pratiques certes « artistiques » mais qui ne s’inscrivent pas moins dans un marché de l’emploi très inégalitaire. Les six articles de ce dossier sont issus d’interventions réalisées dans le cadre du réseau de recherche international Working in Music. Les auteurs, venant de différents pays d’Europe (Grèce, Suisse, Grande-Bretagne, France), mobilisent des terrains variés mais aussi, de plus en plus, un corpus commun de références, montrant là tout le dynamisme et la robustesse des recherches contemporaines sur le travail musical.

Volume ! La revue des musiques populaires est une revue semestrielle à comité de lecture, fondée en 2002 par Samuel Etienne, Gérôme Guibert et Marie-Pierre Bonniol. La revue offre un espace autonome aux chercheurs souhaitant développer des recherches spécifiques consacrées à l’étude pluridisciplinaire des musiques populaires, en croisant les apports méthodologiques et théoriques français (musicologie, ethnomusicologie, sociologie de la culture, histoire culturelle etc.) avec ceux des « cultural » et « popular music studies ». La revue a été publiée sous le titre Copyright Volume ! de 2001 à 2008.
Volume ! est publié par les éditions Mélanie Seteun, une structure associative montée en 1998 par Samuel Etienne et Gérôme Guibert, alors deux doctorants désireux de publier des « réflexions sérieuses sur les musiques populaires », généralement peu investies par la recherche universitaire, ou du moins avec l’attention habituellement accordée à d’autres produits de la culture considérés comme plus légitimes.

Equipe de rédaction : Catherine Guesde, Gérôme Guibert, Emmanuel Parent, Dario Rudy, Matthieu Saladin, Jedediah Sklower.