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Appel à contributions : Amitiés d’enfance. Littérature & cinéma (XIX-XXIe siècles) (Le Mans Université)

Colloque : Amitiés d’enfance. Littérature et cinéma (XIX-XXIe siècles) 

Le Mans-Université, 22-23 juin 2022

Organisé par Sylvie Servoise et Delphine Letort

Échéance des propositions : 15 décembre 2022

« Qu’est-ce que le temps ? Si personne ne me le demande, je le sais. Si je veux l’expliquer à qui me le demande, je ne le sais plus » s’interrogeait Saint-Augustin dans ses Confessions. À bien des égards, il en est de l’amitié comme du temps : tout le monde semble savoir plus ou moins ce qu’elle signifie, pour en faire et en avoir fait l’expérience directe, mais peine à la définir, tant paraissent poreuses les frontières avec d’autres types de relations humaines (à commencer par l’amour et la camaraderie) et épineuses les questions qu’elle soulève : que cherche-t-on chez l’ami/e, un miroir de soi ou un autre que soi ? L’amitié, que l’on présente souvent comme la rencontre élective entre deux êtres (« parce que c’était lui, parce que c’était moi… » pour reprendre la célèbre citation de Montaigne[1]) est-elle forcément exclusive et, inversement, la multiplication des amis est-elle nécessairement à comprendre comme un affadissement du lien amical ? Pourquoi d’ailleurs chercher et cultiver l’amitié : s’épancher, s’étendre hors de soi, ou au contraire trouver celui/celle qui vous comprendra, dans une logique de repli et de séparation d’avec le monde ? Vise-t-elle à assouvir certains de nos désirs ou besoins ou, au contraire, peut-on l’appréhender, à l’instar d’Aristote[2], comme une vertu fondamentalement altruiste, tournée vers le bien de l’ami/e ? On pourrait multiplier à l’envi ces questions, qui non seulement sont connues depuis longtemps – il suffit de songer à la longue tradition philosophique relative à la philia grecque et l’amitia latine[3] – mais qui font encore l’objet d’un regain d’intérêt depuis une vingtaine d’années, et tout particulièrement dans le champ des sciences humaines et sociales : philosophes, sociologues, psychanalystes, historiens, anthropologues, s’attachent à cerner les contours d’une notion qui est tout à la fois un concept philosophique, un sentiment, une valeur, mais aussi une pratique sociale, dont l’importance pour la construction psychique et l’intégration sociale de l’individu est de plus en plus étudiée[4].

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Appel à contributions : L’Univers à l’écran au XXIe siècle : visible et invisible. 1: Nouvelles images astronomiques dans la fiction au XXIe s. Remploi, modélisation, création (Université Paris Cité / Aix-Marseille Université)

Journée d’étude : L’Univers à l’écran au XXIe siècle : visible et invisible – Première partie Nouvelles images astronomiques dans la fiction au XXIe siècle. Remploi, modélisation, création

CERILAC / APC / PCCP/ LESA

Université Paris Cité / Aix-Marseille Université

Échéance des propositions : 31 octobre 2022
 
20 janvier 2023 / Université Paris Cité

Le cycle de deux journées d’étude vise à proposer des approches pluridisciplinaires pour envisager les rapports entre les nouvelles représentations de l’Univers et le cinéma contemporain – cinéma entendu ici au sens large des images mouvantes –, en prenant en compte les transformations récentes de l’image en général, notamment le tournant numérique. Le cycle, centré sur l’image contemporaine, déclinera trois articulations différentes du cinéma avec les sciences et leur mise en images, sur deux journées.

L’appel à communication de la première journée se trouve en page 2. L’appel à communications de ladeuxième journée sera diffusé ultérieurement. Informations sur cette deuxième journée en page 3.

Comité d’organisation :

Panagioula (Julie) Kolovou (LESA, Aix-Marseille Université), Anastasia Rostan (CERILAC, Université Paris Cité), Chiara Santini Parducci (CERILAC, Université Paris Cité), Leïla Haegel (APC, Université Paris Cité)

Comité scientifique :

Emmanuelle André (CERILAC, Université Paris Cité) ; Elsa De Smet (Centre Georges Pompidou Metz) ; Antoine Gaudin (IRCAV, Université Sorbonne Nouvelle) ; Thierry Roche (LESA, Aix- Marseille Université) ;Roland Lehoucq (IRFU, CEA)
 
Modalités de participation :

 Les propositions sont à envoyer au format .pdf à l’adresse suivante : universalecranxxi@gmail.com

Elles ne devront pas dépasser 500 mots et comporter une courte bio-bibliographie (100 motsmaximum). Les communications seront d’une vingtaine de minutes.

La date limite d’envoi des propositions pour la première journée est fixée au lundi 31 octobre 2022 (réponseen novembre 2022).
 
La journée se voulant pluridisciplinaire dans ses approches et pas seulement dans son objet, des contributions issues des disciplines des arts visuels/audiovisuels comme des sciences astrophysiques et astronomiques seront les bienvenues.
 
Les deux journées d’étude seront également accessibles par zoom.

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Parution : Transcr(é)ation, n° 1: “L’Adaptation cinématographique. Approches théoriques”

Transcr(é)ation, n° 1, “L’Adaptation cinématographique. Approches théoriques”, 2022. 

Il appert que, de nos jours, un grand nombre des films produits sont des « adaptations » cinématographiques. Pourtant, la recherche concernant le dialogue texte-film est si peu avancée que l’adaptation n’est toujours pas, à ce jour, considérée comme une discipline à part entière et est reléguée aux marges des départements de cinéma. Quant aux chercheurs et chercheuses qui tentent d’en étudier les spécificités et les apports, et de théoriser sur ce qui pourrait s’avérer une discipline riche, ils ou elles auront toutes les peines du monde à se revendiquer de l’un etde l’autre des deux pôles (hypo vs hyper)— des études littéraires etcinématographiques.

Ce dossier se compose de plusieurs articles proposant des analyses originales du corpus et des dialogues texte/film. S’ajoute à ce panel, deux entretiens avec des personnes qui auront réfléchi, dans leur pratique ou de manière théorique, à la question de l’adaptation cinématographique.

Sommaire

Jeri English & Pascal Riendeau, “De la scène à l’écran. Les transformations des relations de pouvoir dans deux adaptations de François Ozon

Esther Hallé, “Adaptation et modernité dans le cinéma italien d’après-guerre. La Terre tremble (Visconti, 1948),La Fille de Parme (Pietrangeli, 1963)

Jessy Neau, “L’adaptation face à la sérialité. Réseaux, constellations, intertextualité

Marie Pascal, “La transcréation du fragment décolonial. Expérimenter dans Kuessipan de Naomi Fontaine (2011) et Myriam Verreault (2019)

Polina Rybina, “Condensation Recondensed. Memory Regimes in Film Adaptations

Maroua Médini, “Entretien avec le cinéaste égyptien Khairy Beshara sur Le Collier et le bracelet

Marie Pascal, “A Conversation with Linda Hutcheon on Film Adaptation

Journée d’études : Espaces et enjeux contemporains de la (re)diffusion des comédies populaires françaises (Université Paul-Valéry Montpellier 3)

Mardi, 20. septembre 2022 – 8:4519:00
Université Paul-Valéry Montpellier 3, RIRRA 21 
Salle St Charles 2 Auditorium
 

Dimanche 18, lundi 19, mardi 20 et dimanche 25 septembre : Projections (cinéma Diagonal  / cinéma Nestor Burma)

Mardi 20 septembre : journée d’étude, Université Paul-Valéry Montpellier 3, site Saint-Charles 2, Auditorium

Cette journée d’études se propose d’étudier un genre – la comédie – dans une perspective culturelle et socio-économique en insistant sur les spécificités de sa diffusion, de sa médiatisation et de sa marchandisation dans ses espaces d’exploitation contemporains. Dans un souci d’efficacité, nos investigations se limiteront à la production de comédies en France et s’attacheront aux films les plus populaires, avec une acception volontairement large et diachronique de cet adjectif et de ses différentes expressions (nombre d’entrées important en salles et/ou ventes conséquentes du film sur supports physiques ou dématérialisés, rediffusions régulières à la télévision avec audience significative, présence soutenue du personnel artistique dans les médias, publication abondante d’ouvrages grand public attachés à ces œuvres, reprises sur internet, exposition et programmation en cinémathèque, valorisation institutionnelle, etc.). En abordant autant des comédies contemporaines que plus anciennes, nous essaierons de saisir la diversité de leurs espaces de diffusion et de rediffusion aujourd’hui. Nous nous efforcerons tout particulièrement de décrire et de comprendre les stratégies économiques et les enjeux socio-culturels sous-jacents à ces médiatisations. En d’autres termes, nous nous demanderons ce que ces espaces « font » aux films, de quelle manière ils leur administrent plus ou moins consciemment une valeur et orientent leur approche.

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Appel à contributions : Féminisme(s) dans les médias : popularisation et transformations culturelles (Université de Gand)

Colloque : Féminisme(s) dans les médias : popularisation et transformations culturelles

14 -15 septembre 2023, Université de Gand, Belgique

Échéance des propositions : 15 novembre 2022

En partenariat avec l’université d’Anvers (Belgique), l’université de Göteborg (Suède), l’université de Louvain (Belgique) et la Vrije Universiteit Brussels (VUB) (Belgique)

L’histoire du féminisme et le féminisme à travers la littérature sont souvent étudiés séparément, alors que ces deux domaines sont fortement liées. Afin de mieux étudier leurs points communs et leurs intersections, ce colloque international propose d’aborder le thème du féminisme à travers le prisme médiatique. Plus spécifiquement, nous proposons d’aborder les modes de popularisation (nationaux, internationaux, transnationaux) auxquels les militant(e)s des droits des femmes (journalistes, rédacteurs en chef, écrivains) ont eu recours du début du dix-neuvième jusqu’à la fin du vingtième siècle. Le but de ce colloque est d’engager une discussion sur l’évolution et surtout les transformations culturelles et idéologiques du féminisme au-delà des frontières géographiques et linguistiques.

Ce colloque est organisé grâce à un projet financé par le fonds de la recherche scientifique flamande (FWO) affilié à l’université de Gand (Belgique). Cet appel à contributions concerne toute question et tout thème liés au sujet principal, mais nous nous intéresserons plus particulièrement aux perspectives transnationales et transculturelles, aux approches multilingues et globales, sur le thème du féminisme. Pour des questions pratiques, la langue de travail du colloque sera l’anglais.

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Parution : Imaginaires cinématographiques de la peau (dir. Diane Bracco)

Diane Bracco (dir.), Imaginaires cinématographiques de la peau, Brill, 2022.

English below

Comment figure-t-on la peau à l’écran, dans sa double fonction de surface et d’enveloppe corporelles ? Comment les cinéastes la représentent-ils dans la diversité de ses marques et inscriptions, de ses couleurs et textures ? Quelles valeurs esthétiques, symboliques, idéologiques, voire politiques, revêt-elle au sein d’une fiction cinématographique, selon l’époque et l’aire culturelle ? Dans quelle mesure l’image et la surface écranique peuvent-elles se muer elles-mêmes en peau du film ? Telles sont les questions auxquelles chercheurs et praticiens du cinéma se proposent ici de répondre au prisme d’un corpus de films pluriel et multiculturel. Cet ouvrage collectif vous propose une plongée dans l’imaginaire épidermique de réalisateurs issus de différents horizons, au croisement de l’analyse universitaire et de témoignages inédits de professionnels du cinéma. Des Yeux sans visage à La piel que habito, de The Pillow Book à Memento, sans oublier quelques détours par les cinémas du Japon, de la Grande-Bretagne, de la Russie, des pays lusophones ou hispano-américains, les peaux de l’écran sont explorées dans la multiplicité de leurs formes, de leurs sens et de leurs enjeux.

How is skin depicted on screen, be it as the body’s surface or its envelope? How do filmmakers represent skin in its multitude of marks, inscriptions, colours and textures? What aesthetic, symbolic, ideological, or even political values does skin adopt in cinematographic fiction, depending on the period and the cultural area of the film? To what extent can the surfaces of the image and the screen themselves become the film’s skin? In this book, researchers and cinema professionals offer answers to these questions through a plural and multicultural selection of films. This collective work dives into the epidermal imaginative world of directors from various backgrounds, at the crossroads of academic analyses and exclusive testimonies from those who work in the film industry. From Eyes Without a Face to La Piel Que Habito, from The Pillow Book to Memento, and including a few incursions into cinema from Japan, Great Britain, Russia, Portuguese-speaking or Spanish-American countries, this collection explores the multiple shapes, meanings, and implications of skins of and on the screen.

Couverture de l’ouvrage

Appel à contributions : Charlot : Le grand déserteur (Revue K)

Revue K, “Charlot : Le grand déserteur”

Échéance des propositions : 9 octobre 2022

Chaplin est devenu le plus grand comique du monde
parce qu’il a incorporé la plus profonde cruauté des contemporains.

W. Benjamin

Dégringolades, émigrations, gestes inattendus, situations ordinaires bouleversées par des événements soudains, échappatoires inépuisables et imprévisibles, dominées par le hasard et le désir, par une révolte qui se rejette elle-même parce qu’au fond elle ne sait rien d’elle-même : Charlot, un vagabond (The Tramp). Charlot n’habite pas un autre monde, mais il titube, bégaie, tombe, court dans le monde qu’il refuse, sans aucune conscience particulière de ce qu’il fait. La désertion de Charlot est une désertion profonde, de l’inconscient, qui ne pouvait probablement voir le jour qu’au cinéma, comme le révèle déjà le premier, fabuleux film documentaire où le vagabond apparaît et où le cinéma devient pure improvisation : Kid Auto Races at Venice, Cal., de 1914. Pourtant, avec Charlot, on n’oublie pas le caractère matériel de l’existence, ce que signifie être pauvre (voir, par exemple, The Kid, de 1921), ne rien avoir tout en restant, allez savoir comment, libre. Sous le joug de la misère s’offre, de manière inattendue, la chance du plus grand amour, de l’amitié, et même du bonheur, même si l’on sait que ce n’est qu’un instant, une grâce dépourvue de toute solidité ou durée. Dans son errance Charlot ne met en scène que l’errance, rien de plus : la pure fragmentation des accidents de la vie de tout un chacun.

Charlot naît devant la caméra puis disparaît, plus de vingt ans plus tard, en refusant de prendre la parole – de nier sa propre différence abyssale. Charlot prend congé du cinéma, avec Les Temps modernes, en faisant entendre sa voix qui cependant ne dit absolument rien ; il ne communique pas, ne parle pas, ne transmet pas de sens, mais émet des sons clandestins, presque barbares, comme un nourrisson. Prendre la parole, pour Charlot, s’avère être en réalité un geste extrême de diversion. Nous assistons, en effet, à l’événement d’une (non) langue qui précède et excède toute langue en déterminant un seuil de tension extrême entre le muet et le sonore. Au fond, Charlot pense par images et donc ne parle pas ; il ne se laisse pas piéger, ni reconnaître. Chaplin est extrêmement lucide : Charlot vit dans le geste, pas dans la parole, il survit à cette dernière mais ne peut l’incarner, au risque de perdre sa capacité de violer, comme s’il était là par hasard, toute valeur. Charlot conçoit la parodie la plus radicale du monde de la sécurité parce qu’il évite tout jugement moral et toute revendication ; il n’assume aucune position de pouvoir, de supériorité, mais profane tout simplement, dans un rire délirant et joyeux, les structures de tout ordre. Charlot désacralise toute valeur : la famille, les voitures, les mères, la liberté, la patrie, l’autorité, l’industrie du cinéma. Il met à nu la fantasmagorie de la marchandise et lui donne le poids qu’elle a réellement : une chose. Qui est-il ? Un sans-abri qui porte les vêtements difformes d’un grand seigneur : un aristocrate-plébéien. Il incarne en somme un antagonisme féroce par le simple fait d’exister à l’écran, par le simple fait d’être sous les feux de la rampe.

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Appel à contributions : Réalisatrices de films et séries françaises et francophones / French and Francophone Film and Series Women Directors (Crossway Journal)

Crossway Journal, “Réalisatrices de films et séries françaises et francophones / French and Francophone Film and Series Women Directors”

Échéance des propositions : 30 septembre 2022

Call for papers (version française plus bas) :

In a 2019 issue of Libération, Laure Murat published a tribune entitled “Alice Guy’s Invisible Film” where she explained the erasure of this woman pioneer from cinema – and not just French cinema. The “7th Art Unknown Lady,” as a January 2022 Arte.tv documentary called her, was only recently re-discovered although Alice Guy was a modern woman for her time – her film The Consequences of Feminism dates back to 1906. Despite the publication of her autobiography in 1976 she was forgotten and the spotlight shone on the Lumière brothers and on Georges Méliès. French cinema featured only two women, Germaine Dulac (who made films from 1915 to 1934) and Jacqueline Audry (from 1943 to 1973) until the breakthrough of Agnès Varda, poorly named “New Wave’s grandmother,” and the advent of “May 1968” and of the cultural and feminist revolution in the 1970s. If French cinema counts about 25% women directors – that is, directors who define themselves as women, not just cis women – they are now legions making films in all genres. Books are written on them (in 1990, Sandy Flitterman-Lewis’ To Desire Differently: Feminism and the French Cinema examined films by Germaine Dulac, Marie Epstein, and Agnès Varda) ; women directors are the focus of special issues (such as September 2012 Les Cahiers du cinéma, « Où sont les femmes ? ») and documentaries (such as Cineast(e)s (2013), where Mathieu Busson and Julie Gayet interviewed 21 of them on the relevance of gender in filmmaking and on the problems they had to face and still face as women in the industry). Francophone women directors, who came to filmmaking more recently in non-Western countries, were also solicited; in 2005, Janis L. Pallister and Ruth A. Hottell updated their 1997 guide, Francophone Women Film Directors, then in 2011 they published Noteworthy Francophone Women Directors: A Sequel on the production of almost 300 women directors in France, Belgium, Switzerland, Latin America, and Quebec. With the ever-growing number of series, partly due to the increasing number of platforms, another venue – with idiosyncratic conventions – opened to filmmakers, like Julie Delpy with On the Verge.

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Appel à contribution : “L’adaptation. De la bande-dessinée (et comics) aux films et/ou vice versa” (revue Transcr(é)ation)

Transcr(é)ation, n°2, “L’adaptation. De la bande-dessinée (et comics) aux films et/ou vice versa”, hiver 2023

Échéance des propositions : 15 août 2023

Transcr(é)ation est une revue spécialisée consacrée à la transmédialité et aux dialogues texte – film, sans hiérarchisation de l’un sur l’autre. Nous accueillons des travaux théoriques ou analytiques ainsi que des dossiers thématiques sur les questions de l’intermédialité, du dialogue entre les médiums, ou toute autre ouverture encore peu ou prou investiguée. 

Pour notre second numéro, nous faisons un appel bilingue (anglais ou français) portant sur

l’adaptation de bandes-dessinées, comics et graphic novels (et vice versa).

Langues de rédaction : Anglais, Français

Appel – « L’adaptation – De la bande-dessinée (et comics) aux films et/ou vice versa » (hiver 2023)

D’après les éditeurs de Transmédialité, Bande dessinée et Adaptation (2019), la bande dessinée aurait été tenue à l’écart de la réflexion sur l’intermédialité alors que l’on peut retracer la naissance de la première adaptation filmique de BD aussi loin qu’au 19e siècle, avec L’arroseur arrosé des frères Lumière. A l’époque, cette nouvelle forme de divertissement qu’était le cinéma aurait non seulement cherché d’accéder à une certaine crédibilité artistique mais aussi à une stabilité narrative, en s’inspirant des autres médiums, déjà bien assis. Bien que le 7e art ait notamment puisé dans les genres romanesque et dramatique, l’adaptation de bande dessinées avait (et maintient), d’après Burke, une présence non négligeable dans le corpus. Cela ne semble en effet pas étonnant puisque, « en établissant une relation active avec son lecteur durant le processus de lecture, [le système bédéique] devient un médium au riche potentiel lorsqu’il s’agit de contribuer à la compression des mécanismes narratifs propres au contexte numérique, où tant la non-linéarité de la trame que le type de lecture qui implique activement le lecteur deviennent l’essence de l’acte narratif » (Deprêtre et Duarte, 9).

Bien que nous ne comptons pas revenir, dans ce dossier, sur les successifs courants de pensée de la critique sur l’adaptation cinématographique, nous aimerions prolonger la réflexion entamée par ces collègues concernant les dialogues entre la BD (à entendre au sens large) et le médium filmique. Même si certains estiment que les adaptations de BD n’ont que rarement été édifiés au rang de canon, figurent quasiment jamais dans la liste des meilleurs films, ni n’emportent la faveur des fans (Lefèvre, 1), nous pensons que les échanges qui parcourent les corpus bédéique et filmique méritent une attention plus soutenue. L’objet « BD » se laisse en effet saisir comme un médium composite, en tant que combinaison d’images et de mots, fonctionnant à la fois ensemble et indépendamment en vue de raconter une histoire. Il partage donc un certain nombre de caractéristiques avec le cinéma tout en évoquant également les pratiques romanesques, mais ne peut être réduit ni à l’un ni à l’autre de ces médiums.

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Parution : Ink-Stained Hollywood. The Triumph of American Cinema’s Trade Press (Eric Hoyt)

Eric Hoyt, Ink-Stained Hollywood. The Triumph of American Cinema’s Trade Press, University of California Press, 2022.

A free open access ebook is available upon publication. Learn more at www.luminosoa.org.

For the first half of the twentieth century, no American industry boasted a more motley and prolific trade press than the movie business—a cutthroat landscape that set the stage for battle by ink. In 1930, Martin Quigley, publisher of Exhibitors Herald, conspired with Hollywood studios to eliminate all competing trade papers, yet this attempt and each one thereafter collapsed. Exploring the communities of exhibitors and creative workers that constituted key subscribers, Ink-Stained Hollywood tells the story of how a heterogeneous trade press triumphed by appealing to the foundational aspects of industry culture—taste, vanity, partisanship, and exclusivity. In captivating detail, Eric Hoyt chronicles the histories of well-known trade papers (Variety, Motion Picture Herald) alongside important yet forgotten publications (Film SpectatorFilm Mercury, and Camera!), and challenges the canon of film periodicals, offering new interpretative frameworks for understanding print journalism’s relationship with the motion picture industry and its continued impact on creative industries today.

Eric Hoyt is the Kahl Family Professor of Media Production at the University of Wisconsin–Madison. He is author of Hollywood Vault: Film Libraries before Home Video and is Director of the Media History Digital Library and the Wisconsin Center for Film and Theater Research.