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Parution : Dérégler l’art moderne. De la caricature au caricatural, au XIXe siècle (Bertrand Tillier)

Depuis la Renaissance, les peintres ont pratiqué la caricature, d’abord comme un jeu d’atelier, puis comme une intervention politique et sociale à destination de l’opinion publique, à la faveur des Lumières et de la Révolution française. Tout au long d’un xixe  siècle attaché aux normes, aux genres et aux hiérarchies, qui a été le siècle de la reproductibilité technique des images et de la densification de leur circulation, le champ artistique s’est trouvé confronté à l’inflation des images satiriques. Grimaçante et expressive, la caricature a connu une expansion inédite, qui a d’abord été perçue comme une menace pour la peinture, d’autant que Hogarth, Goya, David, Delacroix ou Daumier s’y adonnaient.

Progressivement, cet objet partisan et utilitaire, doté d’une faible légitimité artistique et culturelle, considéré comme ingrat et régressif, quand il ne passait pour vulgaire, a pourtant été disjoint de ses intentions initiales  – le comique, la polémique et la critique –, pour devenir un langage formel. De la sorte, les procédés usuels de l’image satirique  – la déformation, l’exagération, l’altération ou la condensation  – se sont institués en moyens plastiques, selon un double processus de translation et de déterritorialisation qui caractérise aussi la modernité de Courbet, Cézanne ou Ensor.
Cet essai analyse comment, dans l’historiographie, la critique d’art et la pratique même des artistes, la caricature et son arsenal de dérèglements sont devenus, jusqu’au xxe  siècle, le lieu d’invention du caricatural, comme en témoignent les œuvres de Rouault, Klee, Grosz, Picasso, Erró, Basquiat ou Combas.

Parution : Dérégler l’art moderne (Tillier)

Bertrand Tillier, Dérégler l’art moderne. De la caricature au caricatural, au XIXe siècle, Hazan, 2021

Depuis la Renaissance, les peintres ont pratiqué la caricature, d’abord comme un jeu d’atelier, puis comme une intervention politique et sociale à destination de l’opinion publique, à la faveur des Lumières et de la Révolution française. Tout au long d’un xixe  siècle attaché aux normes, aux genres et aux hiérarchies, qui a été le siècle de la reproductibilité technique des images et de la densification de leur circulation, le champ artistique s’est trouvé confronté à l’inflation des images satiriques. Grimaçante et expressive, la caricature a connu une expansion inédite, qui a d’abord été perçue comme une menace pour la peinture, d’autant que Hogarth, Goya, David, Delacroix ou Daumier s’y adonnaient.

Progressivement, cet objet partisan et utilitaire, doté d’une faible légitimité artistique et culturelle, considéré comme ingrat et régressif, quand il ne passait pour vulgaire, a pourtant été disjoint de ses intentions initiales  – le comique, la polémique et la critique –, pour devenir un langage formel. De la sorte, les procédés usuels de l’image satirique  – la déformation, l’exagération, l’altération ou la condensation  – se sont institués en moyens plastiques, selon un double processus de translation et de déterritorialisation qui caractérise aussi la modernité de Courbet, Cézanne ou Ensor.

Cet essai analyse comment, dans l’historiographie, la critique d’art et la pratique même des artistes, la caricature et son arsenal de dérèglements sont devenus, jusqu’au xxe  siècle, le lieu d’invention du caricatural, comme en témoignent les œuvres de Rouault, Klee, Grosz, Picasso, Erró, Basquiat ou Combas.

Parution : Textes à vif. Tatouages, transferts et performances (Revue La Peaulogie, n° 5)

La Peaulogie. Revue des sciences sociales et humaines sur la peau, n° 5, « Textes à vif. Tatouages, transferts et performances », hiver 2020.

Marques corporelles, inscriptions, traces, piqûres, griffures, fleurs de bagne, bousilles, brouillages, matricules, ce numéro explore la mise en scène encrée du corps à travers différentes pratiques artistiques, sociales, esthétiques et éthiques. Que dit la citation sur le corps ? Comment le corps tatoué s’inscrit‑t‑il dans l’espace ? Comment est‑il lu, vu, perçu ? Comment devient‑il lisible ? Que performe‑t‑il ? Le tatouage relève‑t‑il d’une littérature dessinée, calligraphiée, performée ?

Dans la lignée du volume consacré à l’imaginaire du tatouage (La Peaulogie, 4) et dans le cadre du projet pluriannuel, international, et transdisciplinaire La littérature dans la peau, le numéro Textes à vif. Tatouages, transferts, performances analyse la mise en texte du corps, en étant davantage centré sur l’art corporel. On y interroge notamment la pratique du tatouage, de l’auto‑tatouage et la façon dont ces marquages sont représentés au cinéma, dans la chanson, la littérature et le spectacle vivant. Écrire, créer et encrer convergent dans des espaces de création, de sociabilité et de constructions identitaires qu’il s’agit d’étudier pour mieux comprendre la façon dont le corps qui parle est semblable au langage performatif lorsqu’il est tatoué.

Ce numéro propose donc de cartographier et de mettre en lumière des occurrences de textes à vif au cinéma (Jean Vigo, Peter Greenaway, Christopher Nolan), dans la chanson réaliste (Marie Dubas, Aristide Bruant), le roman victorien (A Laodicean de Thomas Hardy), la fiction contemporaine comme dans la bande dessinée (Paco les mains rouges), ou encore à travers des poèmes‑portraits et les pratiques d’artistes performeurs comme Jean‑Luc Verna et Yoann Sarrat, de façon à mieux comprendre la richesse de ces corps‑écrans, corps‑scènes et autres corps‑livres.

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