Archives par mot-clé : culture visuelle / visual culture

Parution : Dérégler l’art moderne (Tillier)

Bertrand Tillier, Dérégler l’art moderne. De la caricature au caricatural, au XIXe siècle, Hazan, 2021

Depuis la Renaissance, les peintres ont pratiqué la caricature, d’abord comme un jeu d’atelier, puis comme une intervention politique et sociale à destination de l’opinion publique, à la faveur des Lumières et de la Révolution française. Tout au long d’un xixe  siècle attaché aux normes, aux genres et aux hiérarchies, qui a été le siècle de la reproductibilité technique des images et de la densification de leur circulation, le champ artistique s’est trouvé confronté à l’inflation des images satiriques. Grimaçante et expressive, la caricature a connu une expansion inédite, qui a d’abord été perçue comme une menace pour la peinture, d’autant que Hogarth, Goya, David, Delacroix ou Daumier s’y adonnaient.

Progressivement, cet objet partisan et utilitaire, doté d’une faible légitimité artistique et culturelle, considéré comme ingrat et régressif, quand il ne passait pour vulgaire, a pourtant été disjoint de ses intentions initiales  – le comique, la polémique et la critique –, pour devenir un langage formel. De la sorte, les procédés usuels de l’image satirique  – la déformation, l’exagération, l’altération ou la condensation  – se sont institués en moyens plastiques, selon un double processus de translation et de déterritorialisation qui caractérise aussi la modernité de Courbet, Cézanne ou Ensor.

Cet essai analyse comment, dans l’historiographie, la critique d’art et la pratique même des artistes, la caricature et son arsenal de dérèglements sont devenus, jusqu’au xxe  siècle, le lieu d’invention du caricatural, comme en témoignent les œuvres de Rouault, Klee, Grosz, Picasso, Erró, Basquiat ou Combas.

Colloque : Circulation des cartes postales dans la culture visuelle et littéraire (XXe – XXIe siècle) (en ligne, Institut pour la photographie)

Colloque : Circulation des cartes postales ans la culture visuelle et littéraire (XXe – XXIe siècle)

Institut pour la photographie, en ligne

10-12 mai 2021

Sous la direction de Magali Nachtergael et Anne Reverseau

Ce colloque rassemblera artistes et chercheurs de différents horizons pour explorer le rôle qu’un objet, a priori banal, a pu avoir dans la culture visuelle et littéraire des XXe et XXIe siècles. Il s’agira d’étudier, jusqu’à l’époque contemporaine, les différentes façons dont poètes, écrivains et artistes ont regardé, ont manipulé, ont joué avec la carte postale et comment ils se sont appropriés ou se sont opposés à ce modèle médiatique plus polémique qu’il n’y paraît. Comment la carte postale, en étant réinvestie par les artistes contemporains, en particulier dans les protocoles iconographiques et de collection, connaît un renouveau qui amène aussi un regard critique sur cette production vernaculaire de masse ?

En abordant à la fois l’imaginaire de la carte postale dans les avant-gardes historiques et ses réinventions contemporaines, ce colloque entend proposer une relecture de ce medium moderne qui insiste sur ses enjeux communicationnels. Malgré les fluctuations de la production et la variabilité des supports, la notion de «carte postale» reste opérante et usitée jusque dans les correspondances numériques, témoignant du modèle médiatique qu’elle représente encore aujourd’hui.

Téléchargez le programme complet
Inscription* via mail : contact@institut-photo.com
Colloque gratuit, envoi des liens 24 h avant chaque journée d’intervention 

Parution : Signifiant et matière : l’iconicité et la plasticité dans le document numérique verbal et visuel (Semen n°49)

Semen, n° 49, “Signifiant et matière : l’iconicité et la plasticité dans le document numérique verbal et visuel“, 2021

sous la direction de Marion Colas-Blaise, Maria Giulia Dondero et Emmanuelle Pelard

Sommaire

Iconicité de la matière et iconicité du signifiant, deux modalités d’appropriation de l’œuvre d’art sur support numérique

Odile Le Guern

La saillance : origines perceptives, applications linguistiques, enjeux interdiscursifs

Frédéric Landragin

Écriture et matérialité numérique, de la substance aux formes de l’expression

Audrey Moutat 

Plasticité du billet de recherche en SHS. À propos des co-publications du blog Carnets de Terrain et du site The Conversation

Ingrid Mayeur 

Les évolutions du contenu textuel sur les réseaux socionumériques : une étude de la fonction « stories » d’Instagram

Serena Ciranna

Contraintes et enjeux de la matérialité numérique : les logiciels d’autocomplétion

Rossana De Angelis et Matilde Gonçalves

Actualités scientifiques

Mythe indo-européen et réalités linguistiques : pour une sémiotique historique

Bernard Lyonnet

Héritage saussurien et théories constructivistes du sens. À propos de la parution de Linguistique anthropologique et référentielle de Pierre Frath

Michèle Monte

Parution : Textes à vif. Tatouages, transferts et performances (Revue La Peaulogie, n° 5)

La Peaulogie. Revue des sciences sociales et humaines sur la peau, n° 5, “Textes à vif. Tatouages, transferts et performances”, hiver 2020.

Marques corporelles, inscriptions, traces, piqûres, griffures, fleurs de bagne, bousilles, brouillages, matricules, ce numéro explore la mise en scène encrée du corps à travers différentes pratiques artistiques, sociales, esthétiques et éthiques. Que dit la citation sur le corps ? Comment le corps tatoué s’inscrit‑t‑il dans l’espace ? Comment est‑il lu, vu, perçu ? Comment devient‑il lisible ? Que performe‑t‑il ? Le tatouage relève‑t‑il d’une littérature dessinée, calligraphiée, performée ?

Dans la lignée du volume consacré à l’imaginaire du tatouage (La Peaulogie, 4) et dans le cadre du projet pluriannuel, international, et transdisciplinaire La littérature dans la peau, le numéro Textes à vif. Tatouages, transferts, performances analyse la mise en texte du corps, en étant davantage centré sur l’art corporel. On y interroge notamment la pratique du tatouage, de l’auto‑tatouage et la façon dont ces marquages sont représentés au cinéma, dans la chanson, la littérature et le spectacle vivant. Écrire, créer et encrer convergent dans des espaces de création, de sociabilité et de constructions identitaires qu’il s’agit d’étudier pour mieux comprendre la façon dont le corps qui parle est semblable au langage performatif lorsqu’il est tatoué.

Ce numéro propose donc de cartographier et de mettre en lumière des occurrences de textes à vif au cinéma (Jean Vigo, Peter Greenaway, Christopher Nolan), dans la chanson réaliste (Marie Dubas, Aristide Bruant), le roman victorien (A Laodicean de Thomas Hardy), la fiction contemporaine comme dans la bande dessinée (Paco les mains rouges), ou encore à travers des poèmes‑portraits et les pratiques d’artistes performeurs comme Jean‑Luc Verna et Yoann Sarrat, de façon à mieux comprendre la richesse de ces corps‑écrans, corps‑scènes et autres corps‑livres.

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Lucia Quaquarelli (Université Paris Nanterre)

Lucia Quaquarelli est maîtresse de conférences à l’Université Paris Nanterre (UFR LCE, Département de Langues Étrangères Appliquées), et co-directrice du CRPM (Centre de Recherches Pluridisciplinaires Multilingues ).

Thèmes de recherche
Littérature italienne contemporaine
Etudes postcoloniales et de la migration
Mobilité
Cross/Transmedialité
Culture visuelle
Théorie et pratique de la traduction

CV en ligne 

Appel à contributions : Cultures urbaines et littératures francophones

Revue Interculturel Francophonies n°42, novembre-décembre 2022.

DOSSIER: Cultures urbaines et littératures francophones

Les cultures urbaines ont, dès leur émergence, eu une relation très évidente avec la littérature.  Ce lien est aujourd’hui illustré par l’existence d’une littérature urbaine dynamique qui rend compte des réalités diverses et particulières de certaines grandes métropoles comme Dakar, Londres, New York, Paris, Johannesburg ou Lagos. L’importance qualitative et quantitative de cette catégorie esthétique a poussé Céline Ngi (cité par Steve Puig), à avancer que «plus qu’une tendance sociale, la littérature urbaine s’est affirmée ces dernières années comme un vrai mouvement littéraire, avec ses propres codes stylistiques, ses références et ses objectifs » (Puig, 60: 2019). Elle tient son originalité aussi de son rapport particulier avec les expressions culturelles et artistiques nées dans l’espace urbain comme les disciplines du mouvement hip hop. Le rap, par exemple, est considéré par certains comme une musique qui aspire au même statut que la littérature dans la société, si l’on considère sa tendance à dire notre modernité dans ses aspects les plus problématiques. Pour Steve Puig «il n’est d’ailleurs totalement pas fortuit de considérer le rap et la littérature urbaine comme deux façons de faire passer le même message» (p.67). G. Andi Rhos, voulant montrer l’influence que l’art afro-américain exerce sur la littérature urbaine, n’hésite pas à présenter celle-ci comme une version littéraire du rap à cause justement de sa thématique et de l’univers décrit qui rappellent fortement les réalités des ghettos américains (2006). En dehors du rap, le slam, le tag, le graffiti, le street art, la break dance ainsi que les sports urbains font aussi leur apparition dans bon nombre de récits dont les auteurs sont souvent issus des banlieues des grandes villes. Ces éléments constitutifs des cultures urbaines y exercent une influence décelable dans les intrigues et la forme des textes.      Continuer la lecture de Appel à contributions : Cultures urbaines et littératures francophones

Appel à contributions : défilement, projection, performance. La lanterne magique comme dispositif narratif

Défilement, projection, performance. La lanterne magique comme dispositif narratif
Les Cahiers de narratologie (juillet 2022)

Sous la direction de Sébastien Fevry (UCLouvain) et Philippe Marion (UCLouvain)

Trop souvent, la lanterne magique reste considérée comme un simple précurseur du cinéma, n’ayant finalement d’intérêt que par son aspect pré-cinématographique dans une histoire du cinéma pensée erronément de façon téléologique. Or, on sait aujourd’hui que la lanterne constitua un média de masse très populaire au XIXe siècle, utilisée non seulement à des fins de divertissement, mais aussi pour des usages scientifiques, religieux ou propagandistes. À la fin du XIXe siècle, des plaques pour lanternes étaient produites à grande échelle, tant aux États-Unis qu’en Europe, tandis qu’une grande diversité de lanternes optiques étaient commercialisées et utilisées dans le cadre des universités, des écoles, des églises ou simplement dans le salon familial…

À ce jour, les recherches sur la lanterne magique ont surtout été effectuées d’un point de vue historique, pas seulement dans le domaine de l’archéologie médiatique (Mannoni, 2009), mais aussi du point de vue des usages de l’appareil dans le secteur des sciences ou de l’éducation religieuse (Saint-Martin, 2003) par exemple. En plus de certains articles (notamment dans la revue Early Popular Visual Culture), de monographies ou de bases de données comme LUCERNA, des projets de recherche de plus grande ampleur se sont récemment développés au niveau européen comme A Million Pictures ou Bmagic visant à explorer le rôle de la lanterne magique en tant que média de masse en Belgique de 1830 à 1940. Continuer la lecture de Appel à contributions : défilement, projection, performance. La lanterne magique comme dispositif narratif

Colloque en ligne : Représentation(s). Cultures visuelles des spectacles marginaux (XVIIIe-XIXe siècles)

Représentation(s). Cultures visuelles des spectacles marginaux (XVIIIe-XIXe siècles)

Colloque international, Université de Lausanne (en ligne), 12-13 novembre 2020

Lien Zoom : https://unil.zoom.us/j/91834008598
Mot de passe : 545106

Le XVIIIe et le XIXe siècle ont connu un développement jusqu’alors inédit dans la multiplication et la diversification des spectacles. En parallèle et parfois en concurrence avec les théâtres institutionnels voient le jour et se développent un grand nombre d’autres formes non institutionnelles et marginales de spectacles : petits théâtres contournant avec inventivité les limitations et interdictions imposées par le système des privilèges, spectacles hybrides, «spectacles de curiosités », c’est-à-dire tous les spectacles « mineurs » qui ne sont pas considérés par l’autorité publique comme du théâtre, ou encore théâtres de société, organisés par des particuliers et soustraits aux circuits commerciaux et à l’industrie du spectacle.

Les recherches récentes ont redonné une dignité à ces formes marginales de spectacle, mettant en lumière leur intérêt pour l’histoire culturelle, mais également pour l’évolution du goût et de l’esthétique qui touchent toute la production des époques concernées. Ces recherches se sont principalement orientées d’une part sur l’étude de répertoires, formes et auteurs, d’autre part sur la nature des lieux investis par les représentations, dans leur double dimension d’espace scénique et d’espace social.

Ce colloque veut proposer une nouvelle approche, transversale et interdisciplinaire, à ces formes de spectacle en interrogeant la notion de représentation dans sa matérialité concrète et visuelle et dans le double sens qu’historiens et philosophes s’accordent pour donner au terme. Continuer la lecture de Colloque en ligne : Représentation(s). Cultures visuelles des spectacles marginaux (XVIIIe-XIXe siècles)

Post-doc Vacancy as Part of the EOS-funded project “The Magic Lantern and its Cultural Impact as Visual Mass Medium in Belgium (1830-1940)”

Université Catholique de Louvain (UCLouvain) is looking for one post-doc to work under the supervision of prof. Philippe Marion and prof. Sébastien Fevry on the EOS-funded project “The Magic Lantern and its Cultural Impact as Visual Mass Medium in Belgium (1830-1940)” (B-Magic).

B-Magic is a four-year EOS-funded project which started in March 2018 and is led by prof. Kurt Vanhoutte (University of Antwerp). This project has set out to write the as yet unwritten history of the magic lantern as a mass medium in Belgium. The project’s results are an essential contribution to the study of the country’s cultural history as well as to international media historiography. B-Magic aims to rediscover the various functions of the lantern performance within the Belgian public sphere, in particular, its use in the transmission and negotiation of knowledge, norms and values by different societal groups. Scientists and entertainers, teachers and priests, political movements and organizations: they all used projected visual narratives to inform, entertain, educate and mobilize audiences of sometimes more than a thousand people per occasion. The lantern was the first visual mass medium to contest the printed word as a primary mode of information and instruction. All layers of society, both literate and illiterate, received visual information about nature, religion, science, new technologies and foreign countries through this fascinating “projection medium”. The B-Magic consortium researches the pivotal role of the magic lantern in Belgian society from the country’s independence (1830) up to 1940, when its use declined. To this end, it brings together an interdisciplinary team of researchers from Performance Studies, Cinema and Media Studies, Urban History, History of Science and Knowledge, Communication Studies, Semiotics, and Narratology. B-Magic will produce the first comprehensive study of the role of the magic lantern as a mass medium in a country.

As part of this project, a two-year 75% part-time post-doc position (to start in January 2021), is offered at UCL. This new mandate is a continuation of a first post-doc assignment awarded from 2018 to 2020 and is in relation with the following subprojects: Continuer la lecture de Post-doc Vacancy as Part of the EOS-funded project “The Magic Lantern and its Cultural Impact as Visual Mass Medium in Belgium (1830-1940)”

Nineteenth-Century Transmedia Practices

Type: Call for Papers
Date: January 30, 2020 to February 1, 2020
Subject Fields: Popular Culture Studies, Journalism and Media Studies, Literature, Cultural History / Studies, Art, Art History & Visual Studies
 

CFP, International Symposium: “Nineteenth-Century Transmedia Practices”

30th January – 1st February 2020

University of Vienna, Austria

Organizers: Univ.-Prof. Dr. Monika Pietrzak-Franger (University of Vienna, Austria) and Prof. Dr. Christina Meyer (FU Berlin, Germany)

The notion that media content can proliferate and that consumption practices converge has given rise to a host of fascinating research projects in and outside of academia in the past years. Next to pedagogy, literary and cultural studies, such disciplines as economics, film and media studies along with legal studies have begun to trace, analyze and interpret various patterns and practices of transmediality. Simultaneously, numerous (globally operating) transmedia consulting companies began to invest in transmediality as a central marketing strategy (M.-L. Ryan 2017). In general, scholarship on transmediality has tended to focus on contemporary participatory media practices and media convergences in a networked culture (e.g. Jenkins, Ford, and Green 2013) along with addressing various principles of storytelling (cf. H. Jenkins 2008; M. Freeman 2017, 2018; M.-L. Ryan & J.-N. Thon 2014; etc.). In the meantime, some efforts have been made to trace historical developments and cultural specificities in transmedia practices (esp. Freeman 2014, 2016), very few of these, however, went beyond the beginnings of the 20th century.

This conference aims to instead focus on the historicity of transmedia practices, with particular focus on the long nineteenth century (roughly from 1780 to 1920), a century that famously saw the birth of the mass media and brought the “frenzy of the visible” (J.-L. Comolli 1980). We understand practices not just as activities or performative acts of an individual, or a human being, but of ‘transpersonal” institutions (such as clubs, libraries, academies, advertising companies, syndicates, etc.). We thus read practices as forms and ways of actions, agency and performance that are discursive and systemic (networked) rather than as isolated acts. Moreover, the conference is interested in how specific content(s) in multiple media that stay recognizably the same dispersed across cultures in a time before digital convergence. Tracing the processes, economics and technologies involved in transmedia practices and the aesthetics of expansion and transgression in the long nineteenth century will allow for an enhanced understanding of specific configurations in the past and reconfigurations in our present moment. We are interested in contributions, both case studies that may act as models for specific developments as well as more theory-driven investigations, that address questions like:

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