Archives par mot-clé : culture visuelle / visual culture

Parution : Le Trésor d’Épinal. Imagerie populaire (J. Heim, C. Rochette)

Jennifer Heim, Christelle Rochette, Le Trésor d’Épinal. Imagerie populaire, Paris, Gallimard, coll. “Découvertes”, 2022.

Parmi les centres imagiers qui s’épanouissent en France au début du XIXe siècle, Épinal, dans les Vosges, se distingue rapidement par sa production et sa notoriété internationale. À travers les collections du musée de l’Image, cet ouvrage nous révèle l’art de fabriquer ces estampes coloriées au pochoir, leur diffusion dans les campagnes, et leurs nombreux usages : décorer les intérieurs modestes, protéger tel un talisman, informer des faits d’actualités, raconter l’épopée napoléonienne, éduquer, distraire.

Dans les années 1850, la lithographie remplace la gravure sur bois et fait entrer la production dans l’ère industrielle. La concurrence fait rage, à grands renforts de nouveautés qui ciblent le jeune public, avec l’édition d’historiettes et d’abécédaires, de jeux de société et de construction. Autant d’images d’Épinal qui appartiennent à notre mémoire collective.

Appel à contributions : Dispositifs spectaculaires dans le long XIXe siècle (Université de Lausanne)

Conférence internationale : Dispositifs spectaculaires : cultures visuelles, littéraires et matérielles de l’émerveillement dans le long XIXe siècle

Université de Lausanne,  1-2 décembre 2022

Échéance des propositions : 18 septembre 2022

Ce colloque vise à investiguer, dans une optique d’interdisciplinarité, valeurs, critères et modalités qui régissent les représentations de l’émerveillement, de l’étonnement et des approches spectaculaires dans la culture visuelle du long XIXe siècle. Une attention particulière sera portée à la manière dans laquelle les notions d’émerveillement et de spectaculaire sont dépeintes, perçues, diffusées, mises en question, reprises et modifiées.
L’importance croissante des individualités liée à la période romantique, ainsi qu’une demande grandissante d’images, ont nourri, entre autres, les représentations d’émerveillement et de spectaculaire, entendu comme l’étonnant, l’impressionnant, le sensationnel, l’extra-ordinaire. L’industrialisation, tout comme les nouvelles technologies, a sans doute aidé à développer des nouvelles formes d’expression visuelle et culturelle. Cette matérialité résulte dans une multitude de supports, médias et pratiques qui se soutiennent mutuellement et se réfèrent les uns aux autres. Peintures, estampes, photographies, écrans portatifs, toute sorte de boîtes à images ou encore des textes littéraires, pour ne mentionner que quelques-uns, contribuent à des synergies et dialogues entre facettes de la matérialité. Dans ce contexte, les représentations de l’émerveillement et du spectaculaire permettent la connexion entre différentes sphères, telles que, par exemple, l’émotionnel et le pragmatique, le fantastique et le réaliste, ou encore le spirituel et le tangible.
Deux aspects sont ici importants dans le cadre de ce colloque : les valeurs de l’émerveillement et du spectaculaire et la capacité de projection et de production d’images qui est ancrée dans ces notions. Dans un premier temps, les valeurs de l’émerveillement et du spectaculaire permettent une analyse multiple de la manière dans laquelle ces notions sont exprimées, des médias qui sont impliqués dans ce processus de matérialisation et des codes et règles sur lesquels elles reposent. L’interdisciplinarité du discours est cruciale pour l’étude des interactions, échanges et correspondance entre plusieurs contextes. Deuxièmement, les représentations de l’émerveillement et du spectaculaire contribuent à la création d’une série d’images et d’espaces imaginaires qui méritent une discussion approfondie. Ces dimensions communiquent entre elles, facilitant l’essor de nouvelles formes de représentation et d’expression menant à des nouvelles réalités visuelles et littéraires, ainsi qu’à des nouveaux dispositifs et thématiques.
L’objectif de ce colloque est de réunir ces multiples dimensions et d’étudier leurs différentes formes d’expression.

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Parution : Aquariorama. Histoire d’un dispositif (Guillaume Le Gall)

Guillaume Le Gall, Aquariorama. Histoire d’un dispositif, Sesto San Giovanni (Italie), Mimèsis, 2022.

Apparu dans les années 1840, l’aquarium offre un accès visuel à un milieu et à des formes en mouvement jusqu’alors inaccessibles. Cette révolution du regard marque une rupture dans l’histoire de la représentation. Mais cet objet technique va rapidement sortir de son cadre expérimental et fournir dans le contexte des expositions universelles des mises en scène spectaculaires et des images luminocinétiques originales.

De ce point de vue, l’aquarium est un objet hybride qui s’enracine dans la culture visuelle et littéraire du XIX e siècle, et au-delà, au point de constituer une forme paradigmatique des dispositifs de vision à travers.

Ce livre propose une archéologie de l’aquarium comme média en replaçant cet objet dans une nouvelle généalogie des dispositifs optiques, depuis le diorama daguerrien jusqu’aux tableaux lumineux de Jeff Wall en passant par le cinéma, la vitrine, la morgue, le théâtre de Loïe Fuller ou l’architecture de la serre.

Appel à contributions : L’œil numérique (Sociétés & Représentations, n° 55, 2023)

“L’œil numérique”, Projet de n° 55 de Sociétés & Représentations, 2023

Échéance des propositions : 15 décembre 2021

Dirigé par Laurence Danguy et Julien Schuh


En 2020, Alain Boillat thématise dans l’un des chapitres de son Introduction à l’étude des cultures numériques, l’œil machine, à partir des films de science-fiction des années 1980, qui internalisent l’ordinateur en le mettant en abyme sous forme d’un écran dans l’écran. Dans un autre chapitre, Claus Gunti, qui s’intéresse aux nouvelles pratiques photographiques, insiste sur l’importance du paradigme post-digital, conceptualisé à la fin des années 2000 pour en finir avec une assignation utilitaire des technologies numériques. Ces deux exemples illustrent une défiance face à l’impact du numérique sur l’œil et le regard, mis à distance, soit au moyen d’une réduction visuelle assez littérale par la voie filmique, soit via un discours réorganisant la théorie des signes de Charles Sanders Pierce. À partir des années 1990 mais surtout des années 2000, le numérique, dans ses différentes acceptions – programmation, application, médiatisation et création –, colonise l’ensemble de la sphère sociale, et sature l’espace physique, géographique et même cosmogonique, comme en témoigne une série de créations artistiques dans la lignée de l’œuvre-culte Et moi dans tout ça ? de Maurice Benayoum (1995). Dès lors, il occupe et préoccupe les esprits. La relation entre l’homme social et son environnement numérique, qui se caractérise dès l’origine par un double mouvement de fascination et de répulsion, ne cède pas mais, au contraire, se tend. À l’aube des années 2020, elle est recouverte d’une fausse passivité, masquant une méfiance, dont l’acuité a été révélée par les théories complotistes autour du Covid, qu’il s’agisse de la technologie 5G, réputée délétère ou d’un vaccin, qui implanterait une puce dans le corps humain, un œil numérique digne d’Orwell, cette fois. Le fait que ces « théories » soient propagées sur les réseaux sociaux et des blogs par les technologies numériques ne peut qu’augmenter une tension exacerbée par un rapport de dépendance anxiogène, propre à alimenter des fantasmes de type paranoïaques ou mégalomaniaques.

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Parution : La Science en mouvement. La presse de vulgarisation scientifique au prisme des dispositifs optiques (1851-1903) (Axel Hohnsbein)

Axel Hohnsbein, La science en mouvement. La presse de vulgarisation scientifique au prisme des dispositifs optiques (1851-1903), Épistémocritique, 2021. 

On ignore beaucoup de la façon dont le public a accueilli la presse de vulgarisation scientifique au XIXe siècle. On sait en revanche que l’attrait qu’a pu exercer ce pan monumental de la presse dure encore et qu’il repose en grande partie sur les illustrations de ces périodiques. Cette évidence se mesure facilement à l’aune d’Internet, qui regorge d’images empruntées aux périodiques de vulgarisation scientifique, La Nature en particulier.
Elle se mesure aussi à l’aune des pratiques artistiques, le travail de Max Ernst sur La Femme 100 têtes constituant l’exemple le plus frappant de la persistance de cette iconographie dans notre « inconscient optique » :  Max Ernst fait le choix rare, viale collage, d’intégrer à sa réflexion le support médiatique ayant nourri l’imaginaire des lecteurs de cette époque, pointant du doigt la parenté et surtout la persistance des sentiments que peuvent susciter ces machines et les textes illustrés voués à les vulgariser. C’est sur la naissance, la construction et l’évolution de ce lien diffus entre optique et presse de vulgarisation scientifique du XIXe siècle que porte cette étude.

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Appel à contributions : Âgisme : construction et déconstruction des représentations liées à l’âge dans la littérature, les arts et les médias (revue Traits d’union)

“Âgisme : construction et déconstruction des représentations liées à l’âge dans la littérature, les arts et les médias”

Journée d’études : Maison de la Recherche de l’Université Sorbonne Nouvelle (4 Rue des Irlandais, Paris) – en format hybride, 22-23 octobre 2021

Publication : Revue Traits d’Union

Échéance des propositions : 3 septembre 2021

Le 12e numéro de la Revue Traits d’Union se propose d’étudier la notion d’âgisme et ses représentations dans la littérature, les arts et les médias. Ce concept permet essentiellement d’identifier et de dénoncer les stéréotypes et les discriminations qui affectent la vieillesse, classe d’âge qui tend à être invisibilisée et stigmatisée dans les représentations et les pratiques. Il est possible cependant de l’étendre à l’ensemble des discriminations fondées sur l’âge, notamment celles qui touchent la jeunesse. Il s’agira ainsi de voir comment la littérature, les arts et les médias participent au renforcement, à la dénonciation ou à la déconstruction des stéréotypes âgistes.

La Revue Traits d’Union publie prioritairement de jeunes chercheur·euse·s, doctorant·e·s et jeunes docteur·e·s, en lettres, arts, médias, sciences humaines et sociales.

Apparu pour la première fois en 1969 sous la plume de Robert Butler, le terme « âgisme » désigne « une profonde gêne chez les jeunes et les personnes d’âge moyen – une répugnance personnelle et un dégoût envers le vieillissement, la maladie et l’infirmité ;

ainsi que la peur de l’impuissance, de l’inutilité et de la mort1 ». Il prend peu à peu sa place dans le langage courant, faisant émerger l’idée qu’à l’instar d’autres formes de discriminations comme le racisme ou le sexisme2, il existe une ségrégation en fonction de l’âge. D’ailleurs, la pandémie de Covid-19 qui a frappé le monde à partir de 20193 ou encore le débat récurrent sur les retraites4 en France, tout comme celui sur les Ehpad5, ne font que réactualiser les stéréotypes que l’on accole aux personnes âgées. Il n’est qu’à lire La Vieillesse de Simone de Beauvoir6, tout récemment réédité, ou encore Histoire de la vieillesse de Jean-Pierre Bois7 pour s’en rendre compte.

Vieillesses et stéréotypes

Il s’agirait pourtant de clarifier tout d’abord ce que désigne la vieillesse, notion aussi vague que fluctuante. En effet, on ne vieillit pas de manière uniforme suivant sa classe sociale, son activité professionnelle, son parcours de vie, son environnement, etc. De plus, la représentation de la vieillesse varie selon l’époque et la culture. Chaque vieillesse est singulière et pourtant la représentation de la vieillesse donne lieu à un ensemble de stéréotypes qui sont souvent négatifs. Certes, celles-ci présentent aussi la figure bienveillante du grand-parent adoré (Victor Hugo, L’art d’être grand-père, Madame de Grand Air dans la série de bandes-dessinées Bécassine) ou celle du vieux sage (Socrate peint par Jacques-Louis David ou Salvator Rosa, le père Fouras dans l’émission Fort Boyard) dont l’expérience profite à tou·te·s mais cette image est minoritaire, du moins en Occident8. Ici encore, la nuance est de mise et chaque aire géographique et culturelle semble présenter son lot de spécificités.

Qu’en est-il alors des stéréotypes liés à la vieillesse ? Existe-t-il des invariants ? Quel lien y a-t-il entre ces représentations caricaturales et la société qui les produit ? Quelle place l’aire géographique et l’ère temporelle prennent-elles dans leurs constructions ? En termes artistiques et médiatiques, les formes, mouvements et supports jouent-ils un rôle dans la manière dont l’âgisme transparaît ? Les arts et les médias sont-ils des vecteurs efficaces pour déconstruire ces représentations ? Quels chemins, singuliers ou communs, ces déconstructions prennent-elle ? Les circonvolutions langagières pour désigner cet âge de la vie – 3e âge, 4e âge, seniors – ne sont-elles pas déjà une trace de cet âgisme ? Si « gros » ne devrait pas être un gros mot9, n’en serait-il pas de même pour « vieux » ? Ces quelques questionnements ne peuvent qu’être frappés du sceau de l’incomplétude, d’autant que l’aspect intersectionnel a une place prépondérante dans la construction mais aussi dans la déconstruction de ces stéréotypes âgistes.

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Appel à contributions : “Parcours au coeur de la Photolittérature pour la jeunesse” (Revue Internationale de Photolittérature)

“Parcours au coeur de la Photolittérature pour la jeunesse”

Revue Internationale de Photolittérature 

Échéance des propositions : 15 octobre 2021

Une actualité récente montre un intérêt actuel et international pour la littérature pour la jeunesse qui accueille des photographies. En effet, une exposition d’ouvrages photolittéraires italiens et internationaux pour la jeunesse, intitulée « Look Book » a été présentée aux spectateurs à La Fondazione Pastificio Cerere de Rome à l’automne dernier. L’exposition « Clic Clac la photographie dans le livre jeunesse » se tient depuis février 2021 à la médiathèque Jose Cabanis de Toulouse et accueille table ronde et conférence sur l’histoire de ces productions. Le CNLJ de la BNF a accueilli la conférence « 150 ans de livres photo-illustrés » le 16 avril dernier. Enfin, un colloque « Photography in Children Literature », réunissant les spécialistes internationaux de la littérature de jeunesse désireux de s’intéresser à ces ouvrages, s’est tenue à Stockholm en mai dernier.

La photolittérature pour enfant est devenue un indicateur privilégié des idées que les adultes se font de la photographie, de son rôle éducatif et illustratif. Le champ de la photolittérature pour enfants est également un terrain d’exploration et de jeu qui accueille de nouveaux dispositifs photo-textuels défiant nos habitudes de lire (telles les œuvres de Katy Couprie) et devenant suffisamment bons pour être lus par les enfants (comme l’insinue Michel Tournier lors de la réécriture et adaptation de ses livres adultes au jeune public). On peut même faire le constat que la photographie a fait plus que laisser son empreinte sur le livre pour enfants. Elle a construit avec lui un nouveau genre d’ouvrages.

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Appel à publications : Cultures publicitaires (Sociétés & Représentations)

Appel à publications : « Cultures publicitaires », Revue Sociétés & Représentations (Éditions de la Sorbonne)

Date limite d’envoi des articles : 15 octobre 2021

Située au croisement de nombreux champs d’études (études visuelles, histoire et géographie urbaines, histoire des médias, histoire de l’art, histoire de la photographie, histoire du design, histoire du graphisme, sociologie, sémiologie, littérature, etc.), la publicité a pris, à l’époque contemporaine, des formes variées : placards, affiches, enseignes, imprimés, spots radio ou télé-diffusés, dessins de lettres, de logos ou de modèles, marketing web, participent à modeler le rapport des individus à la société commerciale.

Ce numéro thématique de la revue Sociétés & Représentations souhaite faire le point sur les recherches récentes touchant à l’histoire publicitaire, de la Révolution à nos jours, en interrogeant les formes et les objets de la (ou des) culture(s) publicitaire(s). Quelles sont les méthodes, les sources à la disposition des historiens pour saisir ces objets ? Pour quelle histoire ?

Afin de croiser les approches, plusieurs axes peuvent être envisagés, qu’ils touchent à l’esthétique publicitaire, à la construction d’une identité visuelle d’une industrie, d’un commerce ou d’un produit, aux espaces publics de la publicité, ou, dans une perspective d’histoire sociale, à la culture d’entreprise ou d’atelier, et aux usages de celle-ci. Peut également être interrogée, dans la perspective d’une histoire visuelle, la présence de la publicité dans les représentations, la manière dont elle est discutée par les critiques d’art et théoriciens, ou encore l’influence qu’elle a pu exercer sur les créateurs.

Plus largement, à travers l’étude des pratiques et des acteurs, il s’agit de cerner les contours d’une ou de plusieurs cultures publicitaires, voire d’en examiner les enjeux au-delà du seul cadre commercial. Comment ces pratiques et stratégies publicitaires, sans cesse élargies, modèlent-elles les rapports sociaux mais aussi l’environnement (urbain, rural) ? L’histoire culturelle et sociale, ainsi que l’histoire des médias ou de la communication politique, interrogent ainsi l’appropriation par différents acteurs d’une rhétorique publicitaire – les stratégies d’autopromotion, de médiatisation, de construction d’une identité publique ou professionnelle –, dont les enjeux sont parfois explicitement politiques. Les pratiques contestataires (adbusting, détournements d’affiches ou de panneaux publicitaires) pourront à ce titre être envisagées en tant que révélateur de rapports critiques, voire hostiles, à la culture publicitaire.

Il s’agira, enfin, de poser la question plus anthropologique d’une économie de l’attention (du consommateur, du flâneur, du spectateur) propre à l’époque contemporaine.

Modalités de soumission :

Les articles, d’une longueur de 25 000 à 40 000 signes (espaces et notes compris), devront être envoyés avant le 15 octobre 2021 à Anne-Sophie Aguilar et Eléonore Challine, coordinatrices du numéro :

eleonore.challine@univ-paris1.fr

annesophie.aguilar@parisnanterre.fr

Colloque : Cultures populaires et savantes. Frontières de la légitimité (université d’Artois)

Colloque doctoral international Cultures populaires et cultures savantes : frontières de la légitimité

9-10 septembre 2021

Université d’Artois (Arras), Maison de la Recherche, salle des colloques

Coorganisé par Anne Besson (Université d’Artois), Alain Boillat (UNIL) et Matthieu Letourneux (Université Paris-Nanterre)

Dans le cadre du programme doctoral « Dispositifs de vision : cinéma, photographie et autres médias »

Programme :

Jeudi 9 septembre 2021

Ouverture 9h

Mot d’accueil 9h30

Matinée
Séance 1 « Partages de l’autorité au XXe siècle »
(présidence, Alain Boillat)

9h45-10h30 : Séance ouverte par Alain Boillat, « Étude du cinéromanphoto de l’adaptation par AutantLara du Rouge et le noir de Stendhal (1954) : le rôle de légitimation de la référence au patrimoine littéraire français dans des médias populaires »

Pause

10h45-11h15 Sophie Bros (Nanterre) « Du cinéma à l’écrit : le genre de la novellisation ou la légitimité des pratiques culturelles en question »

11h15-11h45 Victoria Pleuchot (Artois) « La littérature prolétarienne : vers une légitimité de l’expérience ? »

11h45-12h15 : discussion

12h30-14h : déjeuner

Après-midi
Séance 2 « Commerce, culture et contre-culture »
(présidence, Matthieu Letourneux)

14h-14h45 Séance ouverte par Matthieu Letourneux, « Énonciation éditoriale et redéfinition de la valeur : l’exemple de Métal hurlant »

Pause

15h-15h30 Raphaël Oesterlé (UNIL) « Entre commerce et patrimonialisation : la pratique de rééditions des éditions Dupuis »

15h30-16h Camille Huygen (UNIL) « Étude des discours de réception, entre industrie cinématographique et mondes de l’art : le cas Giger »

16h-16h15, discussion

Pause

Séance 3 : « Art contemporain et cultures populaires »

16h30 Isabelle Bonnet (Paris 1 Sorbonne), « La photographie de « scène de crime » : la traduction de ses imaginaires dans le champ artistique »

17h Jade Cervetti (Artois), « Artivisme queer : la légitimation du travestissement performatif en France, transformations intra-communautaires et influence exercée par la culture savante »

17h30-18h : discussion

Vendredi 10 septembre

Matinée 2
Séance 4 « Images et imaginaires des genres littéraires et médiatiques »
(présidence Anne Besson)

9h45-10h30 Séance ouverte par Anne Besson, « La pertinence politique, une stratégie de légitimation à double tranchant pour les genres de l’imaginaire »

Pause

10h45 Aliénor Vauthey (UNIL-Artois), « Au coeur du taillis mercantile : les « beaux arbres » de la fantasy française »

11h15 Theodore Deghan (Nanterre), « Une légitimation impossible ? Ce que révèle la production académique dédiée au yaoi sur son sujet »

11h45 Elsa De Smet (PSL), « Portrait d’un trou noir : entre culture populaire et culture scientifique, une image qui fait événement »

12h15-12h45 : discussion

Appel à contributions : Féérie et esthétique: les arts du merveilleux

Féérie et esthétique: les arts du merveilleux 

sous la direction d’Anne Chassagnol

Date limite d’envoi des propositions : 1er septembre 2021

Notification d’acceptation : 10 septembre 2021

Date limite pour le rendu de l’article final : mars 2022

Le conte de fées, qu’il soit politique, moral, scientifique, didactique, féministe ou psychanalytique, a fait l’objet de multiples études qui envisagent ce genre le plus souvent au prisme de la littérature, à travers l’histoire fertile de ses réécritures, de circulations en traductions jusqu’à ses adaptations. La Beauté du merveilleux (2011) d’Aurélia Gaillard et Jean-René Valette interroge la dimension esthétique et épistémique du conte littéraire. De même, Poétiques du merveilleux : fantastique, science-fiction, fantasy en littérature et dans les arts visuels, 2015, sous la direction d’Anne Besson et Évelyne Jacquelin, questionne la plasticité du merveilleux et sa porosité au contact des différents genres des littératures de l’imaginaire.

Mais qu’en est-il de la valeur esthétique du conte en dehors du texte littéraire ? Comment les arts se sont-ils appropriés le conte ? Existe-t-il une esthétique proprement féerique ? Le conte a-t-il une couleur, un goût, une texture ? Quels rapports entretient-il avec l’art pompier, le kitsch, l’art romantique, le surréalisme ou l’art contemporain ? Quelles sont ses affinités avec la musique ? La manière dont le conte traverse les arts, s’en inspire et les irrigue en retour, apparaît de façon ponctuelle, selon des thématiques concentriques, sans pour autant être connexes. Ainsi, la peinture féerique, emblématique de l’époque victorienne, a donné lieu à plusieurs catalogues d’expositions (Jeremy Maas et al., Victorian Fairy Painting, 1997 ; Christopher Wood, Fairies in Victorian Art, 2000). Les rapprochements entre cinéma et conte de fées ont été étudiés par Jack Zipes (The Enchanted Screen: The Unknown History of Fairy Tale-Films, 2011 ; Fairy-Tale Films Beyond Disney: International Perspectives, 2015). De même, les liens entre le théâtre et les arts du spectacle ont fait l’objet de plusieurs travaux (« Le Conte et la Scène, Féeries, n°4, 2007 ; Martial Poirson, dir., Perrault en scène : transpositions théâtrales et contes merveilleux, 1697-1800, 2009. Martial Poirson et Jean-François Perrin, dir., Les Scènes de l’enchantement. Arts du spectacle, théâtralité et conte merveilleux (XVIIe-XIXsiècles), 2011.

Cet ouvrage consacré au conte de fées dans l’art cherche à interroger la dimension esthétique plurielle de la féérie pour mettre en évidence l’influence du conte de fées sur d’autres champs et pratiques artistiques, sans pour autant se limiter à une période ou à une aire géographique.

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