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Appel à contributions : Créer, résister et faire soi-même : le do it yourself (DIY) et ses imaginaires

Journée d’études : Créer, résister et faire soi-même : le do it yourself (DIY) et ses imaginaires

Mardi 4 juillet 2023, UFR STAPS, Université de Franche-Comté, Besançon

Échéance des propositions : 20 février 2023

Cette journée d’étude est en partenariat entre l’ANR Aiôn et le laboratoire Idea (Nancy). Elle fait suite à un cycle de séminaires éponymes qui se sont déroulés en 2022. Elle vise plus précisément à questionner les imaginaires associés au « faire soi-même » à différents niveaux, afin d’approcher la problématique des tensions entre création et résistance. Elle se situe dans une perspective pluridisplinaire. 

Cet appel à communications vient conclure un cycle de séminaires éponymes qui se sont déroulés entre Besançon et Nancy au cours de l’année 2022. Les contributions et les échanges qui ont émergé au cours de ces rencontres ont fait ressortir différentes pistes de réflexion autour des usages du « faire soi-même », pistes que nous souhaitons prolonger à travers cette journée d’étude. Ce projet fait partie du programme de recherche Aiôn (Socio-anthropologie de l’imaginaire du temps. Le cas des loisirs alternatifs) et est élaboré conjointement avec le laboratoire IDEA (Université de Lorraine). L’expression Do it yourself désigne une attitude qui consiste à préférer le « faire par soi-même » plutôt qu’à consommer (cultiver son jardin, construire sa maison, fabriquer ses vêtements, etc.). Une réappropriation de techniques de fabrication ou de création oubliées, remplacées par l’organisation capitaliste, constitue ainsi un moyen de lutter contre le modèle consumériste en place (Duncombe, 2008). Dans une dynamique collective, il accompagne la structuration de véritables « communautés de pratique » (Wenger, 2005) qui en font l’étendard d’un style de vie (Hebdige, 2008 [1979]). Ces dernières tendent à se l’approprier dans une perspective radicale afin de l’ériger comme une « critique en acte de la marchandisation » (Grün, 2022). En ce sens, de nombreux travaux portant sur le Do it yourself (DIY) se situent aux confins des contre-cultures musicales, en particulier du mouvement punk1 (Dale, 2016 ; Robène et Serre, 2016) qui a érigé le DIY en un véritable « modus operandi » (Hein, 2012 : 15). Dans son étude sur les fanzines DIY punk, Anna Zaytseva (2018) l’appréhende sous le prisme d’une éthique libertaire d’autogestion. Dans la fabrication des fanzines, le DIY permet de repenser la division du travail productif et l’on observe ainsi une absence de division du travail « traditionnelle » (conception/production/distribution) au profit d’une organisation horizontale et non-hiérarchique. Le DIY semble conduire en permanence ceux et celles qui le pratiquent aux frontières d’un système institué, normalisé et il s’exprime dans des marges qu’il contribue à façonner et à structurer ; il produit une culture liminale. Le domaine des arts tend également à constituer un espace d’expression privilégié du DIY puisque certains courants artistiques partagent une posture critique dont les formes d’expression peuvent être plurielles. Faire soi-même, ou nous-mêmes, amène à naviguer entre une structuration plutôt flottante (la débrouille, le système D) et une structuration plus radicale, qui se définit par opposition à un système dominant. Le DIY apparaît ainsi comme un mode de fonctionnement, plus ou moins délimité par des valeurs et des normes, partagées par des individus souhaitant rejoindre un style de vie autre que celui proposé par les sphères capitalistes ou bien s’inscrivant dans ce qu’Étienne Wenger appelle un « répertoire partagé » par les membres d’une communauté (Wenger, 2005).

Tout à la fois mouvement, philosophie et pratiques, le DIY constitue autant une solution concrète à une situation donnée (manque de moyens, notamment) qu’une réponse apportée à différentes formes d’institutionnalisation, de normalisation et de régulation. Au cours de plusieurs séminaires thématiques portant sur cette question du « faire soi-même », nous avons souhaité étudier plus précisément la postérité du DIY et, en particulier, les imaginaires afférents que produisent et révèlent ses manifestations toujours renouvelées. La première séance du séminaire avait pour thématique l’usage du DIY dans les recherches universitaires, notamment dans une perspective méthodologique. À cet égard, il s’agissait de questionner la manière dont la recherche peut se positionner sur le terrain et auprès des acteurs rencontrés, sous l’angle du Do it together (DIT) et du Do it ourselves (DIO) et des recherches participatives et/ou créatives (Donaghey, 2022). Le second séminaire, pour sa part, a mis en dialogue le DIY et les mécanismes de résistance. Si l’accent, pour cette séance, a davantage été porté sur la dimension musicale – les scènes punks mobilisant le DIY comme outil de résistance face à la dimension mercantile des sociétés capitalistes –, d’autres pratiques pourraient également être étudiées par ce prisme de la résistance, à l’instar de l’usage de l’éthique du « faire soi-même » dans les sports alternatifs et/ou émergents, tels que le quidditch ou le roller derby (Riffaud, 2018 ; Tuaillon Demésy, 2021 ; Soulé et Walk, 2007). Le troisième séminaire conduisant au présent appel à communications était consacré aux usages créatifs du DIY, à la manière dont celui-ci favorise le l’apparition de nouvelles pratiques, que celles-ci soient artistiques, culturelles, sportives, littéraires, etc. Cette troisième séance a souligné comment la pratique collective, notamment par le biais du DIT, permet de dynamiser différentes formes de création. Les contributions et les échanges de ces trois séminaires, ainsi que diverses recherches menées en parallèle (Messey et Tuaillon Demésy, 2023) ont fait émerger le fait que le DIY pouvait être appréhendé comme un outil, pratique et réflexif, permettant de s’extirper d’un système dominant ou bien d’y créer des brèches afin de proposer d’« autres choses ». Qu’il vise à créer et/ou à résister, qu’il soit imposé ou choisi, revendiqué ou subi (Le Roulley, 2016), il peut être mobilisé par une pluralité d’acteurs, aussi bien dans le champ contre-culturel ou subculturel que dans le cadre de pratiques davantage mainstream. Nous proposons, à travers cet appel d’approfondir, ces différentes réflexions. Si les pistes à explorer sur la question des imaginaires associés au « faire soi-même » sont plurielles, elles nous semblent partager la problématique des tensions entre création et résistance. Nous suggérons donc plusieurs axes pour aborder le DIY selon cette approche. Ces derniers ne sont ni hermétiques ni contraignants, et nous encourageons les croisements thématiques ainsi que les propositions marginales.

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Appel à contributions : Cris et chuchotements : le mainstream musical contemporain (Université Paul-Valéry, Montpellier 3)

Cris et chuchotements : le mainstream musical contemporain

Échéance des propositions : 6 février 2023

Paul-Thomas Cesari, Simon Hierle, Claude Chastagner (université Paul-Valéry, Montpellier 3)

Pendant longtemps, la chanson « engagée », la protest song, est restée relativement à la marge de l’économie du spectacle. Certes, du fait même de leurs protestations, certaines voix ont accédé au statut de star, mais la plupart sont restées, malgré leur rage et leur détermination, peu audibles, soit quelles sexpriment dans des courants musicaux à laudience modeste (punk rock, par exemple) soit quelles soient marginalisées au sein de genres populaires, mais peu militants.

Or, ces dernières années ont été particulièrement riches en événements ayant suscité des réactions radicales et polarisées au sein de la société étatsunienne : crise environnementale, violences policières, élection de Donald Trump, arrêts controversés de la Cour Suprême… Comment les artistes* mainstream, de la pop au rap, en passant par la country, ont-elles réagi ? Ont-elles « protesté » ou ont-elles répondu par le silence aux vociférations de certaines personnalités politiques ? Les a-t-on entendues prendre parti sur ces différents sujets ? Se sont-elles « engagées » ? De quelle façon et avec quel impact sur le public et leur propre statut ? Le mainstream musical en a-t-il été modifié, serait-il plus sombre et moins pudique que par le passé ? Et que dit cette évolution, si elle est avérée, sur la société américaine contemporaine, en particulier sa jeunesse ?

(* : par souci de lisibilité, nous avons opté pour un pronom générique, en loccurrence le féminin, il renvoie bien entendu à tous les genres).

On attendra, de façon non exhaustive, des propositions portant sur les aspects suivants :

– Les musiques urbaines à lheure de Black Lives Matter

– L’émergence de questionnements sur le genre et la préférence sexuelle

– Lexpression de problématiques intimes, du suicide à la maladie mentale

– La dénonciation de politiques néo-libérales

– L’émergence dune protest song de droite

– Les divergences politiques au sein de la musique country

– La dimension musicale et visuelle de la protestation mainstream

– Le rôle des réseaux sociaux dans laccès au mainstream dune parole protestataire

– Le recentrage mainstream du punk

Les propositions de communication de 300 mots, accompagnées dune courte notice bio-bibliographique, seront à envoyer à Paul-Thomas Cesari (paul-thomas.cesari@etu.univ-montp3.fr), Simon Hierle (simon.hierle@unilim.fr) et Claude Chastagner (claude.chastagner@univ-montp3.fr) au plus tard le 6 février 2023.

Appel à contributions : « Just take a pinch of psychedelic ». Les esthétiques psychédéliques des XXe et XXIe siècles

Journée d’études : « Just take a pinch of psychedelic ». Les esthétiques psychédéliques des XXe et XXIe siècles

Mardi 26 septembre 2023, Auditorium, site Saint Charles 2, Université Paul-Valéry Montpellier 3

Échéance des propositions : 28 février 2023

Cette journée d’étude s’intéresse à la généalogie et à la dynamique des esthétiques psychédéliques au cours des XXe et XXIe siècles. Elle ne limite délibérément pas la notion de « psychédélisme » au mouvement contre-culturel des années 1960, mais l’aborde comme l’une des voies majeures empruntées par l’art occidental pour devenir et rester « moderne ». Elle l’envisage ainsi sur une durée relativement longue, dans l’ensemble des productions culturelles (musique populaire ou savante, arts de l’image, fiction littéraire, cinéma, graphisme et typographie, architecture, jeux vidéo, etc), et du point de vue de sa productivité formelle.

Le projet serait de questionner quelques uns des opérateurs esthétiques ayant permis aux principes d’expansion perceptive et de conscience modifiée (extase, hallucination, rêve, hypnagogie, psychose…), autant dire de multidimensionnalité et d’illimination, de s’articuler aux différents supports, pratiques ou matières de l’art au cours des XXe et XXIe siècles. À titre indicatif, on pourra s’interroger sur les notions d’organicité et de cinétisme, de syncrétisme et d’improvisation, de densité immersive et de distorsion, de saturation, d’ornement, de démultiplication – qualités qui situent indistinctement le psychédélisme du côté des puissances de capture, d’exagération et de débordement sensitif, de ce que l’on peut considérer comme une expérience de « réel augmenté », de « quatrième dimension » ou de « potentialisation de la vie ».

Plus concrètement, les analyses pourront porter sur les ondulations du Jugendstill comme sur la bande défilée immersive (Phallaina de Marietta Ren, 2016) ; sur les expériences de cinéma étendu qui ponctuent le siècle, comme sur William Burroughs (Les Lettres du Yage, 1963), Henri Michaux (Misérable Miracle, 1956) ou Joao Tordo (Le Domaine du Temps, 2009) ; sur Frantiszek Kupka ou Odilon Redon, Ernst Fuchs ou Philippe Druillet ; sur l’art de la lumière qui se développe dès les années 1910 (Lumia, Thomas Wilfred), sur les films d’Oskar Fishinger ou de Jordan Belson, sur le color field, les dispositifs stroboscopiques (Dream Machine, Brion Gyrin) ; sur les compositions de Terry Riley (Mescalin Mix, 1960-1962) et sur l’art optique de Bridget Riley ; sur les dream houses de La Monte Young, les Ganzfelds de James Turrell, la création digitale ou les œuvres récentes d’Arnaud Maguet — du moment qu’elles s’efforcent de montrer ce que l’idée psychédélique fait aux arts, comment elle s’en saisit et les travaille tout au long du siècle, dans l’espoir répété qu’ils deviennent les instruments d’une entreprise de déconditionnement des formes de vie et d’utopisation sensible du monde.

Les propositions de communication, d’un format de 25 minutes, peuvent être adressées à Lambert Barthélémy avant le 28 février 2023, accompagnées d’une petite notice bio-bibliographique. Une réponse sera donnée fin mars. 

lambert.barthelemy@univ-montp3.fr

barthelemy.lambert@orange.fr

Parution : Living Metal. Metal Scenes around the World (dir. B. Bardine, J. Stueart)

Bryan Bardine et Jerome Stueart (dir.), Living Metal. Metal Scenes around the World, Intellect Books, 2022. 

This is the first study of its kind, focusing exclusively on scenes throughout the world; it makes an important contribution to metal studies.

Metal Scenes around the World is a collection of thirteen chapters that examine metal scenes from smaller communities like Dayton, Ohio in the USA, to entire countries, such as Estonia. The goal of the book is to expand the research on metal scenes.

This is the only book produced on metal scenes to date, and it will lead the way to more research in this new area of metal studies. The strongest element of the book is its international focus, with chapters from such diverse settings as post-apartheid South Africa, Graz, Nantes, Brazil and Turkey. The chapters are detailed, richly embedded in local histories and contexts, and provide important analyses of their respective scenes.

Foreword from Henkka Seppälä, former bassist with the Finnish metal band Children Of Bodom.

Primary readership will be composed of fans and scholars of metal music, and those in the fields of anthropology, musicology and history. The diversity of the chapters connects metal to other disciplines in the music field and the book is likely to have appeal more widely to anyone who likes music.

Bryan Bardine is associate professor of English at the University of Dayton, where he teaches courses in metal studies, composition, pedagogy, and American and Gothic literature.

Jerome Stueart is assistant professor of English (Creative Writing) at Thomas More University, and is a freelance writer, editor, and artist living in Northern Kentucky. His writing has been nominated for a number of awards, including the World Fantasy Award.

Colloque : “Punk is not dead” Une histoire de la scène punk en France (1976-2016) (BnF / Issy-Les-Moulineaux)

Colloque : “Punk is not dead” Une histoire de la scène punk en France (1976-2016)

9 h 30 – 18 h, BnF, François-Mitterrand, Petit auditorium
 
12 mars 2022, Réacteur, Issy-les-Moulineaux
 

À l’occasion de l’entrée des archives du groupe punk Bérurier noir à la BnF, un colloque revient sur un pan majeur de la contre-culture musicale incarnée par les Bérus à partir du début des années 1980.

Fanfan et Masto, deux membres du mythique groupe de rock alternatif Bérurier noir, ont fait récemment don de leurs archives à la BnF. Leurs manuscrits musicaux, affiches, brouillons, carnets de notes, correspondance, enregistrements sonore, agendas et articles de presse ont ainsi rejoint les collections du département de la Musique. Pour célébrer l’entrée de ce fonds, PIND et la BnF organisent un colloque, les 11 et 12 mars 2022, qui illustre tout un pan de l’histoire du rock alternatif en France.

Programme de la journée du 11 mars à la BnF

11 mars

10 h – 10 h 30 : Ouverture officielle du colloque

10 h 30 – 12 h 30 : Les Bérus, une question de génération ?
Les Bérus, comment ai-je pu passer à côté ? – Par Laurent Grün
Les Bérus en Normandie (1985-1987) : regards croisés – Par Christophe Pécout 
Ma rage n’est pas perdue : être lycéen au temps des Bérus – Par Sylvain Boulouque 
Itinéraires : écouter les Bérus, trouver sa « raïa » et devenir punk dans les années 2000 – Par Coralie Douat  

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Jason Julliot (Université de Rouen / Université de Liège)

Professeur agrégé de musique et membre du groupe de recherche ELMEC, Jason Julliot prépare actuellement une thèse de musicologie sous contrat à l’université de Rouen (CÉRÉdI) et à l’université de Liège (HISTAR). Après avoir travaillé plusieurs années sur le metal symphonique, ses recherches portent sur les influences croisées de la musique de film hollywoodienne et du heavy metal, de la fin des années 1970 à nos jours.

En parallèle, il poursuit sa formation au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans les classes d’analyse, d’esthétique et d’histoire de la musique.

Site internet : https://jasonjulliot.fr

Appel à contributions : la scène punk à Laval (1976-2016) (SCOMAM, Laval)

Journée d’étude : La scène punk à Laval (1976-2016) 

2 avril 2022, SCOMAM, Laval

Échéance des propositions : 10 mars 2022

Responsables scientifiques de la journée : Luc Robène, Manuel Roux et Solveig Serre

Cette trente-troisième journée d’étude en partenariat avec le 6PAR4 et Mayenne Culture s’inscrit dans le cadre du projet de recherche PIND (Punk is not dead, une histoire de la scène punk en France, 1976-2016), soutenu par le programme Intelligence des patrimoines du CESR, THALIM et la DRAC Île-de-France. Dès 1976, le punk est en France un phénomène total. La montée de sève qui propulse sur scène des groupes à peine formés et déjà célèbres à l’échelle de leur quartier, de leur ville ou de leur région montre combien le mouvement ne se limite pas à un phénomène parisien, même si la capitale constitue un centre de gravité qui attire ou, au contraire, qui suscite méfiance et défiance. Dans les années 1970, le punk à Laval c’est d’abord quarante gamins arborant épingles à nourrices et spikes sur cheveux verts, coincés entre pavillons et tours au cœur du quartier Saint-Nicolas, et les premiers groupes – Génocide, Détritus – qui réinventent une manière de sonner punk, avant d’envahir les locaux de Radio-Mayenne pour vibrer aux fulgurances de l’émission « Whasa Whasa ». C’est ensuite l’ébauche d’une scène qui se structure dans les années 1980 autour du disquaire indépendant Mélody, lieu de rencontre lavallois ouvert sur les contrées rennaises et mancelles, puis le festival de La Rouaudière qui mobilise les groupes locaux à l’image  de Réseau d’Ombres. C’est enfin l’ère des projets et des structures punk. En 1992, David Tessier et Patrick  Levanier fondent l’école Créazic, qui permet à un nombre important d’acteurs de la scène actuelle d’apprendre le « métier punk ». Sous l’impulsion de ses élèves, une scène s’organise autour de projets menés jusqu’à la côte bretonne, avant de résonner à l’international. Birds In Row qui signe en 2012 avec le label américain Deathwish, l’un des plus célèbres de la scène hardcore, est emblématique de cette dynamique, tout comme le projet porté par Amaury Sauvé pour construire un studio familial d’enregistrement entièrement DIY, devenu The Apiary, prisé par la sphère punk au niveau national et bien au-delà des frontières. Reconnue aujourd’hui pour ses initiatives inédites de rencontres intergénérationnelles mais également institutionnelles dans le développement des pratiques amateurs et professionnelles, la scène punk de Laval réinterroge fortement l’image traditionnelle du punk réduite aux formes de marginalités et de radicalités.

Cette journée d’étude consacrée à l’histoire du punk en Mayenne s’intéressera donc à la singularité de la scène lavalloise, aux jalons historiques qui marquent ses développements. Elle éclairera les réseaux et tensions qui définissent ses ancrages locaux, et régionaux, entre Rennes et Le Mans, elle questionnera son identité au cœur du punk national et international.  Les propositions de contribution (un titre, 20 lignes de résumé, 10 lignes de biographie) se feront avant le 10 mars 2022 aux adresses suivantes : solveig.serre@gmail.com; luc.robene@u-bordeaux.fr

Parution : Sex Revolts. Rock’n’roll, genre & rébellion (Simon Reynaud, Joy Press)

Simon Reynaud, Joy Press, Sex revolts. Rock’n’roll, genre & rébellion, La Découverte, 2021.

Iggy Pop a déclaré un jour, à propos des femmes : « Aussi intimes qu’on puisse devenir, je les laisserai toujours tomber. C’est de là que vient ma musique. » Cette férocité masculine, cette répulsion vis-à-vis du féminin, c’est le rock’n’roll à son paroxysme. Que l’on songe aux hymnes machistes des Rolling Stones, au punk et sa glorification de l’abject, ou au culte que Can et Brian Eno vouent à la Terre Mère, la rébellion rock masculine s’est souvent ancrée dans un imaginaire où les femmes étaient sinon absentes, du moins allégoriques ou reléguées à l’arrière-plan.
Sex revolts est le premier ouvrage à faire l’analyse des multiples « misogynies rebelles ». Depuis les premiers rockeurs jusqu’au gangsta rap, en passant par le jazz, le psychédélique, le glam et le postpunk, il dresse un impressionnant panorama de la culture et des artistes rock dans leurs relations au « féminin ». Parallèlement aux généalogies d’une contre-culture qui, depuis les années 1960, s’est attachée à déconstruire certaines formes de masculinité tout en demeurant profondément misogyne, Sex revolts retrace aussi l’histoire de la rébellion des femmes dans le rock ; celle de musiciennes qui, telles Patti Smith, Siouxsie Sioux ou Courtney Love, ont dû composer avec cet héritage majoritairement masculin pour créer leur propre répertoire et libérer leur propre énergie.

Simon Reynolds est un critique musical anglais parmi les plus influents de sa génération. Plusieurs de ses livres ont été traduits en français, notamment Rétromania (Le Mot et le Reste, 2012) et Le Choc du glam (Éditions Audimat, 2020).

Journaliste et éditrice étatsunienne, Joy Press est notamment l’autrice de Stealing the Show : How Women Are Revolutionizing Television (Faber & Faber, 2018).

Séminaire : Cultures populaires : cultures de résistance, contre-culture, culture et mémoire politique

Cultures « populaires : cultures de résistance, contre-culture, culture et mémoire politique

16 mars 2021, en ligne

Séminaire de recherches croisées : CNRS / Ministère de la Culture

Ce séminaire s’inscrit dans une série d’actions destinées à nourrir les orientations scientifiques stratégiques qui fondent le partenariat de longue date entre le ministère de la Culture et le CNRS. Outil majeur de coopération, l’accord-cadre entre le ministère de la Culture et le CNRS, renouvelé en 2016 pour cinq ans, doit favoriser le dialogue entre les disciplines et permettre de développer de nouvelles thématiques et perspectives de recherche.
Le présent séminaire propose une réflexion sur l’un des thèmes identifiés comme l’un des objets majeurs de la coopération entre le ministère de la Culture et le CNRS : « Cultures « populaires : cultures de résistance, contre-culture, culture et mémoire politique ». Il constitue, à la suite du séminaire de 2018, « Les sciences du patrimoine : constitution d’un domaine de recherche pluridisciplinaire, émergence de nouvelles compétences », la seconde rencontre de ce type.

Cette réflexion se veut ancrée dans des recherches en train de se faire, en France et ailleurs dans le monde, et nourrie par des approches disciplinaires diverses. L’ambition de ce séminaire est aussi de rassembler différentes compétences professionnelles qui se croisent sur ce thème, de mettre en lumière de nouvelles manières de faire de la recherche, d’en constituer et aborder les objets et les méthodes.
La notion même de « culture populaire » est plurielle. Sans prétendre à l’exhaustivité, la première session, Des cultures « populaires » ?, déploiera différentes acceptions, afin d’ouvrir et de laisser ouvert le questionnement à ce sujet tout au long du séminaire : arts populaires, arts modestes, arts des fous, cultures de masse, culture des peuples, divertissements populaires, etc. Dans un deuxième moment, Productions culturelles, sociétés marchandes, formes de vie esthétiques, le séminaire souhaite mettre en lumière l’économie créatrice, ses acteurs, ses objets, ses médiums et leur appropriation par les « amateurs »/ « consommateurs ». Le troisième moment, Cultures populaires : résistance, agentivités, manières de vivre, met l’accent sur la manière dont les cultures populaires constituent des lieux de création et d’expression de manières de voir le monde, de propositions qui débordent ou contestent les normes culturelles, sociales, politiques, économiques dominantes. Finalement, dans le quatrième moment, Cultures populaires, recherches participatives, réflexivités politiques, explore les différentes manières dont la recherche contemporaine en sciences humaines et sociales « incorpore » les cultures populaires – notamment comme lieu et objet de l’analyse mais aussi dans le cadre de constructions participatives de la recherche – et renouvelle ce faisant la démarche scientifique.

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Parution : High Weirdness. Drugs, Esoterica, and Visionary Experience in the Seventies

Erik Davis, High Weirdness. Drugs, Esoterica, and Visionary Experience in the Seventies, MIT Press, 550 p.

An exploration of the emergence of a new psychedelic spirituality in the work of Philip K. Dick, Terence McKenna, and Robert Anton Wilson.

A study of the spiritual provocations to be found in the work of Philip K. Dick, Terence McKenna, and Robert Anton Wilson, High Weirdness charts the emergence of a new psychedelic spirituality that arose from the American counterculture of the 1970s. These three authors changed the way millions of readers thought, dreamed, and experienced reality—but how did their writings reflect, as well as shape, the seismic cultural shifts taking place in America?

In High Weirdness, Erik Davis—America’s leading scholar of high strangeness—examines the published and unpublished writings of these vital, iconoclastic thinkers, as well as their own life-changing mystical experiences. Davis explores the complex lattice of the strange that flowed through America’s West Coast at a time of radical technological, political, and social upheaval to present a new theory of the weird as a viable mode for a renewed engagement with reality.

Erik Davis is an American journalist, critic, podcaster, counter-public intellectual whose writings have run the gamut from rock criticism to cultural analysis to creative explorations of esoteric mysticism. He is the author of Techgnosis: Myth, Magic and Mysticism in the Age of Information, The Visionary State: A Journey through California’s Spiritual Landscape, and Nomad Codes: Adventures in Modern Esoterica.