Archives par mot-clé : audiovisuel

Parution : Histoire de la censure en France (Laurent Martin)

Laurent Martin, Histoire de la censure en France, Paris, PUF, coll. “Que sais-je?”, 2022

La République démocratique, en France, garantit la liberté d’expression. Est-ce à dire que la censure n’y a plus cours ? N’existerait-elle pas sous de nouvelles formes ? Et si oui, quelle influence a-t-elle sur la société ?

Les censeurs ont toujours été attentifs aux moyens de diffusion des idées. Du XVIe au XVIIIe siècle, le contrôle de la parole affecta particulièrement l’édition. Il s’est porté ensuite, au XIXe, sur la presse et le théâtre. Puis ce fut au tour des médias audiovisuels d’être dans le viseur. Aujourd’hui, les autorités se préoccupent surtout des publications sur Internet…

Laurent Martin décrit l’histoire et le fonctionnement des appareils de contrôle culturel en France, leurs logiques et leurs acteurs, analysant les effets et contre-effets de ce contrôle sur la vie culturelle. Continuer la lecture de Parution : Histoire de la censure en France (Laurent Martin)

Parution : Imaginaires cinématographiques de la peau (dir. Diane Bracco)

Diane Bracco (dir.), Imaginaires cinématographiques de la peau, Brill, 2022.

English below

Comment figure-t-on la peau à l’écran, dans sa double fonction de surface et d’enveloppe corporelles ? Comment les cinéastes la représentent-ils dans la diversité de ses marques et inscriptions, de ses couleurs et textures ? Quelles valeurs esthétiques, symboliques, idéologiques, voire politiques, revêt-elle au sein d’une fiction cinématographique, selon l’époque et l’aire culturelle ? Dans quelle mesure l’image et la surface écranique peuvent-elles se muer elles-mêmes en peau du film ? Telles sont les questions auxquelles chercheurs et praticiens du cinéma se proposent ici de répondre au prisme d’un corpus de films pluriel et multiculturel. Cet ouvrage collectif vous propose une plongée dans l’imaginaire épidermique de réalisateurs issus de différents horizons, au croisement de l’analyse universitaire et de témoignages inédits de professionnels du cinéma. Des Yeux sans visage à La piel que habito, de The Pillow Book à Memento, sans oublier quelques détours par les cinémas du Japon, de la Grande-Bretagne, de la Russie, des pays lusophones ou hispano-américains, les peaux de l’écran sont explorées dans la multiplicité de leurs formes, de leurs sens et de leurs enjeux.

How is skin depicted on screen, be it as the body’s surface or its envelope? How do filmmakers represent skin in its multitude of marks, inscriptions, colours and textures? What aesthetic, symbolic, ideological, or even political values does skin adopt in cinematographic fiction, depending on the period and the cultural area of the film? To what extent can the surfaces of the image and the screen themselves become the film’s skin? In this book, researchers and cinema professionals offer answers to these questions through a plural and multicultural selection of films. This collective work dives into the epidermal imaginative world of directors from various backgrounds, at the crossroads of academic analyses and exclusive testimonies from those who work in the film industry. From Eyes Without a Face to La Piel Que Habito, from The Pillow Book to Memento, and including a few incursions into cinema from Japan, Great Britain, Russia, Portuguese-speaking or Spanish-American countries, this collection explores the multiple shapes, meanings, and implications of skins of and on the screen.

Couverture de l’ouvrage

Parution : Rewind, Replay. Britain and the Video Boom, 1978-92 (Johnny Walker)

Johnny Walker, Rewind, Replay. Britain and the Video Boom, 1978-92, Edinburgh University Press, 2022. 

Charts the introduction and rise of video entertainment in Britain from the launch of Betamax and VHS in 1978 to the development of the video superstore in the early 1990s. 

  • Presents the first book dedicated to Britain’s video boom
  • Considers the development of the video distribution industry in the UK, identifying the key players
  • Appraises the development of video shops and clubs, from the late 1970s to arrival of Blockbuster

Rewind, Replay is the first history of Britain’s video boom. It considers the earliest video distributors who, from the late 1970s, took chances on a wide range of films and other programmes to attract consumer interest. It also addresses the phenomenon of the video shop, the speed with which video rental became a habitual practice among the British public, and the key industry players who, at the height of a recession, invested wholesale into what contemporaneous media reportage was describing as a mere ‘plaything’.

Media historian Johnny Walker explores how distributors and store owners navigated various pressures including piracy, the video nasties moral panic and market rationalisation, as well as significant developments including the introduction of new legislation bespoke to the video medium and the corporate expansion of the industry in the late 1980s and early 1990s, to show how the pre-recorded videocassette, over the course of a few years, became a staple of high street retail.

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Appel à contributions : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment) (Université de Strasbourg)

Colloque : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment)

1 et 2 décembre 2022, Université de Strasbourg

Échéance des propositions : 1er juillet 2022

Organisé par Elsa Grassy (Université de Strasbourg, SEARCH) et Isabelle Marc (USIAS – UCM),  CREAA  et SEARCH

Comité scientifique : John Mullen, Christophe Pirenne

Choisie ou subie, la musique nous accompagne en continu, dans les évènements extraordinaires comme dans les pratiques les plus banales de notre existence. En ce sens, la recherche s’est intéressée aux usages de la musique dans la vie quotidienne, notamment en lien avec les technologies de reproduction sonore et avec les pratiques de socialisation (DeNora 2011, Kassabian, Boschi et García Quiñones 2013). Or, la critique, qu’elle soit académique ou journalistique, notamment en France, ne s’est penchée que très rarement sur les musiques majoritaires ou mainstream du point de vue de leurs enjeux esthétiques et sociaux (Pirenne 2021), reproduisant ainsi, au sein de l’étude des musiques « populaires » la hiérarchie esthétique ou axiologique qui existait entre musiques savantes et populaires. En effet, la plupart des travaux critiques portent sur les musiques considérées comme innovantes, porteuses d’un message subversif ou d’un capital subculturel ou faisant preuve d’une nouveauté « formelle » quelconque, relayant donc l’idéologie de la modernité au sens de progrès et de dépassement des formes « banales ». C’est ainsi que la majorité des musiques réellement écoutées, celles qui figurent en tête de classements de ventes ou de streaming, celles qui parlent à des millions d’êtres humains à travers le monde, sont à peine mentionnées par la critique. Elles sont, de fait, silencées, effacées du discours critique alors qu’elles dominent l’écoute.

Partant du constat que des musiques définies à l’origine par leur popularité et leur ancrage dans l’économie de marché sont sous-représentées dans les manifestations scientifiques, ces journées d’étude se proposent de considérer les musiques majoritaires précisément pour ce qui en fait le mainstream musical, du point de vue de l’esthétique et des représentations qui leur sont attachées. Nous chercherons donc en premier lieu à identifier et à décrire ces musiques dans leurs contextes culturels, à les analyser, dans leur banalité et leur complexité, et à en interroger les mécanismes de production, diffusion et réception spécifiques. Nous souhaitons également comprendre pourquoi ces musiques, et leurs publics, font l’objet d’un tel silence, voire d’un tel dénigrement, dans les discours académiques et non académiques, hormis quelques exceptions (Wilson 2014, Steinbrecher 2021). Pourquoi la force quantitative du populaire tend-elle à être discréditée comme indice du vulgaire, et la perception de l’ordinaire basculer vers la dénonciation de l’abject. 

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Appel à contributions : Tac-au-tac : bande dessinée et télévision, ce qui est en jeu

Journée d’études : Tac au Tac -Bande dessinée et télévision : ce qui est en jeu

organisée par Guillaume Soulez (IRCAV, Sorbonne Nouvelle-Paris 3)
& Bertrand Tillier (ISOR-Centre d’Histoire du XIXe s., Panthéon-Sorbonne-Paris 1)

Maison de la Recherche de la Sorbonne Nouvelle
4, rue des Irlandais, Paris 5e (Luxembourg, Monge)
mercredi 30 novembre 2022
salle Claude Simon – 9h-19h

Proposition d’intervention à envoyer pour le 15 juin 2022 à

Guillaume.Soulez@sorbonne-nouvelle.fr
Bertrand.Tillier@univ-paris1.fr

Réponse du comité scientifique le 30 juin 2022. 

Cette journée d’études pluri-disciplinaire est consacrée à Tac au Tac, émission « culte » qui voyait de grands dessinateurs s’affronter au cours d’épreuves graphiques amusantes inventée par Jean Frapat en 1969 (Service de la Recherche de l’ORTF, repris en 1975 par TF1).

Elle s’inscrit dans le partenariat entre les laboratoires ISOR (Panthéon-Sorbonne) et IRCAV (Sorbonne Nouvelle) au sein de Sorbonne Alliance, et dans un cycle – une « Semaine Tac au Tac – bande dessinée et télévision » – co-organisé par G. Soulez, B. Tillier, le Festival SoBD (R. Chavanne), l’INA/Inathèque (G. Poels) et la BPI-Beaubourg/Nouvelle génération (E. Fissier).

Sous forme d’une série d’événements autour de Tac au Tac, le cycle sera ouvert par une table-ronde et des projections de l’émission à la BPI, le lundi 28 novembre 2022 qui vise à redécouvrir Tac au Tac et à réfléchir à son actualité avec des chercheurs et des professionnels. Seront également projetés des extraits du remake de 2018 (réalisé par Laurent Frapat, chaîne Museum, 2018) et lors du festival SoBD sera proposée une performance Tac au Tac avec des dessinateurs contemporains (Halle des Blancs-Manteaux, du vendredi 2 au dimanche 4 décembre 2022).

 Diffusé d’août 1969 à octobre 1975, de façon irrégulière en termes de programmation, d’horaires et de chaîne (pas d’émissions en 1970 ou en 1974), à la fin de l’ORTF et au début de TF1 (1975), et ayant connu un succès grandissant, Tac au Tac, inventé par Jean Frapat au sein du Service de la Recherche de l’ORTF, a marqué toute une génération de spectateurs. Le programme (une centaine d’émissions) a permis de développer un lien fort – et peu fréquent – entre télévision et dessin (dessin de presse, dessin d’humour et bande dessinée). Par son originalité et son succès, Tac au Tac a produit, semble-t-il, des effets sur les mondes de la bande dessinée et du dessin de presse, en contribuant à les légitimer symboliquement. A partir de jeux imposés (l’escalade, le piège, l’énigme…), dérivés du « cadavre exquis » des Surréalistes, son principe reposait sur des joutes filmées en studio, entre dessinateurs généralement rassemblés autour d’une planche à dessin et d’une grande feuille blanche. La plupart des grands noms du dessin et de la BD des années 1970 a participé à cette émission (de Faizant à Piem et Siné, en passant par Uderzo, Franquin, Peyo, Gotlib, Topor…), qui a également fait connaître des auteurs émergents ou moins célèbres à l’époque (Bretécher, Pratt, Crepax…), ainsi que de multiples dessinateurs européens et américains. L’objectif de cette journée d’études est de partir du cas Tac au Tac pour l’analyser en lui-même, tout en le mettant en perspective autour de quatre pistes qu’on pourra croiser dans les interventions.

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Marion Coste

Marion Coste est spécialiste des relations entre littérature et musique, dans des contextes français ou francophones. Elle s’intéresse en particulier au rap, proposant de comprendre ce genre comme une forme de « neolittérature » (Nachtergael) qui associe littérature, musique et images filmées. Elle travaille actuellement avec Cyril Vettorato et Hector Jenny sur le « flow », c’est-à-dire la façon dont les MC musicalisent leur façon de parler, et qui fait office de signature artistique : ils préparent ensemble un colloque sur ce thème qui se tiendra en novembre 2022.

Elle étudie particulièrement les œuvres de rappeuses françaises et francophones, ainsi que des rappeur.euse.s queer dans une perspective de genre et postcoloniale (Casey, Meryl, Shay, Moonaya, K T Gorique, Lala &ce, Nyoko Bokbaé, Illustre).

Parution : La culture de la récompense. Compétitions, festivals et prix cinématographiques (Chloé Delaporte)

Chloé Delaporte, La culture de la récompense. Compétitions, festivals et prix cinématographiques, Presses Universitaires de Vincennes, 2022. 

Palme d’or, César, Lumière, Globe, Trophée, Prix Louis-Delluc, Jean-Vigo, Serge-Daney, Henri-Langlois, Jean-Renoir ou Alice-Guy : il n’a jamais existé autant de prix cinématographiques. Ce livre est le premier à leur être consacré. 

Des prix du cinéma, on ne connaît souvent que le nom des lauréats. Faisant l’hypothèse que les distinctions valorisent au moins autant les récompenseurs que les récompensés, Chloé Delaporte explore les coulisses des cérémonies de remise des prix cinématographiques français et étudie leur fonctionnement à partir d’entretiens avec leurs organisateurs. Au croisement de la sociologie et de l’économie du cinéma, des Film Festival Studies et des sciences de l’information et de la communication, l’ouvrage constitue une source de documentation inédite et offre à la fois une méthode d’analyse et un modèle théorique pour penser la tendance à la récompensiarisation des champs culturels.
Ce livre repose sur une enquête de terrain, réalisée en France entre 2018 et 2020 dans le cadre d’une recherche sur les enjeux socioéconomiques des prix du cinéma, de la télévision et de l’audiovisuel.

Ouvrage publié grâce au soutien de l’équipe RIRRA21 (EA 4209, Université Paul-Valéry Montpellier 3)

Appel à contributions : “L’imaginaire de l’écran à l’écrit, de l’écrit à l’écran : adaptations, réécritures, traductions, mentions” (Caderno de Letras, n° 43)

“L’imaginaire de l’écran à l’écrit, de l’écrit à l’écran : adaptations, réécritures, traductions, mentions”, Caderno de Letras (UFPel – Brésil), #43, 2022

Envoi des articles complets : 28 février 2022.
Publication prévue pur la fin juillet 2022. 

[Versión en español abajo] [Versão em português abaixo] [English version above]

La Revue Caderno de Letras, publication scientifique quadrimestrielle brésilienne du Centre de Lettres et Communication du Programme de Post-Graduation en Lettres de l’Université Fédérale de Pelotas (UFPel), invite à tous et à toutes à soumettre des contributions pour son número 43, prévu pour la fin juillet 2022.

Dossier: L’imaginaire de l’écran à l’écrit, de l’écrit à l’écran : adaptations, réécritures, traductions, mentions

Comité organisateur:
Dr Bruno Anselmi Matangrano (Université Fédérale de Pelotas, Brésil)
Dre Justine Breton (Université de Reims-Champagne Ardenne, France)
Dr Ramiro Estaban Zó (Université Nationale de Cuyo, Argentine).

Depuis ses origines, le cinéma permet un dialogue ouvert avec d’autres formes artistiques, soit en les intégrant dans son propre langage – grâce à son hybridité lui permettant d’associer narration, performance, éléments visuels et sonores –, soit en prenant pour source d’inspiration des œuvres et productions préexistantes et en créant, pour elles, de nouvelles formes d’art. La littérature constitue notamment une source d’inspiration privilégiée. Ce n’est pas par hasard que de nombreuses grandes œuvres marquant le début de l’ère cinématographique furent des adaptations œuvres romanesques ou théâtrales. C’est par exemple le cas, pour ne citer qu’eux, de Nosferatu (1922) de F.W. Murnau et de Dracula (1931) de Tod Browning, tous deux inspirés du roman de Bram Stoker publié en 1898. Ce n’est pas non plus par hasard qu’un nombre important de succès du box-office mondial adaptés d’œuvres littéraires appartiennent, à des niveaux variables, aux genres de l’imaginaire. Certains sujets littéraires sont désormais devenus des succès audiovisuels presque garantis, comme la légende arthurienne régulièrement adaptée sur grand ou petit écrans (Excalibur, John Boornman ; Merlin, BBC One ; The Green Knight, David Lowery ; etc.), ou comme les récits de super-héros adaptés de comics (le « Marvel Cinematic Universe », par exemple), qui se développent de façon exponentielle à mesure que les budgets augmentent et que l’accès aux effets spéciaux se démocratise. Alors que ces récits rencontraient fréquemment plus d’obstacles dans les cercles plus traditionnels de la critique littéraire, ils ont au contraire été aisément intégrés dans les pratiques audiovisuelles – pas uniquement au cinéma, mais aussi dans l’animation, les séries télévisées et, plus récemment, les programmes diffusés sur les plateformes de streaming. Cependant, cette relation ne s’est pas exprimée à sens unique. Au même titre que des productions audiovisuelles ont adapté, recréé et réimaginé des textes littéraires, celles-ci ont également servi d’inspiration pour des œuvres littéraires. L’un des exemples de ce passage de l’écran à l’écrit est le film King Kong (1933) de Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack, mis en roman par Delos W. Lovelace et publié peu après la sortie du film. De même, certains films de Guillermo Del Toro, comme Le Labyrinthe de Pan (2006) et La Forme de l’eau (2017), ont été suivis de novélisations de l’auteur lui-même, accompagné respectivement de Cornelia Funke en 2019, et de Daniel Kraus en 2018. Sur ce type de relation, le modèle de Disney Studios constitue un autre exemple à prendre en compte. Des œuvres littéraires ont servi de base à la plupart de leurs productions animées, que le groupe réadapte désormais en longs-métrages en prises de vue réelles. Dans le même temps, des auteurs réinventent ces récits audiovisuels et les transforment en récits pour enfants ou jeunes adultes, dans un processus d’adaptation qui met en parallèle le langage cinématographique et le langage littéraire. Le dialogue n’existe d’ailleurs pas exclusivement d’un médium à l’autre, mais apparaît également à travers des références, des citations, des clins d’œil et des mentions. Pour ne citer qu’un exemple récent, la série Penny Dreadful (2014-2016) de John Logan constitue une production originale qui s’appuie sur des classiques littéraires et leurs créations, comme la Créature de Frankenstein, Dorian Gray et Dr. Jekyll, dans une intrigue nouvelle qui accorde une place centrale à la littérature, via la lecture et l’évocation de poèmes de John Clare, William Blake, Alfred Tennyson et d’autres. Là encore, les possibilités ne s’arrêtent pas là. Désormais, cette forme d’« inter-influence » transparaît dans la plupart des œuvres littéraires et audiovisuelles liées à l’imaginaire en général, et à la fantasy et à la science-fiction en particulier. Les mondes transmédiatiques constituent une force créative spécifique de ces genres, avec des récits qui s’étendent simultanément dans différentes formes médiatiques. Par exemple, la saga Le Sorceleur (The Witcher), d’abord créée par Andrzej Sapkowski en tant qu’ensemble de nouvelles et de romans, a connu un succès encore plus grand par ses adaptations en jeux vidéo et en séries télévisées, développant ainsi des récits complémentaires. C’est dans ce contexte que nous proposons, pour le numéro 43 du journal Caderno de Letras, un dossier consacré à toutes les possibilités de ce dialogue impliquant les productions audiovisuelles et littéraires liées aux genres de l’imaginaire, qu’il s’agisse d’adaptations (dans les deux sens), ou de la présence directe ou indirecte de littérature dans les médias audiovisuels, ou inversement.

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Colloque international : Formes narratives & supports médiatiques (i) – Impact de la sérialité sur le récit audiovisuel (Université de Lausanne)

Colloque international :  Formes narratives & supports médiatiques (I) – Impact de la sérialité sur le récit audiovisuel

20-21 octobre 2021

Université de Lausanne

Ce colloque se prolonge les 21 et 22 octobre 2021 par : Formes narratives & supports médiatiques (II) Transferts, reconfigurations et évolution dans la bande dessinée.

Mercredi 20 octobre 2021 – Géopolis 1628 10h Café d’accueil

10h30 Mot de bienvenue | Alain Boillat & Valentine Robert

10h45 – 11h15

Entre collection de plaques et série narrative : l’ambiguïté sérielle de la lanterne magique

Sébastien Fevry (UCLouvain) & Adeline Werry (UCLouvain)

11h30 – 12h

The Cisco Kid au pays du capitalisme médiatique. La sérialité comme stratégie de prévention des risques industriels | Achilleas Papakonstantis (UNIL)

12h15 – 12h45

La reformulation – la sérialité à l’épreuve de l’immanence de la fin | Vladimir Lifschutz (MARGE)

14h30 – 15h

Le « clone » comme figure méta-sérielle. Thématisation réflexive du fonctionnement de la sérialité dans deux franchises cinématographiques de science-fiction (« Alien » et « Resident Evil ») | Alain Boillat (UNIL)

15h15 – 15h45

Buffy & Harry contre les compositeurs : vers une continuité musicale en série Jérémy Michot (UEvry|ESEC)

17h30 – Table ronde

Rouages de la production de séries télévisées en Suisse romande

Avec : Sylvie Coquart-Morel (Responsable des séries RTBF) ; Jean-Marc Frohle (producteur Pointprod); Delphine Lehericey (scénariste et réalisatrice); Patrick Suhner (Producteur éditorial RTS) | Modération : Alain Boillat.

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Parution : Ecritures et formats médiatiques (Belphégor)

Belphégor, n° 2021-1, “Écritures et formats médiatiques”, 2021, sous la direction de Simon Bréan et Matthieu Letourneux

I. Ecritures et formats médiatiques

II. Varia

III. Comptes-rendus