Colloque “Le costume sur un plateau, 2e édition : De l’ombre à la lumière”

Vendredi 11 et samedi 12 mars 2022

Université Sorbonne Nouvelle, Paris

Échéance des propositions : 15 décembre 2021

Organisé par Muriel Delamotte (Sorbonne Nouvelle / Iret), Myriam Fouillet (Sorbonne Nouvelle / Ircav), Guillaume Jaehnert (Bordeaux Montaigne / Artes), Aure Lebreton (Sorbonne Nouvelle / Ircav)

Texte de l’appel

En mars 2019, le premier colloque « Le costume sur un plateau » organisé à l’université Sorbonne Nouvelle a contribué à mettre en lumière le dynamisme et la pluralité des études sur le costume des arts du spectacle. Dans la même perspective, ce second volet fera dialoguer praticien·nes et chercheur·ses (confirmé·es, doctorant·es ou mastérien·nes) à travers des tables rondes et conférences, poursuivant ainsi la réflexion sur l’histoire, l’esthétique et les techniques de ce secteur capital des arts de la scène et de l’écran. Nous vous invitons à envoyer vos propositions pour cette deuxième édition, qui entend développer de nouveaux axes thématiques :

1. La place du costume dans la création spectaculaire et son
interaction avec les autres corps de métiers.

Les métiers et les praticiennes et praticiens du costume, du maquillage et de la coiffure, ne peuvent envisager leur travail sans le fonder sur une série d’échanges et de réflexions communes avec les autres membres de l’équipe artistique et technique. Nous nous interrogerons aussi bien sur les interactions des départements costume, maquillage et coiffure entre eux que sur les échanges qu’ils peuvent avoir avec les autres départements, notamment la lumière et le son. Ce sera l’occasion de comprendre la place occupée par le costume dans le processus de conception du spectacle, des phases liminaires de la préparation jusqu’à la réception. À une autre échelle, une attention privilégiée pourra être portée sur les échanges entre les équipes costumes et décors, en abordant aussi une réflexion sur le poste de directeur ou directrice artistique, et sur les différences de pratique en France et à l’étranger.

2. Les métiers du costume dans leurs diversités et leurs plus vastes acceptions.

Bien que la création de costumes soit récompensée dans la plupart des cérémonies de remises de prix (César, Goya, Molières, Oscars…), sa présence en leur sein ne semble pas aller de soi. En effet, l’intégration des costumes aux récompenses cinématographiques est généralement arrivée après la fondation des prix (vingt ans après pour les Oscars, dix ans pour les César) et les costumes n’ont jamais été considérés comme relevant des prix « majeurs ». Aussi, peu de visibilité semble accordée aux techniques de la coiffure et du maquillage en dehors des foyers anglo-saxons. Depuis 2014, les Molières ont choisi de fusionner les récompenses de la création décor, création costume, création lumière et d’attribuer un prix de la « meilleure création visuelle », ce qui semble rendre invisibles certains métiers plutôt que de les mettre en lumière. Pourtant, le costume recouvre une pluralité de métiers et de techniques à l’oeuvre dans des spécialités vastes et diverses : patine, broderie, chaussures, bijoux concourent à la mise en place du film en même temps qu’ils habillent les rôles. Cet axe de réflexion nous amène à penser la représentation artistique au prisme de sa matérialité et des savoir-faire connexes qu’elle mobilise, un des enjeux importants étant la coordination de ces corps de métier entre eux et leur collaboration dans une même oeuvre. Les propositions pourront aborder des éléments peu étudiés comme la question des sous-vêtements, du choix des accessoires (sacs, gants, parapluies…), ou encore des pratiques émergentes et populaires comme le costume dans le jeu vidéo, l’animation, la publicité, les escape games, le cosplay…

3. Costume et genre.

Si la première édition du colloque a mis en évidence la place des femmes dans la création de costumes, il est possible d’étendre la réflexion sur le manque de visibilité de ces corps de métier à la lumière des pratiques genrées du travail. Les communications pourront suivre, notamment, les pistes soulevées par Deborah Landis, pour qui l’identité de genre des costume designers et des membres de l’équipe costume est un des facteurs premiers expliquant un déficit dans la reconnaissance de leur métier. Les rapports de force entre les différentes équipes liées à la construction de l’image filmique sont-ils liés aux inégalités entre hommes et femmes ? Ces questionnements s’appliquent-ils également au théâtre, à l’Opéra, à la danse et dans les autres arts du spectacle ? D’autres propositions pourront aborder, par exemple, le processus de conception des costumes dans un corpus d’oeuvres pensées par des metteurs et metteuses en scène qui illustrent un nouveau rapport au genre (André Téchiné, Phia Ménard, Céline Sciamma, Serge Bagdassarian, Catherine Corsini, Michel Fau, Olivier Py, Angelica Liddell…). Les participant·es pourront choisir de présenter une communication entièrement axée sur le genre ou bien en intégrer le prisme dans une prise de parole plus large.

4. Le costume et l’image de la star : interactions avec la mode
et le placement de produit.

Partant du postulat que le costume occupe un rôle important dans la mise en place de la persona des stars, jusqu’à les faire accéder au statut d’ « êtres de séduction » (Georges Vigarello, Richard Dyer), nous serons amené·es à thématiser les différences qui peuvent exister entre la conception des costumes pour les rôles titres et pour la figuration. Nous aborderons également la façon dont les acteur·rices et les comédien·nes peuvent choisir de s’entourer de leurs propres réseaux de coopération pour les postes qui touchent à leur apparence et à leur intimité (que ce soit aussi bien pour le costume, l’habillage, le maquillage ou la coiffure). Alors que certaines vedettes vantaient les mérites de leurs couturier·es qui signaient leurs tenues « à la ville comme à la scène », qu’en est-il aujourd’hui de cette fidélité entre costumes et collections de mode, et de l’amalgame qui peut en résulter entre la vie publique et privée ? Nous pourrons nous demander pourquoi faire appel à un·e couturier·e en plus ou à la place d’un créateur ou d’une créatrice de costumes. Ce questionnement s’inscrit dans le contexte actuel, étant donné que certains directeurs et certaines directrices artistiques de maisons de mode signent des costumes pour tous les types de spectacle. Comment ce choix s’inscrit-il dans les mythologies définies par Roland Barthes ? Comment comprendre les articulations des équipes d’une maison de mode avec celles du plateau cinématographique et scénique ? Le générique rend souvent compte d’une collaboration avec ces maisons de couture, et aussi avec certaines marques de prêt-à-porter. Les accords avec ces marques soulèvent deux enjeux fortement liés entre eux : artistique et économique, tous deux rattachés à la production.

Si les quatre axes thématiques qui précèdent seront privilégiés, toutes les propositions concernant l’histoire et la pratique du costume de scène et d’écran, ainsi que la construction du corps, seront considérées avec sérieux et pourront être retenues. Les propositions pourront concerner tous les foyers de création (pas uniquement l’Europe) et s’inscrire dans une perspective historique ou contemporaine. L’enchevêtrement des analyses esthétiques et sociologiques est un des objectifs de ce colloque, bien que d’autres grilles de lectures puissent venir s’y superposer en fonction des communications qui retiendraient davantage un filtre économique, dramaturgique, technique, sémiologique ou juridique.

Comité d’organisation

Muriel Delamotte – Sorbonne Nouvelle / Iret
Myriam Fouillet – Sorbonne Nouvelle / Ircav
Guillaume Jaehnert – Bordeaux Montaigne / Artes
Aure Lebreton – Sorbonne Nouvelle / Ircav

Comité scientifique

Sylvie Chalaye – Sorbonne Nouvelle / Iret / SeFeA
Damien Delille – Université Lyon 2 / Larhra
Kira Kitsopanidou – Sorbonne Nouvelle / Ircav
Priska Morrissey – Université Rennes 2 / Arts : pratiques et poétiques
Graham H. Roberts – Université Paris Nanterre / CRPM
François Thomas – Sorbonne Nouvelle / Ircav
Catherine Treilhou-Balaudé – Sorbonne Nouvelle / Iret

Calendrier

Date limite de remise des propositions : 15 décembre 2021

Retour des expertises : lundi 31 janvier 2022

Modalités de participation

Les communications en français ou en anglais auront une durée de vingt minutes (trente minutes en cas de communication à deux intervenant·es) et leur publication sera envisagée. Un support de présentation audiovisuel sera mis à la disposition des participant·es afin qu’iels puissent illustrer leurs propos à l’aide d’images et d’extraits.

Le colloque est ouvert aux praticien·nes professionnel·les, aux chercheurs·ses ainsi qu’aux étudiant·es à partir du Master 2.

Les propositions de communication devront comporter :
– le titre envisagé ;
– un résumé de 3 000 signes (espaces comprises) ;
– une courte notice bio-bibliographique de l’auteur·rice (5 lignes
maximum) ;
– trois à cinq mots-clés.

Les propositions de communication sont à envoyer au format PDF sous le titre “NOM_Prénom_Costumesurunplateau2” aux quatre
adresses suivantes :
– muriel.delamotte@sorbonne-nouvelle.fr
– myriam.fouillet@sorbonne-nouvelle.fr
– guillaume.jaehnert@u-bordeaux-montaigne.fr
– aure.lebreton@sorbonne-nouvelle.fr

 

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