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CFP: Media Across Borders The 1st International Conference on the Localisation of Film, Television and Video Games (2 avril 2012)

Media Across Borders

The 1st International Conference on the Localisation of Film, Television and Video Games

Saturday 9th June, 2012 at the University of Roehampton, London

Launch event of the Media Across Borders network, funded by the Arts & Humanities Research Council (AHRC) as part of the Translating Cultures programme.

What happened when the UK TV series The Office was reworked for French audiences as Le Bureau? Or when Vishal Bhardwaj adapted Othello in the Bollywood musical Omkara? Or when the Tomb Raider video game had to be altered for the Japanese market? The practice of adapting media content across borders is spreading. Opportunities offered by digital technologies have accelerated creative borrowing and have firmly established content franchising.

This international conference seeks to interrogate the myriad ways in which media content is translated and adapted across cultural borders. Bringing together academic scholars and industry professionals, the conference will discuss processes of media localisation and contemplate the broader significance of cultural translation within the creative industries.

We will consider all proposals relevant to this theme, although we particularly welcome those that engage with the following topics:

– Cross-cultural remakes and adaptations
– TV Formats
– Video game localisation
– Media content franchising
– Transmedia storytelling
– Localisation through para-texts
– Fan appropriation across borders
– Cultural translation
– The universal and the particular

Please submit an abstract of 300 words along with a short biographical note to:

mab@roehampton.ac.uk

Deadline for abstracts is 2nd April 2012

Pop en stock (revue en ligne)

Nouvelle revue numérique entièrement dévolue à l´observation en temps réel de la culture populaire contemporaine dans une perspective académique:

http://popenstock.ca/

Les collaborations sont encouragées, soit sous forme d´articles soumis à des dossiers déjà établis (ceux-ci restent perpétuellement ouverts à des nouveaux ajouts, contrairement aux numéros clos des revues traditionnelles), soit par la création de nouveaux dossiers (chaque responsable de dossier établit l´appel à contribution et assume le suivi des réceptions d´articles; dès qu´on a un nombre minimum de 3 articles on met le dossier en ligne) ou l´apport de nouveaux articles sans dossier préalable, soit tout simplement par la diffusion de cette  bonne nouvelle.

Contact:

Antonio Dominguez Leiva

Parution: Ilcorsaronero n.15 Salgari e il cinema

Ilcorsaronero n.15

Salgari e il cinema

a cura di Fabio Francione

È stato pubblicato il numero n. 15 de “Ilcorsaronero”, uno speciale dedicato a Salgari e il cinema a cura di Fabio Francione in collaborazione con Andrea Campalto e Alessandro Faccioli, realizzato con il sostegno della Regione del Veneto-Comitato per le celebrazioni del centenario della morte di Emilio Salgari.

sommario

Salgari un autore “forte” per il cinema (editoriale

Comitato Regionale per le celebrazioni del centenario della morte di Emilio Salgari (Giorgio Zamboni)

Biblioteca Civica di Verona (Agostino Contò)

Di Salgari e del cinema italiano (Fabio Francione)

Per uno studio del cinema salgariano (Gianfranco Manfredi)

Dalla pagoda al tinello. Salgari, la donna e il cinema di regime (Alessandro Tedeschi Turco)

La trama del film I pirati della Malesia di Omar Salgari (a cura di Andrea Campalto)

Nota sui materiali di Omar Salgari-Luciano De Nardis (Piero Menarini)

Salgari e il cinema (Luciano De Nardis)

Lettere di Alessandro De Stefani a Giuseppe Turcato; Dalla prosa salgariana all’immagine cinematografica e televisiva (Sergio Sollima)

Filmando Salgari (Umberto  Lenzi)

Salgari per adulti tra avventura e ironia (Pier Giorgio Martellini)

Salgari, il cinema e il sottoscritto (Corrado Farina)

La vita segreta di Emilio Salgari (1978) (Corrado Farina)

L’ultima incredibile avventura di Sandokan (2009). Soggetto per un film (Tonino Guerra, Francesco Bonelli, Roberto Cavosi)

Con Tonino guerra alla ricerca di Sandokan (Federico Rizzo)

Viatico per uno schermo tutto salgariano (Alessandro Faccioli)

Profili bio-bibliografici dei curatori e degli autori

Filmografia salgariana (Irene Salvi).

PER ABBONARSI
L’abbonamento per il 2012 (anno solare) alla rivista Ilcorsaronero ha un costo di € 12,00 (sostenitore € 25,00). L’importo può essere inviato tramite versamento sul conto corrente postale n. 98473986  intestato a intestato a:  Associazione Ilcorsaronero
Specificare nella causale: Ilcorsaronero − 2012.
L’ufficio postale rilascerà direttamente ricevuta dell’avvenuto versamento.
La cifra di cui sopra è da intendersi quale contributo alle spese tipografiche e di spedizione della pubblicazione.

Séminaire: La Révolution française dans les cultures et imaginaires populaires dans le monde aujourd’hui

La Révolution française dans les cultures et imaginaires populaires dans le monde aujourd’hui

Séminaire de recherche. Responsable : Martial Poirson

Université Stendhal-Grenoble III

Lien vers le séminaire et programme complet

Prochaines séances

Les séances ont lieu de 18h à 20h.

07 février 2012 – de 18h à 20h
La Guillotine et les exécutions, un topos pour la culture populaire (XIXe-XXIe siècles)
par Guy Spielmann, professeur à Georgetown University (États-Unis)
Lieu : Salle Jacques Cartier – Maison des langues et des cultures – Université Stendhal

08 février 2012 – de 18h à 20h
L’Âge des Lumières et la Révolution réinventés par la bande dessinée et le cinéma
par Guy Spielmann, professeur à Georgetown University (États-Unis)
Lieu : Salle Jacques Cartier – Maison des langues et des cultures

25 avril 2012 – de 14h à 18h
La Révolution en spectacle
Journée d’études « La Révolution française aujourd’hui : fabrique d’images (théâtre, cinéma) »
avec Antoine de Baecque (université Paris Ouest Nanterre La Défense), Patrice Gueniffey (EHESS), Georges Lavaudant (metteur en scène) et son équipe artistique
Lieu : Grand amphithéâtre du CRDP (11, av. Général Champon – Grenoble)

Journée d’études clôturée par le spectacle La Mort de Danton de Georg Büchner, mise en scène de Georges Lavaudant, à la MC2:Grenoble.

Thème général

En marge de l’historiographie officielle et des politiques de la mémoire, la Révolution française féconde les arts, les pratiques et les représentations populaires dans de nombreux pays aujourd’hui : ils se la approprient et en détournent, voire en subvertissent l’héritage afin de jouer avec la plasticité de son « mythe » fondateur. Ce séminaire interdisciplinaire, en partenariat avec le Musée de la Révolution française de Vizille et la MC2 de Grenoble, est ouvert à tous les étudiants en lettres et arts, mais aussi en histoire et en sciences sociales. Il a pour objectif d’interroger la construction sociale et artistique d’une sous-culture, voire le cas échéant d’une contre-culture des événements et discours historiques, à partir de films, spectacles, romans, musique, bandes dessinées, objets, publicités, discours…

Argumentaire

« Sans ce drapé extravagant, propre à tous les grands révolutionnaires, (…) la Révolution n’aurait pu être cet événement mythique qui a fécondé l’Histoire et toute idée de la Révolution. L’écriture révolutionnaire fut comme l’entéléchie de la légende révolutionnaire : elle intimidait et imposait une consécration civique du Sang » [1] . Rares sont les événements historiques ayant, au point de la Révolution française, engendré leur propre mythologie spontanée, conditionnant pour les siècles qui ont suivi sa perception fantasmatique et projective qui est encore dans une large mesure la nôtre aujourd’hui. Scène primitive à l’efficacité rituelle et symbolique inégalée ; mythe fondateur à vocation d’édification nationale et de légitimation institutionnelle ; fiction patrimoniale dont l’héritage nous est transmis en partage ; matrice d’un consensus qui n’est pas toujours unanime sur les valeurs démocratiques et républicaines ; source d’inspiration d’une production artistique tantôt critique et subversive, tantôt conformiste et consensuelle ; matière dont s’emparent les cultures populaires à travers toutes sortes de représentations et surtout, de médiations symboliques, parfois inattendues, la Révolution française n’a peut-être jamais été aussi présente qu’aujourd’hui, à la fois dans le discours, en régime de « mythocratie », et dans les objets, qui fonctionnent comme un système de signes, autrement dit, comme un « mythe moderne », au sens de Roland Barthes. [2]

Souvent analysée en terme de « légende » [3], insistant sur son caractère d’avènement fondateur, la Révolution l’est moins comme une « mythologie » propre à notre temps. Une telle notion s’avère pourtant féconde pour envisager les réappropriations et détournements de son imaginaire symbolique, en particulier au sein des cultures populaires et de leurs relais médiatiques de masse. La plupart du temps à dominante essentiellement visuelle, alors que la connaissance érudite et historiographique est plutôt fondée sur des ressources textuelles, ces représentations populaires, parfois très documentées, entretiennent sciemment (transgression, falsification, travestissement) ou inconsciemment (ignorance, clichés, stéréotypes), des effets de distorsion avec la culture savante et le discours officiel de consécration républicaine. Or ce sont précisément ces « idées fausses » qui, selon la perspective adoptée ici, sont dignes d’intérêt dans la perspective d’une histoire sociale et culturelle de l’imaginaire révolutionnaire contemporain. Une attention toute particulière sera accordée aux phénomènes de transferts, de réinterprétations et de représentations, dans les cultures étrangères et aires géographiques les plus diverses, de ce mythe national fondateur souvent considéré comme emblématique. Plus affranchies d’un certain devoir de mémoire nationale, soustraites, en partie au moins, aux batailles historiographiques qui président à l’affrontement idéologique autour de l’histoire officielle, les cultures populaires, a fortiori lorsqu’elles proviennent de cultures étrangères, sont en effet souvent plus à même de se saisir de ce patrimoine et de sa puissance de germination symbolique pour parfois en renouveler la perception aussi bien que les usages.

Si l’historiographie de la Révolution française a bénéficié, depuis un certain nombre d’années, de travaux novateurs et de perspectives de recherche fécondes, interrogeant les discours de savoir qui lui sont consacrés, tel est moins le cas du processus de mémoire sélective et de réinvestissement symbolique au fondement de nos représentations sociales et culturelles contemporaines, qui innervent jusqu’aux cultures du quotidien et se cristallisent dans des objets issus de la société et de la culture de masse. Le réinvestissement de patrimoine historique est en effet devenu une pratique courante concernant la Révolution, non seulement au sein du discours politique et médiatique, mais encore au sein des formes dérivées de cultures et de pratiques populaires, qui peut adopter les manifestations les plus diverses, depuis l’objet décoratif jusqu’à l’image animée ou la performance. Leur analyse et leur conservation sont d’autant plus urgentes que leurs supports, considérés comme impurs et partie prenante de processus de diffusion massifiée et de consommation à grande échelle, sont particulièrement altérables, périssables et sujets aux modes de conservation aléatoires ou arbitraires de collectionneurs privés, évoluant aux gré des modes et des mythologies personnelles. En effet, leur patrimonialité ne va pas de soi, impliquant une conception élargie de l’historiographie révolutionnaire et prenant parfois la forme d’un patrimoine culturel immatériel. On cherchera donc à constituer comme objets scientifiques entièrement légitimes les idées et représentations, parfois fausses sur le plan historiographique, de ces imaginaires révolutionnaires profondément enracinés dans une diffuse conscience collective, nourrissant une opinion commune stéréotypée, mais aussi fantasmatique, source d’une interrogation renouvelée sur les représentations de l’Histoire.

Plusieurs pistes sont privilégiées dans le cadre de ce séminaire, qui n’exclue pas d’autres approches possibles susceptibles d’émerger en cours de réflexion :

  • On interrogera les effets de citation, de transposition et surtout, de focalisation de l’opinion commune sur certains épisodes considérés comme emblématiques, sur les structures topiques récurrentes données pour représentatives d’une vulgate ou pour le moins, d’un imaginaire révolutionnaire largement partagé, en France comme, selon des modalités différentes, à l’étranger.
  • On identifiera, sous bénéfice d’inventaire, les formes de figuration et de diffusion, parfois à très grande échelle, d’une doxa associée aux mythologies révolutionnaires, à travers différentes sources de médiation : syntagmes cristallisés dans le langage courant, fictions policières, littérature populaire, cinéma et produits dérivés, bandes dessinées, mangas, spectacles de reconstitution historique, comédies musicales, animations de sites touristiques (sons et lumières), produits de consommation courante, industries du luxe, mode et haute couture, arts décoratifs, clips musicaux, opéras rock, animations, pornographie, publicités, jeux pour enfants, célébrations telles que celles du Bicentenaire… On cherchera à retracer les modes de citation et de circulation, parfois inattendus, des objets et images afin d’en interroger les usages sociaux et les pratiques culturelles qui leurs sont associées.
  • On envisagera les postures dont relèvent ces modes de réappropriation spontanés, souvent revendiqués comme tels, véhiculés par les cultures populaires, aux marges de tout discours savant ou de toute forme de consécration institutionnelle ou académique, et tout particulièrement les écarts, contresens, illusions rétrospectives, actualisations, déterritorialisations, erreurs de perspective, anachronismes assumés, voire revendiqués par ces supports de diffusion à grande échelle affranchis des règles de l’érudition savante.
  • On analysera enfin les tentatives d’instrumentalisation, tantôt à des fins idéologiques, tantôt en fonction de considérations commerciales, voire simplement ludiques, de ces stéréotypes révolutionnaires, sources d’une mobilisation collective d’autant plus efficace qu’elle prétend s’affranchir de l’Histoire au profit de relectures actualisantes ou iconoclastes et s’enracine dans une période historique – la nôtre – marquée par la prédominance de l’art de raconter des histoires comme mode de gouvernement des esprits et de production des affects.

Conférence – séries culturelles – Mutations de l’imprimé à l’heure du cinéma (Tours)

1er février 2012

Séminaire “série culturelle” – Université François Rabelais de Tours

Matthieu Letourneux, “Romans-cinéma, ciné-romans, romans filmés, films dessinés… Mutations de l’imprimé à l’heure du cinéma”

17h-20h, salle 7 de l’extension.

Au début du XXe siècle, pour la première fois, la domination de l’imprimé, qui avait été le trait caractéristique du basculement de nos sociétés dans l’ère médiatique, se retrouve disputée par un nouveau média, le cinéma. Outre les bouleversements qu’il apporte dans les conventions et codes de représentation, il modifie les hiérarchies culturelles et accélère la circulation transnationale des œuvres et des imaginaires. Face à ce concurrent au succès rapide, la littérature populaire doit s’adapter. Elle invente de nouvelles formes (à commencer par les ciné-romans, ces ancêtres des novellisations), intègre de nouvelles conventions de représentation (en particulier dans son traitement de l’image), redéfinit ses principes sériels (aussi bien dans sa relation aux genres que dans ses stéréotypes). C’est un véritable dialogue, mixte de rivalité et de fascination, qui se met en place, combinant des logiques de resémantisation des convent! ions importées à partir des modèles dominant dans l’univers de l’imprimé, des hybridations des imaginaires, et de parasitisme.

Pour illustrer ces mutations, nous nous intéresserons aux collections de ciné-romans, cette forme importante de la littérature populaire dans l’entre-deux guerres, mais aussi, de façon secondaire, à d’autres types d’imprimés populaires (romans, illustrations et récits en images), afin de mettre en évidence les logiques d’échanges, de rivalité, de dialogisme, qui se mettent en place des années 1910 aux années 1930 dans les pratiques littéraires, avec l’avènement du cinéma.

Matthieu Letourneux est maître de conférences en littérature française à l’université de Paris-Ouest-Nanterre-La Défense. Ses travaux portent sur les cultures médiatiques, les littératures populaires et de jeunesse auxquelles il a consacré un grand nombre d’articles. Il a édité des oeuvres de Gustave Aimard, Emilio Salgari, Eugène Sue, Stanley Weyman. Il a codirigé avec Pierre Brunel et Frédéric Mancier le Dictionnaire des mythes d’aujourd’hui. Il a également publié Le Roman d’aventures, 1870-1930 et tout récemment, avec Jean-Yves Mollier, une étude consacrée à la maison d’édition Tallandier.

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Intru – Axe Iconotextes

L’axe Iconotextes s’intéresse aux objets hybrides dans lesquels l’interaction du texte et de l’image est seule apte à produire le sens, l’émotion, la valeur esthétique et, le cas échéant, la narration.

Théorisé dès la fin des années 1980 par Michael Nerlich [1], à partir de sa réflexion scientifique mais aussi de sa pratique artistique, le terme d’iconotexte désigne selon lui « une unité indissoluble de texte(s) et image(s) dans laquelle ni le texte ni l’image n’ont de fonction illustrative et qui — normalement, mais non nécessairement — a la forme d’un “livre ” [2] ». Alain Montandon, éditant les actes d’un colloque organisé en 1988 à l’Université Blaise Pascal, nuance déjà la définition, en l’élargissant : « La spécificité de l’iconotexte comme tel est de préserver la distance entre le plastique et le verbal pour, dans une confrontation coruscante, faire jaillir des tensions, une dynamique qui opposent et juxtaposent deux systèmes de signes sans les confondre [3]. » Dans un premier temps consacrées aux œuvres les plus légitimes du domaine éditorial, par leur inscription dans un passé devenu référence (William Blake ; Lewis Carroll) ou par l’appartenance de leurs créateurs aux sphères estimées de la production esthétique, poètes et peintres (Breton et Miro, Max Ernst et Man Ray, Bazaine et Tardieu), les études sur les iconotextes se sont étendues au cours des années 1990 à des productions dans lesquelles l’interaction du texte et de l’image pouvait aussi servir une ambition didactique ou commerciale — même si l’intérêt des chercheurs se portait davantage sur la qualité esthétique de certaines de ces productions, élevées au rang d’œuvre en dépit du mépris dans lequel elles avaient été tenues et dans lequel était maintenu l’essentiel du domaine auquel elles appartiennent. Bande dessinées, films d’animation des premiers temps, albums pour enfants sont autant de domaines dans lesquels la fécondité des approches iconotextuelles a permis d’échapper aux analyses étroitement disciplinaires, souvent inaptes à rendre compte de la complexité de ces objets.

La bande dessinée, que ses théoriciens qualifient régulièrement d’art sans mémoire, a longtemps été reléguée au rang de divertissement sans véritable consistance, accaparé par des logiques simplement marchandes et incapable de produire des oeuvres dignes d’attention ou d’étude. Ce préjugé a pu s’appuyer sur le long malentendu qui consistait à ne considérer la bande dessinée que comme une sous-littérature, à la fois populaire et puérile du point de vue de ses destinataires, et bâtarde du point de vue de son hybridation iconotextuelle. Cependant, le foisonnement d’expériences créatrices qui marque l’évolution de la bande dessinée depuis le début des années 1990, et qui s’accompagne d’un immense effort de traduction des grandes oeuvres non-francophones (particulièrement, mais non exclusivement, dans les domaines anglo-saxon et asiatique), a permis l’émergence d’un nouveau discours historique et critique. Qu’il s’agisse de définir dans une approche sémioticienne le « système » de la bande dessinée [4], d’esquisser plus largement les principes généraux des « littératures dessinées » [5], ou de rouvrir le dossier problématique des « naissances » de la bande dessinée [6], les études francophones se multiplient et offrent désormais un riche répertoire de concepts et d’outils pour aborder l’étude de ce medium, depuis ses racines dans la gravure humoristique ou morale du XVIIIe siècle jusqu’à ses derniers développements dans les courants alternatifs ou expérimentaux européens, américains ou asiatiques.

L’album pour enfants est issu d’une double tradition livresque, celle du livre d’artiste, lui-même lointain dérivé de l’album romantique d’une part, et celle de l’outil pédagogique, auxiliaire des apprentissages fondamentaux, notamment langagiers (des Histoires en images sans paroles à raconter par les petits de Fernand Fau et Fernand Nathan dès 1902, aux productions des Albums du Père Castor à partir de 1931) d’autre part. Entre les deux pôles, l’artistique et le pédagogique, le monde éditorial s’est longtemps gardé de trancher, jouant sur les deux tableaux dans le meilleur des cas, alléguant très souvent de la séduction de l’un (la belle image) qui permettrait de mener à l’autre (la transmission de savoirs et de modèles de conduite). Pourtant dès la fin du XIXe siècle des productions éditoriales témoignent de la mise en œuvre, chez les artistes, et moindrement chez les éditeurs, d’une réflexion sur le fonctionnement iconotextuel de l’album pour enfants. Matière et formats, jeux sur la mise en page et prise de conscience de la double-page comme espace signifiant, invention dans l’articulation du texte et de l’image, jeu sur la couleur comme lieu d’élaboration du sens, tout indique dès 1890 que les artistes investissent sans conteste le livre pour enfants avec des préoccupations esthétiques autant que narratives. Déconsidéré par l’immaturité de son destinataire (si l’enfant est souvent un excellent critique des livres qui lui sont destinés, sa critique ne parvient en revanche jamais jusqu’aux sphères d’élaboration d’un discours légitime sur le littéraire), l’album pâtit en outre de son hybridité iconotextuelle. Les spécialistes de l’image ont longtemps jugé impure l’inféodation du programme iconographique à un déroulement narratif ; les sémioticiens se sont révélés incapables d’analyser la dimension sérielle et narrative de la suite d’images ; quant aux littéraires, s’ils ont récemment accepté l’idée que le « livre pour enfants » recelait aussi de véritables trésors littéraires, leur formation et leurs centres d’intérêt les ont porté prioritairement vers le roman pour enfants, délaissant l’album dans lequel ils ne voient qu’un outillage pédagogique destiné à pallier l’absence de maîtrise des codes écrits par les très jeunes enfants — à leurs yeux, la littérature ne naîtrait qu’avec le B-A-BA, présupposé qui ne manque pas de poser question. Comparée aux études récentes sur la bande dessinée, la recherche académique sur l’album pour enfants accuse un sérieux retard, alors que les milieux anglo-saxons, avantagés il est vrai par l’existence d’une production plus précoce et jamais réellement déconsidérée, offrent depuis une quinzaine d’années une série de grilles d’analyse de l’album texte-image [7] — sur lesquelles il conviendrait pourtant de revenir avec un esprit moins pragmatique, et davantage articulé à la recherche d’une poétique.

Les relations entre textes et images au cinéma sont nombreuses, qu’il s’agisse de l’introduction de texte à l’image avec les intertitres de l’époque muette, des nombreuses adaptations littéraires, mais aussi des expériences issues du cinéma expérimental avec le cinéma lettriste. Toutefois, en raison des mutations contemporaines du média, il nous paraît important d’interroger les espaces intermédiaires, ceux où le cinéma peut trouver la matière ou le texte d’une nouvelle écriture. En effet, tout au long de sa courte histoire, le cinéma a cherché à se définir et à se légitimer en important des objets ou des objectifs aux autres champs, en se modelant ou s’inspirant des arts et des pratiques culturelles. Ainsi, on s’intéressera tout particulièrement à ce qui procède des arts graphiques, et en particulier de l’album ou de l’histoire en images et qui transite dans le cinéma d’animation. On observera encore comment par l’entremise des textes critiques et des discours véhiculés, le cinéma a pensé ses relations à la fiction et au théâtre, y puisant des modèles en vue d’une institutionnalisation (organisation de la profession, statut d’auteur, etc.). Ou encore, comment le cinéma a emprunté à la photographie une interrogation sur le réel et ses conséquences sociales, en raison d’une capacité à produire des images documentant le monde. Réflexions intermédiales qui permettent la constitution de nouveaux corpus où coexistent les images fixes et animées, mais aussi les œuvres et les objets issus de la culture populaire, s’appuyant ou faisant émerger ce qu’André Gaudreault [8] a défini à travers l’expression de série culturelle. Décloisonnements méthodologiques indispensables au sens où ils aident à penser le cinéma dans une plus grande complexité afin d’anticiper sur les mutations induites par les diffusions numériques des images animées.

Ces pistes ouvertes à propos de quelques objets iconotextuels ne sont nullement exclusives, et se veulent à l’inverse propositions ouvertes, dont la confrontation avec d’autres démarches, consacrés à d’autres iconotextes, permettra de sonder la pertinence. Les objets envisagés ici peuvent par ailleurs se penser de manière problématique selon chacun des trois autres axes développés par l’équipe INTRU : en termes d’intermodalité bien sûr ; selon la logique des transferts, influences et effets de réception ; et enfin sous l’angle des hiérarchies culturelles, « du banal à l’exceptionnel ». A cet égard, l’axe « Iconotextes » ne se veut pas un domaine à part, fermé sur ses objets et ses démarches, mais s’envisage au contraire comme un atelier permanent de recherche, d’interrogation et de confrontation.

[1] Michael Nerlich, « Qu’est-ce qu’un iconotexte ? Réflexions sur le rapport texte-image photographique dans La Femme se découvre d’Evelyne Sinnassamy » dans Alain Montandon (éd.), Iconotextes, Paris, Ophrys, 1990 (p. 255-302) [2] op. cit. p. 268. [3] Alain Montandon, « Introduction », op. cit. p. 6. [4] Thierry Groensteen, Système de la bande dessinée, Paris, PUF, « Formes sémiotiques », 1999. [5] Harry Morgan, Principes des Littératures dessinées, Angoulême, L’An 2, 2003. [6] Thierry Smolderen, Naissances de la bande dessinée, de Hogarth à McCay, Bruxelles, Les Impressions Nouvelles, 2009. [7] David Lewis, Reading Contemporary Picturebooks : Picturing Text, Routledge Falmer, 2001 ; Maria Nicolajeva, Carole Scott, How Picture Books Work , Routledge, 2001 ; Perry Nodelman, Words About Pictures : The Narrative Art of Children’s Picture Books, Georgia University Press, 1988 ; Ellen Handler Spitz, Inside picture books, Yale University Press, 1999 ; Victor Watson, Morag Styles, (eds), Talking Pictures : Pictorial Texts and Young Readers, Hodder and Stoughton, 1996 ; Jens Thiele, Das Bilderbuch : Ästhetik, Theorie, Analyse, Didaktik, Rezeption. Isensee, 2000 ; Jens Thiele, Neue Impulse der Bilderbuchforschung : Wissenschaftliche Tagung der Forschungsstelle Kinder- und Jugendliteratur der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg 13.-15. September 2006. [8] André Gaudreault, Cinéma et attraction, pour une nouvelle histoire du cinématographe, Paris, CNRS éditions, 2008.

Table ronde: Du Western américain au western italien : Représentations et transductions de la violence

Table ronde

Du Western américain au western italien :
Représentations et transductions de la violence

Jeudi 12 janvier 2012 de 17h à 19h30 Université de PARIS OUEST NANTERRE
LA DÉFENSE   Bât V (derrière le Centre Sportif) GRAND AMPHI V

À l’occasion de la parution du numéro  50 de « La Tribune Internationale
des Langues Vivantes » intitulé :

Transductions :  du Western américain au Western italien

(Sous la direction de Gius GARGIULO)

Table ronde animée par Gius GARGIULO (U.F.R. L.C.E., Département d’Études Cinématographiques, labo
MoDyCo/CNRS de l’Université de Paris Ouest Nanterre-La Défense)

avec la participation de Didier BOTTINEAU (Chargé de Recherches CNRS au
labo MoDyCo/CNRS de l’Université de Paris Ouest Nanterre-la Défense)

Jean-René LADMIRAL (Université de Paris Ouest Nanterre-la Défense)

Florence Lautel-RIBSTEIN (Université d’Artois, Rédactrice en chef de
« La Tribune Internationale des Langues Vivantes » et Présidente de SEPTET.)

Anna Gural-Migdal (Université de l’Alberta, Canada)


Anna Gural-Migdal est professeure titularisée à l’Université de l’Alberta, où elle enseigne la littérature et le cinéma français. Elle est aussi spécialiste du cinéma italien contemporain qu’elle a enseigné pendant plusieurs années à l’Université de Montréal.

Ses recherches actuelles portent sur les divers aspects filmiques des romans de Zola, le naturalisme littéraire et filmique, ainsi que la représentation de la femme dans le cinéma français contemporain. Continuer la lecture de Anna Gural-Migdal (Université de l’Alberta, Canada)

Parution: Federico Pagello, Grattacieli e superuomini

Federico Pagello

Grattacieli e superuomini

L’immagine della metropoli tra cinema e fumetto

Gênes, Le Mani, 2010; ISSN 1824-1417

Metropolis e Gotham City, la New York di Spider-Man e la Megacity di “Matrix”: le fantasmagorie urbane che affollano le pagine dei “comic book” americani fin dagli anni Trenta continuano ad ossessionare l’immaginario collettivo grazie ai “blockbuster” diretti da registi come Tim Burton, Sam Raimi, Christopher Nolan, i fratelli Wachowski, Bryan Singer. Questo libro è il primo tentativo di fare un bilancio di trent’anni di supereroi di celluloide, sullo sfondo della storia del fumetto e del cinema statunitensi. L’analisi della rappresentazione della metropoli nei film dedicati a Superman, Batman, i Fantastici Quattro, gli X-Men o Daredevil diviene così il punto di partenza per un’esplorazione delle utopie e delle ideologie al centro della cultura pop di ieri e di oggi. Dal New Deal alla guerra fredda, dalla contestazione degli anni Sessanta alla “urban crisis” dei Settanta, dall’America di Reagan a quella di Obama: i supereroi e le loro città fantastiche non hanno mai smesso di dare forma ai sogni e agli incubi di un’intera nazione.

L’auteur

Federico Pagello est docteur en études cinématographiques au département Musica e Spettacolo (Musique et arts du spectacle) de l’Université de Bologne. Il a dirigé le catalogue de l’exposion EPOP, Popular Roots of European Culture.

Christos Dermentzopoulos (Université de Ioannina, Grèce)

Dr Christos Dermentzopoulos studied Sociology in Greece (1982-1986), and History, Anthropology and Cinema in France (1986-1989: MA in History, University of Paris 1, Pantheon – Sorbonne and Anthropology, Ecole des Hautes Etudes en Science Sociales, Paris).

Ph.D in Sociology, Section: Aspects of the new greek social life, Panteion University of Athens. Thesis: The popular novel (pulp fiction) on banditry in Greece. Representations, ideology and mentality

Continuer la lecture de Christos Dermentzopoulos (Université de Ioannina, Grèce)

Federico Pagello (Université de Limoges)

Research fields:

History of Popular Culture, Contemporary American Cinema, Film and Popular Literature, Film and Comics.

Curriculum Vitae

see: http://www.linkedin.com/pub/federico-pagello/9/66/659

Recent Publications

« Space as History. Watchmen and the Urban Imagery in Superhero Comics », (FORTHCOMING), in P. Chemartin, S. Giovenco (eds.), Proceedings of the VIII MAGIS Spring School, Campanotto, Udine, 2011. Continuer la lecture de Federico Pagello (Université de Limoges)