Rachel Nadon (Université de Sherbrooke, Université Paris Nanterre)

Détentrice d’un doctorat en littératures de langue française de l’Université de Montréal, Rachel Nadon effectue un stage postdoctoral sur les « poétiques de la lecture et les politiques de l’émotion dans la presse jaune criminelle au Québec (1940-1960) », sous la direction de Marie-Pier Luneau (Université de Sherbrooke) et de Matthieu Letourneux (Paris Nanterre).

Elle travaille plus largement à une histoire culturelle de la presse jaune au Québec, dont elle cherche notamment à reconstituer l’écosystème. Elle s’intéresse également depuis plusieurs années aux rapports entre littérature et politique dans les romans québécois (XXe-XXIe siècles) et dans les revues intellectuelles et les formes périodiques en général (tracts, brochures, fascicules). Elle a co-dirigé le collectif Relire les revues québécoises : histoire, formes et pratiques, qui a été publié en 2021 aux Presses de l’Université de Montréal.

Elle est aussi membre du comité de rédaction et secrétaire de la revue d’histoire culturelle et intellectuelle Mens.

Intérêts de recherche

  • Littérature québécoise
  • Politiques de la littérature
  • Théorie et histoire des périodiques
  • Cultures populaires et médiatiques (XXe-XXIe siècles)
  • Sociologie de la littérature 

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Appel à contributions : le style des romans « feel good » d’expression française (Sorbonne Université)

Colloque : Le style des romans « feel good » d’expression française

27-28 juin 2023, Sorbonne Université, Faculté des Lettres 

Échéance des propositions : 30 septembre 2022

L’expression « feel good », d’abord utilisée pour les films, est aujourd’hui et depuis quelques années appliquée au roman. Elle s’impose massivement depuis les années 2010 en France pour qualifier les romans d’autrices telles que Laetitia Colombani, Virginie Grimaldi, Agnès Ledig, Agnès Martin-Lugand, Valérie Perrin, Carène Ponte, Marie Vareille, Aurélie Valognes, Alice Quinn…, voire ceux d’auteurs tels que Baptiste Beaulieu, Laurent Gounelle, Gilles Legardinier ou Julien Sandrel… Si des travaux se sont déjà intéressés à cette question du roman « feel good » d’expression française – notamment dans le cadre de la problématique du « care » -, leur approche, littéraire, n’a pas permis jusqu’à présent d’étudier de manière approfondie et systématique la langue elle-même. Il reste en effet à dégager les spécificités stylistiques et les lignes de force poétiques de ce sous-genre du « best-seller ». 

Une définition sommaire, thématique et provisoire de ce roman « feel good » en appellerait à la mise en scène d’un personnage marqué par des épreuves, souvent féminin, mais pas toujours, qui parvient à un épanouissement personnel en s’ouvrant aux autres et à la vie, et dont la valeur exemplaire au plan pragmatique suscite un sentiment de bien-être chez le lecteur, voire de réconfort par identification. Mais qu’en est-il sur le plan formel, narratologique, générique et stylistique ? Comment caractériser, de ce point de vue, le roman « feel good » d’expression française ?

Voici quelques-unes des questions auquel le colloque propose d’apporter des éléments de réponse :

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Appel à contributions : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment) (Université de Strasbourg)

Colloque : Le silence du mainstream : réflexions sur les musiques que tout le monde écoute mais dont personne ne parle (vraiment)

1 et 2 décembre 2022, Université de Strasbourg

Échéance des propositions : 1er juillet 2022

Organisé par Elsa Grassy (Université de Strasbourg, SEARCH) et Isabelle Marc (USIAS – UCM),  CREAA  et SEARCH

Comité scientifique : John Mullen, Christophe Pirenne

Choisie ou subie, la musique nous accompagne en continu, dans les évènements extraordinaires comme dans les pratiques les plus banales de notre existence. En ce sens, la recherche s’est intéressée aux usages de la musique dans la vie quotidienne, notamment en lien avec les technologies de reproduction sonore et avec les pratiques de socialisation (DeNora 2011, Kassabian, Boschi et García Quiñones 2013). Or, la critique, qu’elle soit académique ou journalistique, notamment en France, ne s’est penchée que très rarement sur les musiques majoritaires ou mainstream du point de vue de leurs enjeux esthétiques et sociaux (Pirenne 2021), reproduisant ainsi, au sein de l’étude des musiques « populaires » la hiérarchie esthétique ou axiologique qui existait entre musiques savantes et populaires. En effet, la plupart des travaux critiques portent sur les musiques considérées comme innovantes, porteuses d’un message subversif ou d’un capital subculturel ou faisant preuve d’une nouveauté « formelle » quelconque, relayant donc l’idéologie de la modernité au sens de progrès et de dépassement des formes « banales ». C’est ainsi que la majorité des musiques réellement écoutées, celles qui figurent en tête de classements de ventes ou de streaming, celles qui parlent à des millions d’êtres humains à travers le monde, sont à peine mentionnées par la critique. Elles sont, de fait, silencées, effacées du discours critique alors qu’elles dominent l’écoute.

Partant du constat que des musiques définies à l’origine par leur popularité et leur ancrage dans l’économie de marché sont sous-représentées dans les manifestations scientifiques, ces journées d’étude se proposent de considérer les musiques majoritaires précisément pour ce qui en fait le mainstream musical, du point de vue de l’esthétique et des représentations qui leur sont attachées. Nous chercherons donc en premier lieu à identifier et à décrire ces musiques dans leurs contextes culturels, à les analyser, dans leur banalité et leur complexité, et à en interroger les mécanismes de production, diffusion et réception spécifiques. Nous souhaitons également comprendre pourquoi ces musiques, et leurs publics, font l’objet d’un tel silence, voire d’un tel dénigrement, dans les discours académiques et non académiques, hormis quelques exceptions (Wilson 2014, Steinbrecher 2021). Pourquoi la force quantitative du populaire tend-elle à être discréditée comme indice du vulgaire, et la perception de l’ordinaire basculer vers la dénonciation de l’abject. 

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Journée d’études : Les fabriques de la traduction. Traduction et production populaire et médiatique (Université Paris Nanterre)

Journée d’études : Les fabriques de la traduction. Traduction et production populaire et médiatique

29 juin 2022, 10h-18h

Université Paris Nanterre, salle des Séminaire 1, Max Weber

La traduction, à la fois processus de transfert linguistique conditionné et objet culturel, a toujours joué un rôle essentiel tant dans la circulation des savoirs et des imaginaires que dans leur transformation. Sa pratique, quoique diversement exercée, conçue et réglementée selon les époques, a été confrontée à des normes et à des impératifs discursifs et commerciaux qui en ont souvent orienté non seulement la charpente linguistique, mais aussi la fonction culturelle, sociale et politique.
 
La journée d’étude « Les fabriques de la traduction. Traduction et production populaire et médiatique » est la première étape d’un projet de recherche international qui vise à interroger la pratique traductive à partir d’un corpus issu de la production culturelle populaire, en essayant de reconstruire, par le biais des archives éditoriales, les conditions matérielles de son exercice et en mesurer la portée culturelle et narrative.
 
Cette approche de l’étude de la traduction entend ouvrir à une meilleure compréhension des dynamiques de construction et de circulation transnationales des récits populaires et, en même temps, animer une réflexion théorique capable de repenser certaines notions centrales de la théorie de la traduction – fidélité, respect, équivalence… –, trop souvent établies exclusivement à partir de corpus de littératures « légitimes ». Car, comme l’a écrit Meschonnic (1990), « il y a du palimpseste dans la traduction », mais ce qu’on voit en grattant ce n’est pas le texte original, « c’est le traduire » : son historicité, le système discursif dans le cadre duquel il surgit et qu’il alimente, son potentiel créateur et sa relation à une poétique.

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Appel à contributions : Utopies / uchronies /rétrofuturisme : transmondes, nouveaux mondes, antimondes (Université de Toulon)

Colloque international : Utopies / uchronies /rétrofuturisme : transmondes, nouveaux mondes, antimondes

Échéance des propositions : 25 juin 2022

17-18 novembre 2022, Université de Toulon
 
Organisation : Valérie Michel-Fauré
 
Notre rapport au temps et à l’espace de l’Histoire, des histoires, s’est considérablement modifié depuis la seconde moitié du XVIIIe siècle et ses évolutions/révolutions politiques, scientifiques, technologiques, industrielles, de transport et de communication. Du temps universel et universaliste structuré par nos civilisations occidentales, tout au long des XIXe et XXe siècles, nous sommes passés à une accélération puis à une relativité temporelle, compression puis expansion spatiale. Aujourd’hui, en ce XXIe siècle, héritiers de cette idéologie progressiste, nos regards sont tournés vers le postmodernisme et sa déconstruction, le postcolonialisme, le posthumanisme, le transhumanisme, les biotechnologies, les transidentités…

Si la notion d’Utopie et la cité d’Utopia, ce lieu de bonheur hors du temps et de l’espace des hommes, nulle part, ainsi définie et fondée en Europe par l’humaniste anglais Thomas More[1], à la Renaissance, a inspiré nombre d’écrivains, d’artistes, de scientifiques et d’explorateurs depuis sa parution, elle trouve sa source dans l’imaginaire antique méditerranéen aspirant à une expansion civilisatrice. Elle se prolonge dans sa structuration et son argumentation à travers la première utopie humaniste littéraire française, l’anti-couvent de l’abbaye de Thélème décrit par Rabelais dans son célèbre Gargantua en 1534[2]. Elle se développe avec une nouvelle dynamique de contestation et une énergie chimérique à travers le regard de Louis-Sébastien Mercier et son roman à succès dans l’ensemble de l’Europe, L’An 2440[3]. Ce récit d’anticipation programmatique de la philosophie des Lumières, cette nouvelle Utopie, inscrite dans le champ de l’Uchronie, se situe bien sur Terre, comme une « prophétie » de la révolution française selon son auteur. Elle sera revue et augmentée à trois reprises jusqu’en 1799 et propose une relecture de l’Histoire, une Histoire parallèle, préromantique et paradoxale.

Fascistes ou libertaires vont s’emparer de la notion d’Utopie, rêver à des mondes alternatifs, tenter d’imprimer sur le monde réel leur imaginaire, en dystopie, en paradigme.

Les portes de la perception ainsi entrouvertes par le poète et peintre anglais William Blake en 1790[4], réactualisées en 1954 par l’écrivain de Science-fiction Aldous Huxley[5], vont conduire les écrivains à réinventer le genre, autour d’une interpolarité temporelle.

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Appel à contributions : Humour et Moyen Âge, de Rabelais à Twitter (séminaire “Modernités médiévales”, en ligne)

Appel à propositions pour le séminaire 2022-2023 de l’association « Modernités médiévales » : Humour et Moyen Âge, de Rabelais à Twitter

Date limite d’envoi des propositions : 10 septembre 2022

Date des réponses du comité scientifique : 20 septembre 2022

Le séminaire « Humour et Moyen Âge, de Rabelais à Twitter » de l’association « Modernités médiévales » s’intéressera en 2022-2023 aux usages humoristiques associés à la période médiévale et à son imaginaire au fil de l’histoire.

On voit en effet se développer aujourd’hui un humour médiévaliste, et s’il a déjà été étudié sur son versant audiovisuel, c’est par exemple moins le cas pour ses déclinaisons sur les médias numériques ou sur les réseaux sociaux, qui se sont en particulier fait remarquer en France durant la période très incertaine des débuts du COVID. L’on y revisite aussi bien les enluminures (Simon de Thuillières) et la langue médiévale pour commenter l’actualité (compte Twitter @Jehan le Brave) que des tubes des années 80 dans le sillage du « bardcore », avec des exemples comme Hildegard Von Binglin ou Maître Frelon (« Elle a les yeux arquebuse »). Le jeu sur un faux ancien français, expérimental et potache, reposant surtout sur la réinvention lexicale, serait une sorte de retour aux sources fantasmé en même temps peut-être qu’une forme de parade (aux deux sens du terme : résistance et ostentation) au franglais, au globish… 

Cette nouvelle sociabilité et ces pratiques humoristiques contemporaines en lien avec le médiéval nous invitent à nous demander avec Michèle Gally, dans son dernier ouvrage, A la croisée des temps. Les avatars littéraires du Moyen Âge, « quelle représentation du passé (et ce qu’il contribue à en construire) et aussi quel souci le geste de remonter au Moyen Âge – et non à une autre époque – engagent chez nos contemporains » (CNRS Editions, 2022, p. 189). Rit-on du Moyen Âge ou des représentations et visages qu’on lui prête ? Les temps épidémiques sont-ils à l’origine de rapprochements ? Rit-on avec le Moyen Âge, contre lui ? A côté ou en opposition à lui ? Cette recréation témoignerait peut-être aussi de « l’attitude inquiète vis-à-vis du présent et de l’avenir », souligne ainsi Michèle Gally (p. 191).

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Parution : Aquariorama. Histoire d’un dispositif (Guillaume Le Gall)

Guillaume Le Gall, Aquariorama. Histoire d’un dispositif, Sesto San Giovanni (Italie), Mimèsis, 2022.

Apparu dans les années 1840, l’aquarium offre un accès visuel à un milieu et à des formes en mouvement jusqu’alors inaccessibles. Cette révolution du regard marque une rupture dans l’histoire de la représentation. Mais cet objet technique va rapidement sortir de son cadre expérimental et fournir dans le contexte des expositions universelles des mises en scène spectaculaires et des images luminocinétiques originales.

De ce point de vue, l’aquarium est un objet hybride qui s’enracine dans la culture visuelle et littéraire du XIX e siècle, et au-delà, au point de constituer une forme paradigmatique des dispositifs de vision à travers.

Ce livre propose une archéologie de l’aquarium comme média en replaçant cet objet dans une nouvelle généalogie des dispositifs optiques, depuis le diorama daguerrien jusqu’aux tableaux lumineux de Jeff Wall en passant par le cinéma, la vitrine, la morgue, le théâtre de Loïe Fuller ou l’architecture de la serre.

Appel à contributions : La violence dans les objets sémiotiques fictionnels destinés à l’enfance et à la jeunesse (Revue Cultural Express)

Appel à contributions pour un numéro de la revue Cultural Express qui paraîtra en 2023 : “La violence dans les objets sémiotiques fictionnels destinés à l’enfance et à la jeunesse”

Échéance des propositions : 1er octobre 2022

La violence, « huitième péché capital1 » tend à devenir une constante de l’écriture romanesque contemporaine. Après les contes populaires où l’on dévore, trucide et mutile sans vergogne, où il est question d’inceste (Peau d’âne), de mauvais traitements (Grisélidis), de mise à l’écart et de soumission (Cendrillon, Les Fées), d’exclusion (Le Chat botté), d’abandon d’enfants (Petit Poucet), d’infanticide (Le Genevrier), de sacrifice humain (Jean-le-Fidèle), de cannibalisme (Chaperon rouge, dans sa version archaïque), des récits contemporains – véritables « graphies de l’horreur2 » – exposent des atrocités et leurs manifestations. Sous prétexte de dénoncer une société dystopique et à la dérive, Hunger Games renoue avec les combats mythiques et délecte les lecteurs/spectateurs du spectacle d’un combat à mort d’enfants et d’adolescents dans une arène hostile.  Cette trilogie de Suzanne Collins a relancé le débat sur la violence dans la littérature jeunesse en se classant en 5ème position du classement des livres les plus violents, classement établi par l’American Library Association. Twilight, la saga de Stephenie Meyer, présente une justification de la violence masculine physique et morale et « glamourise » les relations toxiques. Divergente et Le Labyrintheplongent les lecteurs/spectateurs dans des mondes futuristes totalitaires et sombres. Dans le monde post-apocalyptique du roman de Veronica Roth, les Divergents sont traqués et tués par le gouvernement ; James Dashner met en scène une cinquantaine d’adolescents amnésiques qui servent de cobayes dans un labyrinthe gigantesque sans issue et peuplé de monstres mécaniques rôdant chaque nuit. Chez J. K. Rowling, la violence intrinsèque au monde magique est présente dès le premier tome de la série littéraire de « low fantasy » Harry Potter : le personnage éponyme brûle le visage du professeur Quirrell d’un simple contact ; ailleurs, il transperce Drago de dizaines de coups d’épée d’un « simple » Sectumsempra. Le lecteur/spectateur découvre un univers où des enfants sont jetés en pâture à des dragons et où de nombreux dangers rôdent au détour d’un couloir. Les violences physiques et morales sont monnaie courante dans ce monde magique et y sont même banalisées au point de servir de point de départ à des divertissements populaires, dont le Quidditch, où les batteurs expédient des sphères métalliques sur des joueurs adverses afin de provoquer une chute de plusieurs mètres de haut. Le héros, Harry Potter, brimé par ses gardiens légaux, fait face à une violence physique et mentale presque permanente sans que les services sociaux moldus interviennent. Dans le monde des sorciers et à Poudlard tout particulièrement, la violence physique est justifiée par la magie qui excuse la gravité de certains actes. Dans les mangas, la violence a une valeur symbolique et renvoie aux archétypes du « bien » contre le « mal ». La cruauté mise en scène dans le manga pour adultes est déplacée sur le versant psychologique dans celui pour adolescents, avec des humiliations (enfermer une fille dans un placard, lui mettre la tête dans l’eau des toilettes, …) ou du harcèlement.

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  1. Jim Harrison, Entretien (avec François Busnel) sur la sortie de son roman Péchés capitaux, diffusé dans le cadre de l’émission La Grande Librairie, sur France 5, le 3 septembre 2015. []
  2. Rachid Mokhtari, La graphie de l’horreur : essai sur la littérature algérienne, 1990-2000, Alger, Éditions Chihab, 2002. []

Appel à contributions : Fiction et patrimoine : le jeu comme lieu de mémoire (Université de Lorraine)

Colloque : Fiction et patrimoine : le jeu comme lieu de mémoire

17-18 novembre 2022, Université de Lorraine, Campus du Saulcy, Metz

Échéance des propositions : 10 septembre 2022

À l’occasion de la nomination d’Esch-sur-Alzette deuxième ville du Luxembourg, l’Institut National de l’Audiovisuel (INA), la Direction régionale des Affaires culturelles du Grand Est (Drac) et le Centre de recherche sur les médiations (Crem) s’associent autour du projet Memories, Images & History Across Borders (Mihab) relatif au patrimoine historique et culturel de la région transfrontalière de l’Alzette. 

Ce projet de colloque s’inscrit dans ce partenariat et pose la question de la transmission de la mémoire, en particulier lorsque cette mémoire est attachée à un territoire particulier, comme l’est le territoire transfrontalier de l’Alzette.

I-  Appel à participation

Introduction

« Très tôt l’archive a été utilisée dans les jeux vidéo, dans un premier temps pour pallier l’incapacité des dispositifs vidéoludiques à créer des scènes cinématiques réalistes, puis dans un second temps comme élément factuel à partir duquel les développeurs s’appuient pour reproduire les décors, costumes, objets et personnages de l’époque représentée. » 
(De Miras, 2019)

Comme illustré à plusieurs reprises dans la revue Jouer l’histoire, l’archive en tant qu’objet est fréquemment utilisée dans le jeu vidéo. Mais la définition de cet objet a des contours très larges. Stéphane Olivesi précise que : « […] tout document produit ou reçu dans le cadre d’une activité n’est pas conservé. Seuls sont archivés ceux qui doivent l’être légalement, ceux qui peuvent être utiles à la poursuite de l’activité ou ceux qui peuvent présenter un intérêt historique. Les autres sont détruits. » (2013 : 59) Ainsi l’archivage est-il lié à des questions juridiques, historiques, et culturelles. Dans le cas du jeu vidéo, la question se complexifie étant donné le caractère hybride de l’objet. La problématique de l’archivage est, par exemple, amorcée par le travail de Fanny Rebillard sur l’archivage du son dans les jeux vidéo (Rebillard, 2018). Cette interrogation accompagne aussi la structuration progressive de lieux dédiés à l’archivage du jeu, comme c’est le cas de la Bibliothèque nationale de France.

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Appel à contributions: Colloque “Le genre et la sexualité dans le jeu : jeux de rôles, imaginaires et possibles” (Université de Strasbourg)

Colloque “Le genre et la sexualité dans le jeu : jeux de rôles, imaginaires et possibles”

8 et 9 décembre 2022

Université de Strasbourg

Organisé par Laurence Schmoll, Valentine Royaux et Kim-Marlène Le – Université de Strasbourg 

Appel à contributions

Les années 2010 ont été marquées par des mouvements qui mettent en lumière le sexisme dans les industries culturelles et, plus généralement, dans la société, en témoignent  #GamerGate (2014) et #MeToo (2017). Depuis, le genre et la sexualité sont des sujets abordés de manière beaucoup plus frontale et explicite, attirant de plus en plus l‘attention du grand public. Dans le domaine vidéoludique, la question du genre atteint actuellement un niveau d’intérêt élevé, et ce, par le biais de trois prismes. Continuer la lecture de Appel à contributions: Colloque “Le genre et la sexualité dans le jeu : jeux de rôles, imaginaires et possibles” (Université de Strasbourg)